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Mujeres vestidas por mujeres

Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital pionero de América Latina fundado en 2006 por la periodista Lorena Pérez, enfocado en analizar la relación entre el estilo, la cultura, el arte y la sociedad ¡Bienvenidos!
La moda 2025
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La moda 2025 | Anatomía del cambio: La mansión Dior en 2025

 

Junio 2025: el debut de Jonathan Anderson en las colecciones masculinas

En 2025, el panorama de la moda no experimentó un simple cambio de asientos; asistimos a un giro sísmico. Aquello que durante meses flotó en los círculos de la industria como un rumor, se confirmó en la maison Dior como una reestructuración que redefine el futuro de la casa en la totalidad de sus líneas. 

Este movimiento no se reduce a un mero reemplazo de nombres; es, más bien, una declaración de intenciones sobre la dirección intelectual y comercial del lujo contemporáneo. 

El guardarropa feminista de Maria Grazia Chiuri en Dior


El Anuncio: Un Cambio de Guardia, y de Filosofía, en Dior 

Dior se adentra en una nueva era marcada por una reorganización de diseño de alcance insólito. ¿Qué pasó?

La salida I: Kim Jones se despidió en enero de la línea menswear de Dior, la cual revitalizó con un enfoque exitoso que fusionó la sastrería clásica con la cultura streetwear de élite. Lo extrañamos. 

La salida II: Maria Grazia Chiuri se despidió del womenswear con el desfile Crucero, en Roma, dejando un legado innegable forjado bajo el prisma del feminismo y un diálogo constante con el arte. En febrero 2026 se estrena como directora creativa de Fendi. ¿Respirar? Para qué. 
 
La llegada total: Jonathan Anderson, quien venía de una etapa de liderazgo transformador en Loewe y en su propia marca JW Anderson, asumió la dirección creativa global de todas las categorías de Dior: primero Hombre y luego anunciado en las líneas de Haute Couture y Prêt-à-Porter. 

La proclamación de Kim Jones para su debut en las colecciones de primavera 2019

Un Liderazgo Unificado, ¿qué significa esto para Dior? 

La decisión plantea interrogantes fundamentales sobre el futuro estético de la maison. Revisamos: 

1. Dior dejará atrás sus dos pilares creativos independientes para operar bajo una mirada singular y cohesionada de Jonathan Anderson, un diseñador reconocido por su modernismo sofisticado y su habilidad para fusionar la vanguardia artística con el más riguroso savoir-faire histórico.
 
2. La pregunta urgente es si Anderson trasladará la misma aproximación al craft y a las siluetas intelectuales y experimentales que cultivó con éxito en Loewe. ¿Podrá replicar ese magnetismo conceptual en la escala monumental que exige Dior? 

3. La Presión Histórica: Asumir la totalidad del legado de Dior, una casa intrínsecamente ligada a la mística silueta femenina del New Look y a la historia de la indumentaria occidental, se manifiesta como uno de los desafíos creativos más grandes de la industria global. 

Primavera Verano 2026: el debut en la linea femenina de Anderson en Dior

La mirada precisa de Cathy Horyn sintetiza este movimiento. Ella sugiere que la reestructuración buscó, ante todo, "romper con el enfoque temático de Chiuri y la Alta Costura accesible de Jones, con la intención manifiesta de buscar una voz singular que pueda trascender las exigencias del merchandising y reinstalar el intelecto en el corazón del lujo."

Paris Fashion Week: Jonathan Anderson en su debut en la línea femenina de Dior 


Imágenes: gentileza DIOR
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La moda en 2025 | De archivos y afectos: El último acto de Vivienne Westwood y Carrie Bradshaw

 

Un breve repaso por este 2025 nos devuelve a la alianza de Vivienne Westwood y Carrie Bradshaw, sellada en la temporada final de And Just Like That, la cual marcó el cierre definitivo del universo Sex And The City. 

Hay una sutileza deliciosa en la escena donde Duncan (el vecino que funciona como el último espejo romántico de Carrie) descubre que ella no es solo la vecina que taconea arriba de su cuarto cuando intenta escribir o dormir, sino un tótem de la moda. En ese instante, Carrie recupera en su silueta el Cinderella dress de la colección primavera / verano 2011 de Westwood, una pieza que perteneció al guardarropa personal de la propia Vivienne. 


La genialidad de Westwood nunca fue solo estética; fue una forma de guerrilla sartorial. Al fusionar la disciplina casi arquitectónica de la corsetería histórica con la furia del punk, transformó la seda en un manifiesto político. La diseñadora británica logró infiltrar su anarquía técnica en el pulso de la cultura, recordándonos que un vestido puede ser una belleza y un arma de resistencia al mismo tiempo. Hoy se cumplen tres años de su partida. 

Historias que se quedan, costuras que resisten.



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El archivo Haeder: ¡Bienvenidos al banquete!

 


Sobremesa es la colección primavera verano 2026 de Haeder, la etiqueta fundada por Luján Haeder que gestiona un sistema de diseño regenerativo propio. 
Un archivo emocional opera en cada pieza que presenta y que a su vez tuvo su vida recorrida. La diseñadora dice, desde el bollito de papel sobre el asiento, que “Nada de lo que ves acá es nuevo. Porque fue creado “para toda la vida” de quien ya no está, lo habitó y hasta lo heredó.” Así construye el espacio que minutos después contiene al desfile, desarrollado en el estudio de María Fux (1922-2023), la bailarina y coreógrafa argentina que gestó la danzaterapia como sistema propio. 
 
La prenda más sostenible es la que ya existe es su hipótesis y que en cada prenda es probada como válida. En el caso de Sobremesa, los textiles domésticos fueron los protagonistas. Mantillas, manteles, cortinas, caminitos bordados y tejidos en crochet devinieron en faldas, vestidos y aros que hicieron equipo con piezas de sastrería transformadas, nuevas. 
 
La acción de Luján Haeder es el registro de archivo que hace sobre la memoria emocional de la prenda, desde quien la hizo a quien la usó. Lo que invita a reflexionar sobre las funciones del archivo, siempre éticas, siempre honestas. Este es el Archivo Emocional de Sobremesa:


Imágenes: Gentileza Haeder 
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Primavera Verano 2026: Las innovaciones textiles de Clara Pinto para darle otra sensibilidad a la lana

 

Con un desfile en el barrio porteño de La Paternal, Clara Pinto presentó “Women in Wool Bloom”, en el marco de Designers BA, que en su edición primavera verano 2026 contó con la presencia de Sara Maino, la profesional italiana que en 2009 fundó junto a Franca Sozzani, su tía y exdirectora de Vogue Italia Franca Sozzani, la plataforma Vogue Talents. 

Preservar los métodos artesanales es una de las manifestaciones de Clara Pinto, quien tiene base en Londres. La diseñadora aborda la innovación textil a través de la lana, redefiniendo formas en fieltro y vellón que registran diseños que podrían mencionarse como objetos portantes, así se destacan en su condición artesanal. “Mi misión es preservar métodos artesanales en la industria, como filtrado a mano experimental, bordados de alta costura, tinturas naturales, sastrería, y utilizar lana como materia prima”, dice. 


Por un día, Espinosa Estudios se convirtió en un depósito campestre donde lanas, tules y bordados intervinieron la esencia rural de la puesta, pues la diseñadora argentina pensó en graneros emocionales. Segundo Etchebehere, director creativo, describió el espacio así: “Los diseños salen a pastar, a recorrer el campo. Se encuentran, se llaman, se seducen. Son ninfas bucólicas, deidades campechanas, diosas que salen en fila del tambo y cobran vida para ustedes.” 

 
Clara Pinto está radicada en Londres. Antes de fundar su propia etiqueta trabajó en el estudio de Peter Pilotto y al momento de lanzarla fue seleccionada como residente por Sarabande, la fundación de Alexander McQueen que apoya a diseñadores y artistas emergentes. Como parte de su trayectoria se destaca su paso por el Crafts Council of England, London Craft Week. La colección “Women in Wool Bloom” fue presentada previamente en Milán. Es el segundo desfile que realiza en Buenos Aires: En 2023, su colección ganó el concurso BA Creativa y tomó el Centro Cultural Recoleta como pasarela en el marco de BAFWeek. Los diseños de Clara Pinto se comercializan en Europa y Asia.


Imágenes: Gentileza Designers BA 
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La reivindicación de la seda: GONE presentó Superficies ilusas en desfile teatral

 

"Anoche estuve en el reino de las Sombras, donde rayos grises del sol atravesaban un cielo gris”, escribió en 1896 Maximo Gorki para describir la sensación como espectador en la primera proyección del Cinematógrafo Lumière. ¿Puede trasladarse ese sentimiento a un desfile? Y, sí. En épocas apuntaladas en el impacto visual y contenidos express, pero la misma donde el arte contemporáneo se viste de las diferentes disciplinas para contar una historia. 


Noches atrás, GONE montó su cuarto desfile. Teatral, efímero, dramático. ¿Qué estamos describiendo? Vestidos diseñados a partir de las sedas, que están arrugadas, drapeadas, anudadas, y se van corporizando en diferentes siluetas que parecen cobrar vida en el andar de las modelos, que por momentos parecían que iban a chocarse en la caminata, mientras otras tantas fluían etéreas al doblar alrededor de unos velos armados en LABA, en el barrio de Chacarita. 
 

La nueva colección de GONE se llama Superficies ilusas y sirvió de base para mostrar el avance del programa estético de la marca. La noción del lujo sensible corporizado en la seda para prendas habitadas en un uso cotidiano, ahora se encuentran con un temperamento escultórico. El lenguaje de las artes escénicas buscaba su entorno en la belleza, el drama y las emociones humanas. Cierra un vestido rojo endemoniado y la melodía Bad Romance, de Lady Gaga, mientras GONE - Gonzalo Andrade - y su equipo saludan. De la camisa del diseñador y fundador cuelga un pedazo de seda con la frase Industria Nacional, más que un manifiesto, se siente como una plegaria. Del desgarro sale la esperanza. Aquí las pruebas.


imágenes: Gentileza Gone
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Lo artesanal: La sastre Flora Lemes presenta su primera fragancia con un manifiesto

“Mujer sastre que cose a mano la belleza de otras mujeres”, se presenta así Flora Lemes en su manifiesto. El proposito de la presentación en su taller fue la presentación de _Fluere_ la fragancia que creó como regalo para su oficio, la sastrería. 

El manifiesto es un género escritural que nace para revelarse contra el status quo, lo institucional o proclamar algo distinto. Lo de Flora Lemes es tradición, legado y vigencia del arte de coser a mano y a la medida de un cuerpo que ya existe al momento de iniciar la operación artesanal. Entonces si, Flora Lemes se está amotinando del modo de hacer de la época, porque le está dando valor a lo que creemos dado. El acto de vestirse es performativo, aquí la rebeldía. De los vinculos líquidos interpretados por Zygmunt Bauman en "Vida de Consumo" al estado gaseoso que se va acomodando a la necesidad del momento. Lo de Flora, la sastre mujer, es para esperar y atesorar. “Una pieza única e irrepetible, fiel a nuestra naturaleza”, escribe. 
 
¿Qué pasa cuando productos naturales se encuentran? Nace _Fluere_ El aroma fue creado a partir de 7 ingredientes (cedro, tabaco, musgo, ámbar, orquídeas, azafrán y sandalo) que maridan perfecto con los géneros 100% lana o algodón Pima con los que trabaja en su taller. “Las fibras naturales conviven muy bien con las esencias naturales, porque las materias conservan el frescor o el calor en las telas”, dice la sastre en la presentación de su perfume desarrollado por Demolished.
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La poética de Sibilia: joyas y objetos de diseño que van del metal al papel

 

Días atrás nos acercamos al barrio del Abasto. Fernanda Sibilia tiene su taller en la zona del epicentro de teatros y cantinas, a unos pasos del shopping. Allí, junto a Julián Perrone Sibilia, presentaron la colección “Del metal al papel”, la nueva colección de Sibilia diseñada con pasta de papel y estructuras de metal. 

La diseñadora está pronta a cumplir 30 años con su marca. Fundada en 1996, le consultamos a Fernanda si siempre se pensó haciendo joyería y objetos de diseño. Responde que fue por Claudio Drescher (actual co-equiper de Jazmin Chebar) propietario en aquel entonces de Vitamina. Él fue quien le hizo el encargo de accesorios para la marca joven. Luego vino el apoyo de la visionaria Dolores Navarro Ocampo, la productora de moda y creadora de puro Diseño la seleccionó y premió para el concurso de Nuevo Talentos de Revista Para Ti. 
 
Pulseras y anillo de bronce con piedra de pasta de papel

A mediados de los 90, con la explosión de las marcas jóvenes en el mercado de la moda, la propuesta de Sibilia era diferencial. Fresca, novedosa, de diseño, personal. 
 
“Hace casi 30 años que trabajó el metal. Hoy tenemos una nueva colección que nace de nuestras raíces y se construye desde una materialidad completamente distinta. Usando el metal como alma pero envolviendolo en una mezcla de papel, cola, enduido y algunos truquitos más. Una manera diferente para reinventarnos”, cuenta sobre su flamante colección. 

Julián y Fernanda Sibilia en el taller

El taller está repleto de colores envasados en frascos, papeles, metales, máquinas que necesitan de la mano, herramientas. En la sala de enfrente está el showroom con todo el repertorio que integra Sibilia.  Aquí se exhiben en su totalidad y se producen a demanda. También son las mismas joyas que forman parte de los stores de los museos del mundo, como el MoMA, Victoria & Albert, Guggenheim, el Metropolitan y Musée de l’Orangerie. 

De bronce y pasta de papel, la nueva colección de joyas de Sibila 

Sobre la pared, se destacan los aros que hacen gala de las formas y los colores, collares, brazaletes, anillos que también conviven con objetos escultóricos construidos con la técnica del papel: hay floreros y flores y objetos que cuelgan del techo. Le consultamos a Julián, sobrino de Fernanda, si hay formación para seguir el estilo de Sibilia. Si bien está la Escuela de Joya, la educación sale del hacer y la exploración en el taller. Es una formación cercana al artesano y al artista, más que un procedimiento que indique cómo encontrar las formas. 

En Sibilia hay una poética que da cuenta de un estilo que traza un recorrido atemporal.

Mirá y comprá las joyas y objetos de Sibilia en su shop online. 

Objetos móviles y escultóricos

Créditos: Las fotos productos corresponden a Jimena Nahon y las fotografías del taller y retratos son de Lucia Bonnels
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Las diferentes vidas del traje: Rouse Lasserre viste a Juan Minujín en el Festival de Cine de San Sebastián

 

El traje es un baluarte de la tradición y símbolo de la perdurabilidad. En sus nutritivos 400 años de existencia tuvo pocas transformaciones, si es comparado con el guardarropa de la mujer, pero cuando los cambios suceden, se roban toda la atención. Será por su exquisita artesanía. En el distrito Mayfair de Londres existe la calle de los sastres - Savile Row - que reunió exclusivamente establecimientos de sastrería para hombres durante siglos hasta no mucho tiempo atrás. Serán los nombres los que revelen los nuevos aires: Kathryn Sargent, fue la primera mujer en ser nombrada Head Cutter en Gieves & Hawkes y abrió su propia tienda en 2016. Anda Rowland se convirtió en directora de Anderson & Sheppard, mientras que Phoebe Gormley es la primera en abrir una sastrería dedicada a las mujeres en Savile Row. En Argentina se dieron estas innovaciones. 


Al tiempo que las zapateras se insertaban en un oficio históricamente manejado por los hombres, Vicki Otero lanzaba su etiqueta. Daniela Sartori se especializaba en moldería abordando su sastrería desde la sostenibilidad y Flora Lemes se formaba con Natalio Argento, gran maestro sastrero que comenzó trabajando en la Tienda Marilú Bragance. En este contexto, el trabajo de Rouse Lasserre se destaca desde 2019, cuando fundó su etiqueta. Sus diseños se lucen en festivales de cine como en las giras de prensa o galas de premiación. Las referencias visuales incluyen a Tiago PZK para los Latin Grammys y una pasarela completa compuesta por looks ofrecidos por Leonardo Sbaraglia y Juan Minujin, dos actores con una percha que destacan determinadas características que ensalza el oficio sastrero signado por la estructura, la moderación, la atención rigurosa al ajuste y la armonía. Rouse Lasserre lo entendió a la perfección. Ahora mismo se ocupó de vestir a Juan Minujín para el Festival de Cine de San Sebastián. Allí, el actor argentino está presentando "Los domingos", la película española dirigida por Alauda Ruiz de Azúa, en competencia oficial en este festival. 


“Este traje, que a primera vista puede parecer sencillo y de líneas puras, logra su fuerza gracias a decisiones conscientes en cada línea y cada pinza, pensadas para equilibrar forma, movimiento y presencia. La ausencia de botones, bolsillos y ojales permite que la línea permanezca continua; las mangas laterales abiertas, junto con el cuello y el detalle en el pecho, completan la fluidez de la prenda”, dice Rouse Lasserre de su diseño minimalista y contemporáneo. 

 
El look: Un saco en crepe francés color off-white, de cuello elevado de línea continua, reivindica la sastrería clásica transformándola en una silueta actual, combinado con un pantalón sastre en lana Super 120’s color negro que completa el equilibrio entre tradición y modernidad. 
 

Rouse Lasserre se graduó en Diseño de Indumentaria en la ciudad de La Plata y se especializó en sastrería en el Teatro Argentino. Ella busca gestar diseños que muestren la personalidad de quienes los llevan. En su recorrido trabajó en el área de vestuario del Teatro Colón y realizó vestuarios para las series Santa Evita y El Reino II. 

Pueden seguir el trabajo de Rouse Lasserre a través de la crónica visual que realiza en su cuenta de Instagram o pedir cita para visitar su atelier ubicado en Recoleta. 
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Italia: Murió Giorgio Armani

En octubre del año pasado, Giorgio Armani declaró en el Corriere della Sera que planeaba retirarse en dos o tres años. Al rato se retractó: retirarse no era parte de sus planes. Si bien no confirmó sucesor, al mismo diario le confesó que esperaba que la continuación de su empresa fuera orgánica y no una ruptura. Simbólico, si pensamos que en las próximas semanas, durante Milan Fashion Week, Giorgio planeaba celebrar en la pasarela los 50 años de Armani. Murió a los 91 años. 

Se ocupó de todo hasta el final. Su última aparición pública fue en la inauguración de Giorgio Armani Privé  2005-2025, Vent’anni di Alta Moda, en Armani / Silos,  su museo en Milán, de la que por supuetso, también se ocupó de la curaduría. Para las colecciones masculinas de junio y las de Haute Couture de este año, se excusó por su ausencia y dejó en claro que las estuvo supervisando. 

La revolución de Armani se dio desde el traje. El italiano se ocupó de desestructurarlo, lo suavizó en forma y al tacto, los coloreó con otra paleta, mas sobria, pero también más sensual. El colmo de la sofisticación. En estos códigos, en 1980 lo vistió a Richard Gere en "American Gigoló" y desde ahí se ocupó de que su nombre apareciera en el sistema de créditos de las películas. También innovó desde la alfombra roja al vestir a las estrellas con pantalón: a Julia Roberts le puso un traje para los Golden Globes de 1990 y a Jodie Foster la vistió de smocking en los Oscars de 1992. 

Hace cincuenta años los vemos saludar en sus desfiles de estricto negro o azul marino - azul Armani, con su bronceado y pelo cano tirado para atrás y zapatillas blancas. Además de comandar una empresa exitosa, Giorgio Armani era el único accionista de su empresa, es decir, era su propietario. Falleció a los 91 años y con él también se da vuelta otra página de una moda cada vez más lejana, una gestionada por sus propios diseñadores. 



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Qué es Shein y cómo impacta su modelo de negocio en la moda

 

Se la reconoce con origen en China, pero Shein, la reina del fast fashion y la compañía más contaminante del mundo de la moda, no tiene una identidad clara. Su sede está ubicada en Singapur, pero la mayoría de sus empleados trabajan en China, en tanto su presidente ejecutivo la declaró estadounidense, a principios de 2024, porque Shein genera en Estados Unidos la mayor parte de sus ingresos, explicó. De esta manera, Shein no tendría obligaciones con ningún país. 

Y así circula esta historia de un retail que genera tantas ventas como controversias.

Shein fue fundada en 2008, poco antes del reinado de la moda rápida que comandaron H&M y Zara en los tempranos 2010. Las estrategias de renovación permanente a precios bajísimos y sustentado con el impulso de las redes sociales pusieron en jaque al sistema de la moda, conformado por una industria dedicada al cambio y a las novedades, pero cuyas estructuras tardan años en modificarse.

El modelo de negocio del fast fashion implosionó un calendario acostumbrado a cambiar por temporadas y edulcorado por colecciones cápsulas. Las temporadas de entretiempo (las de Resort y Pre-Fall) no tardaron nada en convertirse en las estrellas y salvadoras de las casas de moda dado que eran colecciones más pequeñas, llegaban antes a la venta y, por su temporalidad, no entraban en el ciclo de rebajas y liquidación. A eso le siguieron los nuevos modelos de negocio, como el See Now, Buy Now, cambios en el calendario de presentaciones y cuestionamientos, como por ejemplo ¿para qué sirve la semana de la moda? 

Las redes sociales sirvieron un sin fin de looks y productos como acontecimiento permanente, pero en abril de 2013, el edificio Rana Plaza, en Bangladesh, atiborrado de fábricas con personas condenadas al trabajo esclavo que producían la moda que luego se lucía en occidente a precios accesibles, se derrumbó y fue imposible no enterarse lo que provocó la moda rápida: 1138 muertes. Los talleres clandestinos, el trabajo esclavo, la crisis climática y la emergencia de un nuevo consumidor consciente también se hicieron visibles y parte de la agenda. Sin embargo el fast fashion nunca detuvo su ritmo.

Shein ya había comenzado su revolución de compras online cuando la pandemia del Covid-19 la impulsó. Millones de personas confinadas en cuarentena con dinero para gastar. Ya en noviembre de 2022, Shein representaba el 50% de las ventas de moda rápida en Estados Unidos (antes de la pandemia significaba el 12%) una valoración que supera los ingresos de H&M y Gap, por ejemplo.


La metodología de Shein es básica. Marketing al mango para colapsar su web con ventanitas emergentes que van regalando grandes descuentos, lanzamientos de cientos de productos al día y siempre con precios que cualquier ser pensante leería con desconfianza: Si una prenda es más barata que una taza de café con leche, ¿qué se resigna en la cadena de producción para mantenerse baratos?

En una estrategia de marketing hábilmente diseñada. Un ejército de influencers pagados y acelerados se pavonean en videos usando las prendas, incentivan a bajar la app y suscribirse a los mails, regalan códigos. Se ponen productivos y creativos para invitar a la compra. Así, la bandeja de entrada se convertirá en un recordatorio de las ofertas y decenas de razones para comprar productos accesibles que seguramente no necesitabas pero son lindos y baratos.

Este furor de compra de ropa barata transcurre mientras la propia empresa publica su informe de sustentabilidad e impacto social. Es decir, en junio 2025, Shein se confirma por segundo año consecutivo como la empresa más contaminante del sector de la moda, con emisiones que contribuyen al calentamiento global. 

En lo que va del año, el impacto ambiental de Shein aumentó el 23% con respecto a 2024.

¿Cómo impacta Shein en las economías regionales? Según un informe de BoF, Latinoamérica está empezando a gravar la avalancha de productos baratos provenientes de su desigual socio comercial, dice la nota. Pero no es el caso de Argentina, donde la apertura de importaciones y el impacto de la eliminación de impuestos a la importación de prendas terminadas, que flexibilizó el gobierno de Javier Milei, significó una caída abrupta en las ventas y crisis en la industria textil.

La Cámara Argentina de la Moda realizó una encuesta a diseñadores y marcas de todo el país y los resultados revelaron que: 
 a. Los impuestos actuales aumentan significativamente los costos de producción
b. L a eliminación de impuestos a la importación de prendas terminadas afecta a las ventas por competencia desleal 
c. La llegada de plataformas como SHEIN, que operan sin control, afecta al sector.

Mientras tanto, los gobiernos de México y Chile comenzaron a gravar las importaciones de bajo costo en un intento por proteger a los negocios locales del excedente proveniente de las sobrepobladas fábricas chinas, publica el informe de BoF. El Estado presente. 

Los países latinoamericanos exportadores de materias primas tienen menos margen de maniobra para actuar contra los intereses chinos debido a su desigual dinámica comercial con Pekín, señaló Evan Ellis, investigador especializado en América Latina . (BoF)

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La moda en New York: Rachel Scott, la diseñadora de Diotima, es la nueva directora creativa de Proenza Schouler



“Rachel Scott aporta una perspectiva fresca y femenina a una marca construida con el espíritu de la mujer estadounidense moderna. Su profundo conocimiento de los códigos de marca de Proenza Schouler, sumado a su excepcional capacidad para combinar la artesanía con la innovación, la convirtieron en la elección natural para liderar la marca”, declaró Shira Suveyke Snyder, la directora ejecutiva de la marca fundada por Jack McCollough y Lázaro Hernández, diseñadores a que en el inicio de 2025 fueron confirmados para suceder a Jonathan Anderson en Loewe. 
 
Rachel Scott es la diseñadora de Diotima, la exquisita marca de diseño que gestiona artesanía y tradición con sastrería de lujo que desarrolla con artesanos de Jamaica y finaliza en New York, la ciudad donde vive y trabaja. En su programa estético reside lo intelectual, la estética y el cuerpo​ gestando arquetipos sin condicionarse: aspira a la elegancia pero no resigna sensualidad. El resultado es un refinamiento que la posicionó como una de las voces más potentes de la industria norteamericana. 
 
Lázaro Hernández y Jack McCollough fundaron Proenza Schouler en 2002. Siempre fueron presentados como la próxima gran marca, que luce moderna e innova con la tecnología textil, que es vibrante y actual. Proenza Schouler no es el colmo de la feminidad pero tampoco está atravesada por una estética masculina, es personal. En los últimos años tuvo cimbronazos, dejaron New York Fashion Week para mudarse a París, incluso en 2017 se presentaron en las colecciones Haute Couture. 
 
Jack McCollough y Lázaro Hernández siguen siendo accionistas de Proenza Schouler y al frente de Loewe se estrenan en los próximos días durante la pasarela primavera verano 2026, junto a otros 15 debuts de diseñadores que hace dos años venimos esperando. En tanto Rachel Scott seguirá diseñando Diotima, acaba de asumir la dirección creativa de Proenza Schouler, por lo que la primera colección para la marca será durante las colecciones otoño invierno 2026, en febrero del año que viene.
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Adriana Costantini celebra los 40 años como marca de moda

 

Luego de una exitosa carrera como modelo, la idea de Adriana Costantini fue fundar una marca de ropa para abastecer a todo el país. Ella quiso hacer lo que las demás empresas textiles no hacían: llegar a toda la Argentina. Corría el año 1985, en simultáneo con el lanzamiento de las 7 piezas sencillas de Donna Karan. La nueva etapa de la gestión de un guardarropa funcional y práctico, que hoy caracterizamos como atemporal, estaba en marcha. 

Desde 2001, el departamento de diseño de Adriana Costantini está a cargo del diseñador Elio de Angeli. Durante el año, es posible verlos juntos presentando colecciones y charlas para las clientas. Además son habitués del calendario de Argentina Fashion Week, donde la etiqueta ofrece un espectáculo que jamás perdió su eje: presentar una colección de moda con prendas listas para ser lucidas en diferentes ocasiones del día. 

Adriana Costantini & Elio de Angeli en el Palacio San Miguel

A continuación, el registro de algunas de las pasadas del desfile primavera verano 2026, en el Palacio San Miguel, con la colección que celebró los 40 años de Adriana Costantini, disponible ya en el shop online y las tiendas:




imágenes: Gentileza Adriana Costantini 
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Mirá porqué es aspicioso debut de Glenn Martens en Maison Margiela

 


Maison Martin Margiela fue fundada en 1988 con el augurio de reinventar prendas en su condición de recuperadas, deconstruidas para luego ser reconstruidas. La influencia fue tal que la moda en los años 90, como parte de la subcultura grunge, se sustentaba en el programa estético del diseñador belga, además de tener la bendición de las periodistas de moda. El éxito comercial lo acompañó y hacia 2006 lanzó la línea Artisanal ante la imposibilidad de mantener la cantidad de prendas siguiendo la premisa de la búsqueda y reconstrucción de piezas y textiles históricos. Así se mantuvo Martin Margiela durante 20 años, cuando vendió su compañía al empresario Renzo Rosso (propietario también de Marni, Jil Sander y Diesel) quien en 2014 contrató a John Galliano como director creativo de la maison y allí se mantuvo hasta 2024. Luego fue nombrado Glenn Martens como el continuador del legado de, quizás, la última maison pre digital fundada por un diseñador independiente. 
 
Las colecciones Otoño/Invierno 2025 Couture de la semana de la moda de París mostraron el gran comienzo de Glenn Martens, ex diseñador de Diesel, Y/Project e invitado en diseñar la colección Haute Couture primavera/verano 2022 para Jean Paul Gaultier. 
 

¿Qué tuvo de especial su debut? Que se asociaba totalmente a la era dorada de Margiela, incluso presentó el desfile en el mismo lugar donde Martin se despidió, en octubre de 2008. Glenn Martens explicó que ante la visible influencia de Martin Margiela en la moda, pensó cómo podría distinguirse desde la propia herencia evidente desde el nombre de la etiqueta. Pensó en volver sobre lo sobrio y en la austeridad para armar collages dando nuevos materiales. Se ve clara la mención al belga en las faldas largas cruzadas, los lazos, los rostros velados pero no por un trabajo de archivo, omnipresente en el estado de la moda de hoy, sino por Martens re-imaginó esas ideas para darle una nueva vida. Fue auspicioso lo que vimos. Lo mismo sucedió con Jonathan Anderson en la línea masculina de Dior y el debut de Michael Rider en Celine. Son diseñadores con nombres propios que transmutan su identidad.
 
Glenn Martens hizo muy bien en darle su propio aporte a Maison Margiela ya que de por sí es citado por los diseñadores, el más emblemático que nunca generó cuestionamiento ante la evidente referencia fue Demna Gvasalia en Balenciaga. Hacer un trabajo con la memoria y asociar nociones más que ir a lo novedoso que dio Martin Margiela, la réplica.
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An American Boy in Paris: El surrealismo de Daniel Roseberry para Schiaparelli

 

Daniel Roseberry había pasado 11 años como director de diseño de Thom Browne, el maestro de la teatralidad surrealista de la moda, cuando en 2019, sin ninguna experiencia en Haute Couture, fue nombrado director creativo de Schiaparelli.
 
Roseberry, un norteamericano de 34 años en aquel entonces, se hacía cargo de la maison de la diseñadora italiana que formó parte de la última de las vanguardias históricas, el surrealismo. Desde entonces, la aclamación y la emotividad son parte de la recepción de sus pasarelas. Y no es poco si tenemos en cuenta que la moda contemporánea declinó ser emocionante para enfocarse en la funcionalidad. 


"Sólo quiero hacer lo mío" y que de ninguna manera pensaba recrear la mentalidad de Elsa Schiaparelli: "No puedo hacer eso en absoluto", dijo. Elsa Schiaparelli fue una de las mujeres que lideraron la moda desde los años 20 del siglo pasado, de estar viva, este 2025 cumpliría 135 años. Esa distancia histórica es la que nos va a tocar calcular cada vez que veamos pasar ante nosotros una imagen de Balenciaga filtrado por Demna Gvasalia o un vestido de Maria Grazia Chiuri para Dior. La mentalidad de esos creadores ya no existe pero la industria los revive. 

 
Un look total en negro compuesto por chomba y jean mas gorrita deportiva, Daniel Roseberry quedaba viralizado en videos dado el día de estreno de las colecciones primavera verano 2025 de la Haute Couture. Con su desfile comunicó que su producto se destacó entre la multitud y con su mirada asentó que la creatividad es la cualidad a defender. 


“Ya no creo en la idea de que el minimalismo es igual al modernismo, así que descubrí que mi ojo estaba hambriento y sediento de algo que fuera un poco menos estilizado, un poco más trabajado”, dijo el diseñador a modo de proclamación en el back del desfile celebrado en París. “Icaro” es el nombre de la colección Haute Couture de Schiaparelli donde los volúmenes y escotes hicieron más que sugerir. Hubo corsets y tajos en las faldas, bordados y vestidos con pliegues como trompe l'oeil que hacía monumentos en las pasadas que cerraron musicalizadas con la voz de Carly Simon y la canción “Let the River Run”, el hit del film “Secretaria Ejecutiva”.


Imágenes: Gentileza Schiaparelli
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