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Mujeres vestidas por mujeres

Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital pionero de América Latina fundado en 2006 por la periodista Lorena Pérez, enfocado en analizar la relación entre el estilo, la cultura, el arte y la sociedad ¡Bienvenidos!
Postales de Viaje
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Reporte Inspiramais: la identidad cultural del Sur Global en la feria de innovación y diseño de latinoamérica

 

Estamos en Inspiramais, la feria que devela las investigaciones iniciadas en tanto diseño e innovación desde Brasil. En Casa Petra, en São Paulo, la edición número 30 de este salón que conecta a las industrias brasileñas con el mundo ofrece múltiples recursos que ubican al país en el eje de latinoamérica dado que se exponen desarrollos de materialidades: se observa cuero transparente hasta la producción con la piel del pirarucú (imagen de apertura), pez nativo del Amazonas, convertido en cuero sostenible. También las tendencias, productores y fábricas que se ocupan de los avíos y bordados hecho con técnicas tradicionales y enrollados listo para complementar los diseños que saldrán al mercado.


Sur Global 

El tema de la edición que anticipa el año 2025 es Periférico, bajo la tendencia que habla del Sur Global, una proclamación que además de proteger la diversidad cultural, ilumina las tradiciones en contrapartida a la cristalización dada por lo que dictaminan las convenciones de la moda eurocentrista. Inspiramais es una invitación a trabajar y generar desde lo propio, resuelve e indaga a partir de la creatividad, elemento fundamental del ser humano que ni la última versión de la Inteligencia Artificial podría llegar, por lo menos hasta ahora. Lo que nos distingue y caracteriza, lo que tenemos y podemos ofrecer, además del historial latinoamericano de invisibilización que es necesario revertir a partir de la reescritura de la historia y ensalzando la rebeldía cultural en las regiones señaladas como periféricas.


En contexto

De esto va este invierno de 30 grados en São Paulo. Nos instalamos en las inmediaciones del Parque do Ibirapuera y como centro emerge rodeado de lagos el Museo Afro Brasil - que también comparte pabellón con la bienal de San Pablo y la semana de la moda - con las imágenes del fotógrafo Wagner Celestino en sus “Caminhos do Samba”, una exposición de fotos que registra el paso del tiempo, las sonrisas y las arrugas, las miradas y la piel de los y las artistas de la samba paulista. Varias cuadras más adelante, llegando a la avenida Paulista está Itaú Cultural celebrando a Naná Vasconcelos y rescata sus vestuarios e instrumentos de este percusionista emblema de la cultura brasileña. Aunque como institución cultural es imposible no emocionarse ante la tarea del gran Museo de la Lengua Portuguesa, museo performático si los hay. Hay cronología, hay interacción visual, relatos aunque lo que impacta son los registros de los sonidos: documentar la voz a partir de las lengua de la diversa comunidad portuguesa, los sonidos de sus músicas e instrumentos. ¿A qué suena su historia? En esta antigua estación de tren es posible resolverlo. El espacio público paulista da cuenta de las tensiones sociales y las desigualdades que se expresan sobre las paredes en formato de pichação, murales enormes, graffitis; expresiones callejeras y artísticas sin un mensaje directo sino político. Estas intervenciones poéticas hacen al ritmo de Sao Paulo en su búsqueda por mostrarse y soltarse del dominio colonial. La cultura de sus calles son muestra de esta misión.


Diversidad cultural

Así este preludio para volver a Inspiramais y uno de sus subtemas: la cacofonía. En los desarrollos de la feria que mira al 2025 hace pie en la multiplicidad de identidades ubicadas en el Sur Global con una narrativa que incorpora a la moda y al arte como forma de su cultura al resistir la bajada hegemónica que llega desde Europa y mostrar a latinoamérica en sus propuestas simultáneas a lo ofrecido por las que se conocen como las capitales productoras de la moda. Inspiramais se posicionó desde una metodología de trabajo: cuando China se convirtió en el gran proveedor de Estados Unidos, Brasil quedó recalculando y en vez de mantener la copia salió con la originalidad. Así nació Inspiramais.


+ Mirea la cobertura de Bloc de Moda desde São Paulo

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Sastre Café: Latte ready-to-taste en Buenos Aires


La nueva apuesta al café de especialidad y el legado de una sastrería de barrio

 
Sábado, 9:00 de la mañana. La avenida Díaz Vélez en pleno movimiento, una postal del mundo como lo conocíamos. Como estamos volviendo a conocerlo. 
En la vereda, algunos banquitos y unos taburetes altos se van acomodando frente a la vidriera de Sastre Café, el nuevo espacio de café de especialidad del barrio de Caballito que abrió sus puertas hace apenas unos meses, muy cerca de Parque Centenario. Sin embargo, a pesar de ser la novedad, en Sastre aún perdura el aura del oficio que se practicara entre sus paredes desde 1975. 


Y es que el nombre de este café no es casualidad: basta con acercarse al vidrio y curiosear un poco en el interior para notar que el local no sólo aloja una máquina de café, tazas y un mostrador con productos de panadería; también se dibuja la silueta de algunas planchas antiguas, tijeras, una máquina de coser Singer de pie (aquellas de hierro de fundición que parecen existir en casa de todas las abuelas) y hasta un maniquí usando un saco sastrero tiene su lugar. 

Así como el aroma a café recién preparado persiste en el aire, el legado del trabajo de Pedro se respira en cada recoveco. Pedro Kulekdjian tenía al barrio acostumbrado a la escena suya de este sastre trabajando incansablemente detrás de su máquina de coser todos los días. Durante cuarenta y cinco años se dedicó a la sastrería y la alta costura, como la marquesina de su vidriera publicitaba. Hoy en día, las redes sociales del café están salpicadas de recuerdos y anécdotas sobre Pedro y lo que representaba para quienes viven en la zona. 


El rubro habrá cambiado, pero Valeria y Santiago buscan recrear en el café de especialidad la dedicación y atención al detalle de la sastrería que precedió esta propuesta. Las herramientas y el medio en el que se trabaja son diferentes, pero el cuidado en cada paso del proceso se mantiene. Ayer era la exactitud en las medidas, pinzas y puntadas; hoy es el tueste de los granos, el cuerpo, las notas del café. La elección de telas se convirtió en decidir si la mañana está para un latte, un americano o un flat white. Son Vale y Santiago quienes explican que a pesar de ser rubros distintos, ambos comparten muchísimo más de lo que imaginaban cuando comenzaron con la reforma del local. El sastre es un artesano que se basa en la costura a medida acompañada del buen gusto según la moda de cada época. El oficio de un barista tiene mucho en común. El saber identificar cada variable que puede tener la bebida desde su molienda, variedad, tueste, beneficio y ahí volcar la dosis necesaria para la preparación de cada café, siendo un trabajo donde la precisión es importante. Bespoke coffee, pero listo para llevar. 


A pesar de no haberlo conocido, las historias de quienes frecuentan Caballito les hablan de los tiempos en los que Pedro fue fiel a su oficio y valorizando cada uno de sus trabajos. Para el barrio en los últimos años laborales fue un ejemplo de laburante, ya que muchos nos cuentan que no podían creer que el tan mayor siga trabajando en su máquina de coser Singer hasta tan tarde, por lo que la esencia que tiene el local fue la que creó a fuerza de trabajo y constancia. 

La decisión de resignificar la esencia de lo que hoy es Sastre Café comenzó de a poco. En un primer lugar, al elegir el espacio se destacó la ubicación del local; sin embargo, ni bien la vidriera de la sastrería les devolvió la imagen de los objetos y herramientas que habían acompañado a Pedro por casi medio siglo de trabajo, el proyecto viró hacia la clara intención de reacondicionar y transformar el sitio manteniendo la pauta que traía de su función original. 


La barra y las máquinas encontraron su hogar entre estos ítems, al igual que aquellos banquitos y taburetes, que Vale y Santi llaman banquitos Taiwan. Los encontraron algunos días antes de la apertura de Sastre Café (Av. Díaz Vélez 4674) en un local del barrio que también cumple la función de taller y depósito. Un matrimonio de ancianos taiwaneses son las manos detrás del mobiliario sobre el cual reposa el café en la vereda de Díaz Velez, ya que también cumplen la función de mesitas .


Hace tiempo ya que las tendencias de consumo se posicionan de cara a la búsqueda y a la apreciación de lo artesanal; pareciera que el 2020 y los cambios de paradigma que evidenció terminaron de reafirmarlo. Una compra más consciente, que pregunta -antes que nada- quién hizo lo que llevamos puesto, lo que nos alimenta, lo que utilizamos. La mirada se vuelve hacia el oficio; después de años ejerciendo la adquisición masiva de producciones masivas, hoy el llamado interno de la sociedad y sus actores individuales invita a poner atención en las propuestas de emprendedores locales. La historia del proceso de creación que narra el producto de autor, de especialidad, aporta riqueza y resignifica las decisiones de cada persona en el acto de consumo. Los lazos con la comunidad se fortalecen a través de este intercambio. Es una postura frente a acontecimientos políticos y sociales. Priorizar y apoyar la realidad del acá, en lugar de proyectar en el aspiracional del allá. 


En lugar de detenerse en una cadena de cafeterías, la clientela de Sastre conversa sobre la vereda de Díaz Velez, café de especialidad en mano; o bien reposando sobre la artesanía de aquella pareja taiwanesa, cuyo valor se aprecia en el local dándole a esos banquitos un espacio protagonista en la disposición espacial de la tienda. La actividad que realizaba Pedro al 4600 de la avenida habrá cesado, pero no así su legado ni el interés de mantener viva la esencia del trabajo artesanal y de la relación profunda entre el producto, quien lo crea y su cliente.

Imágenes: Gentileza Sastre Café | Silvia Delvigo
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El diseñador que llevó el grunge a la pasarela y mostró una nueva manera de hacer moda


Maison Martin Margiela cumple 30 años de su fundación. Creada por el diseñador belga y su socia Jenny Meirens, la etiqueta mostró una manera de hacer moda, acompañada por un creador ‘sin rostro’, así se mantuvo durante 20 años, cuando vendió su compañía al empresario textil Renzo Rosso, que en 2014 contrató a John Galliano como director creativo. Margiela se retiró en 2009 sin haber dado entrevistas ni posado para una sola foto. Para el público es un desconocido, para la moda es un rupturista cuya proclamación fue tomar el pasado para construir el presente y sentar las bases del futuro, toda una inspiración para las generaciones futuras de diseñadores que hoy retoman sus modos.


Martin Margiela cuestionó el sistema de la moda a través de sus técnicas de confección y las maneras de visibilizar el trabajo. El reciclaje, el uso de forros para el exterior o telas de mala calidad y el vintage hasta materiales como guirnaldas navideñas y plástico para hacer ropa y transformarla, métodos que llevaron a sus contemporáneos a seguirle los pasos varias décadas después. En el desfile de la colección otoño / invierno 2018, Balenciaga mostró prendas con un número telefónico impreso, una tentación a llamar y escuchar de qué se trata. 5 meses más tarde, el grupo de rock Babasónicos implementó también la línea telefónica como modo 'innovador' de promoción. Ahora, qué tal si esto Martin Margiela lo hizo primero, en los 90'. Lo suyo fue mandar una tarjeta blanca con un número de teléfono. Al llamar, un contestador automático informaba el día y lugar del desfile. Demna Gvasalia, quien marca el rumbo de la moda de hoy al frente de Balenciaga y Vetements, le debe mucho a la estética de Margiela. Lo mismo Prada, Marc Jacobs y hasta Junya Watanabe se inspiraron en el legado del diseñador anónimo.


Los 30 años de vida de Maison Martin Margiela confirman la influencia en la moda contemporánea y que recientemente fue explorada en dos exposiciones.

Verano en Paris, un calor descomunal adormece los pasos en la ciudad luz. Dos museos deciden dar la mirada de Martin Margiela en exposiciones que referencian cantidad de ideas que este creador lanzó a destiempo de lo que se consideraba cool en los 80’, cuando reinaba el power dressing. En el Museo de Arte Decorativo, un primer piso se siente como subsuelo. Aquí está ‘Margiela, los años de Hermès’, una muestra que entabla diálogo entre lo que Margiela hizo en su maison y lo que ofreció como director artístico de Hermès. Cómo ese lenguaje innovador fue capaz de darle un twist funcional a una casa tradicional, mientras que en el Palais Galliera hay una laberinto donde se narran 20 años de historias en 130 diseños y resumidos en 40 desfiles realizados en lugares inusuales: un basural, las discotecas trash, un descampado, el estacionamiento abandonado, un cementerio y teatros fuera del circuito de Paris Fashion Week. Este fue el manifiesto creativo.


En los años de Hermès, el Museo de Arte Decorativo se colorea en blanco y naranja para distinguir los dos estilos que ofrece la exhibición.

En 1997 Jean-Louis Dumas, el chairman de Hermès, dio un anuncio inesperado cuando nombró a Martin Margiela director creativo de esta casa de lujo. Así de sustanciosa la propuesta como poco revisado este período que abarca hasta 2003. La figura de este hacedor se vuelve especialmente relevante dado el gran interés que una nueva generación de diseñadores tiene sobre él.


Margiela hizo del reciclaje una forma de hacer moda y fue este lenguaje el que llevó a Hermès, una maison marroquinera que viste a la alta sociedad. En las 12 colecciones que diseñó, utilizó la típica estética masculina de Hermès y las colmó de un estilo moderno. Uno de los ejemplos fue la práctica multifuncional que aplicó a los equipos que se lucen en el Musée des Arts Décoratifs: un blazer que tiene capucha y también puede ser una capa. Este gesto es constante en las piezas que están acompañadas por audiovisuales - cual tutoriales - de cómo usar las prendas. Una de las singularidades de estos clips es que son las mismas mujeres que 20 años atrás desfilaron estas prendas. Otras de las visuales que se destacan en este primer piso a espaldas del río Sena son los videos que muestran los backs del diseñador en su etiqueta homónima, incluso, hacia el final del recorrido, se aprecia al mismísimo hombre sin rostro pintando una modelo que está por salir a escena. Un tesoro para los seguidores de la moda.


En Palais Galliera, Jean Paul Gaultier recibe a los espectadores desde una pantalla halagando a su ex asistente, el diseñador Martin Margiela. Lo que sigue es un zig-zag que expone lo opuesto a los excesos que definen a la moda de los 80'. ‘Margiela Galliera: 1989 - 2009’ revela la deconstrucción y la renovación de prendas, cada una de las paradas fue examinada por el propio Margiela y curada por Alexandre Samson. La exposición mantiene el clima de cualquiera de los shows que se ven en los videos, incluso los pasos de la bota Tabi - que sirven de brújula para la visita -, fueron replicados del primer desfile que Margiela hizo en el Café de la Gare, en octubre de 1988, cuando las modelos desfilaban con estas botas emblema de la maison mientras las suelas recién pintadas de rojo dejaban su huella en la alfombra blanca de algodón que ofició de pasarela.


Los maniquíes muestran la nueva mirada a ropas que antes ya tuvieron su vida, también resignifica estilos de otros siglos, sobre todo del XVIII. ‘Artesanal’ es el nombre de la línea que confeccionó a partir de prendas recuperadas y a la vez se convierten en réplicas de estas ropas antiguas que se reproducen para ser comercializadas. Todo ya fue inventado, dice.


La proclamación de Maison Martin Margiela está en marcha y a 5 años de haber comenzado su etiqueta lanza una retrospectiva de su trabajo en una instalación. La temporada siguiente se presenta en vidrieras, un happening sirvió para que 12 mujeres mostraran la colección Otoño / Invierno del 95', al mismo tiempo y en distintos lugares, desde las vidrieras de tiendas de New York, Londres, Paris, Berlín y Tokyo.


Moda unisex, ropa XXL, el trompe-l'oeil en los vestidos, sweaters y camisetas tatuadas, la bota Tabi, zapatos en punta que se convierten en calzas en tonos vibrantes y hasta pares de medias que se convierten en una polera muestran el acto innovador del diseñador belga que utilizó una etiqueta con puntadas en blanco como identificación.


'Veinte años, cuarenta espectáculos, cientos de prendas, ¿qué queda?', fue la única explicación que dio Martin Margiela cuando lanzó la temporada Primavera / Verano 2009, la última: había vendido la marca que co-fundó junto a Jenny Meirens y se retiró. No se volvió a saber de él hasta que Paris amaneció con carteles ilustrados por una de las prendas que remiten al busto Stockman. La influencia del misterioso Martin Margiela está más presente que nunca.

Imágenes: Bloc de Moda
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Postales de viajes: La muestra de fotos de Lenny Kravitz en São Paulo


São Paulo es una ciudad de 18 grados permanente. Un placer. El sol a veces se cuela por las copas de los arboles y la felicidad de mantener un look con mínimas variaciones de la mañana a la noche hacen la caminata agradable en una ciudad difícil de encasillar: para un porteño es imprescindible traducir a lo conocido. No es de corte europeo, pero tampoco impregna una estética latina, en las calles tampoco se ven los estilos que caracterizan a Brasil. Las personas no se visten de colores y tampoco con la marca personal de los diseños que distingue la pasarela SPFW: São Paulo tiene sus propios espacios que narran esta ciudad enorme, oscura, dura y distante.


De la vereda del sol está la Galería Leica. En la puerta posa un hombre estiloso y encantador por donde se lo mire. Parece Lenny Kravitz. Es Lenny Kravitz. La caminata por el barrio Higienópolis tiene esas sorpresas. La cosa es que este rockero capaz de mixturar funk, gospel, rhythm & blues en una misma noche expone en Leica Gallery. Se trata de "Flash", una muestra de fotos donde el músico pone el lente en aquellos que lo retratan alrededor del mundo. La mirada sobre los fans, los paparazzis, los fotógrafos que corretean tras su figura sobre el escenario y por las calles con celulares o cámaras profesionales. De ser el punto de referencia a fotografiar su propio ritual diario, pues la vida de una estrella de rock se vive frente a los ojos del mundo.


A FLASH la componen 50 fotografías en blanco y negro que toman la planta baja y el subsuelo de esta coqueta y moderna galería paulista que muestra cómo lo que antes era invasivo ahora puede ser naturalizado y terminar como tema de una muestra en un espacio de arte.

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Cobertura: Inspiramais, Salón de Diseño e Innovación de Latinoamérica


Inspiramais es el Salón de Diseño e Innovación de Latinoamérica, promovido por Assintecal (Asociación Brasileña de Empresas de Componentes para Cuero, Calzado y Manufacturas), byBrasil (Proyecto Footwear Components by Brasil) y ApexBrasil (Agencia Brasileña de Promoción de Exportaciones e Inversiones).​

Dos días en el Jardim das Laranjeiras, en São Paulo,​ y con entrada libre y gratuita, Inspiramais es una feria donde se concentran y cruzan productos con la identidad de Brasil, desarrollos, conocimientos y creatividad que canalizan la relación entre su industria textil​ con los fabricantes del sector.


En el recorrido por Inspiramais se suceden productos e innovaciones necesarias para bajar al desarrollo de colecciones, muestra los proyectos y co-creaciones que hacen los diseñadores emergentes y los consagrados. Hay una búsqueda por soluciones, por ejemplo en materiales sustentables, necesarias para la industria. Esto se percibe a cada paso.

El diseñador Walter Rodrigues, coordinador del Centro de Diseño Assintecal, ofreció una guía para conocer la metodología de trabajo, un sistema de pirámide que separa las etapas de los proyectos entre el 10%, 30% y 60%.


La pirámide Inspiramais 
El 10% trata de innovación, de experimentar y ser creativo, aquello que hace a la identidad de una empresa. El 30% retoma el 10% y comienza el proceso de la bajada de las ideas a proyectos tangibles, buscando el perfil comercial. El 60% indaga en el mercado masivo: esta etapa es la que cierra el proceso y convierte a la idea en una realidad probada convertida en moda.


Inspiramais se desarrolla hace 10 años, dos veces al año, y toma al design como herramienta de innovación, busca ser un centro de información para las empresas de moda mientras la industria brasileña potencia su identidad y fortalezas que la identifican en el mundo. ZEN es el lema de la edición 2020 y no se vincula con el concepto de aquietarse sino que focaliza con la necesidad de estar presentes en el flujo de movimiento constante que motiva la moda.

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Bloc de Moda en São Paulo: ¡ZAPATOS! Adelanto de la moda Primavera / Verano 2020


Época de previews y ferias que adelantan las próximas temporadas. Esta semana aterricé en São Paulo para participar de Inspiramais, el Salón de Diseño e Innovación de América Latina y Francal, la feria internacional de la moda en calzado y accesorios que tiene lugar en Expo Center Norte del 3 al 5 de junio.


La feria Francal vincula la industria brasileña con los minoristas e importadores que llegan de distintas ciudades del mundo para comprar. Cada fabricante y marca de Brasil expone sus productos en los stands donde se presentan los modelos que abastecerán las vidrieras de la próxima temporada. Aquí, un repaso por algunas coincidencias que hacen a la tendencia de los zapatos primaverales:


En la paleta de colores se destaca el rojo - ¡está en todos los modelos! -, los metalizados, sobre todo en dorado, más verde, celeste y dorados que colorean los modelos.

Las sandalias de tiritas son un hit, casi en el mismo nivel que las chatitas. Las reinas de la temporada son las ojotas bordadas con piedras, algunas perlas o decoradas con moños y nudos.


Las alpargatas se lucen y se corren totalmente del aspecto rústico. Los mules forrados en lino y con rayas o estampas de flores. Sandalias vestidas en denim y si, hay plataformas. También zapatillas combinadas con animal print. Muchos de estos diseños son bellísimos, sea por la terminación, los materiales y las combinaciones o por la belleza del zapato logrado. El mercado masivo se presenta y estas son algunas de las marcas que logran diferenciarse con su producto terminado: Vicenza, Ferruci, La Femme - marca especializada en flats -  y A3 Espadrilles y Suzani Bissoli.


¡Atentos! La cobertura por São Paulo continuará en Inspiramais, el Salón de Diseño e Innovación de América Latina, promovido por Assintecal (Asociación Brasileña de Empresas de Componentes para Cuero, Calzado y Manufacturas).
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Postales de viaje: Los archivos de la moda

En julio pasado estuve en Paris, cubriendo por primera vez las colecciones Haute Couture. En el viaje aproveché para gestionar los permisos y acceso a materiales para conocer cómo las maisons conservan su legado. El resultado de mi investigación y recorrido está en esta nota que escribí para el diario La Nación. Click!

El estudio de Yves Saint Laurent está intacto. 

La idea de armar un archivo de moda es nueva. Clientas devenidas en coleccionistas, ellas fueron las primeras en donar y prestar su guardarropa cuando, en los años 70', la moda ingresó al museo como tema. Recopilar las piezas en un archivo no fue parte de las tareas esenciales de las marcas porque su objetivo siempre fue - es - venderlas.

La memoria de Martin Margiela: el belga aportó todo su archivo para la muestra de Palais Galiera.

La primera maison en pensar el valor de sus creaciones fue Yves Saint Laurent, a través de Pierre Bergé, socio y pareja del modisto, quien guardó los bocetos y diseños desde la primera colección Haute Couture, etiquetada en enero de 1962, y recopiló los sketches para vestuarios teatrales y óperas que el joven Saint Laurent realizó en su adolescencia. El objetivo fue la preservación y la exhibición de la obra, así nació en Paris el Museo Yves Saint Laurent, en 2002, levantado en el edificio donde funcionó la casa de Alta Costura, en 5 Avenue Marceau.

El estudio de Martin Margiela: entre cassettes, VHS y Barbie. 
En el caso de Dior, los archivos están en los alrededores de la emblemática Avenue Montaigne, aunque su ubicación es secreta y su ingreso, prohibido. Cuando Bernard Arnault compró la maison en 1984 pensó en celebrar con una retrospectiva la tarea del modisto Christian. Así, con la exhibición"Hommage a Christian Dior: 1947 - 1957" se puso en marcha el armado de los archivos de Dior, pero no fue hasta 1996 que la casa destinó recursos para recopilar y conservar los tesoros de toda su historia. Soizic Pfaff es la directora y encargada de custodiar que las telas de los diseños no se desgasten y los colores de los vestidos no se destiñan, mantenerlos sin ventilación y contacto con el exterior.

Podés seguir mis notas en La Nación clickeando acá
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Anuario 2018: Cuando el museo cuestiona las estructuras de la moda


El ideal del cuerpo según la moda y sus múltiples formas definen una época. Este relato cambiante y contado por siluetas quedó registrado en "The Body: Fashion and Physique", la exhibición que el museo del Fashion Institute of Technology de Nueva York presentó este año para cuestionar y visibilizar cómo la moda disciplina el cuerpo de la mujer.

"El cuerpo de moda es una construcción cultural que cambia a lo largo de la historia y enfatiza diferentes formas y proporciones, a pesar de que ese ideal de moda no es tan fluido en la vida cotidiana", relata en las anotaciones de la muestra Emma McClendon, la curadora de este proyecto montado en la planta baja de este museo cercano al Garment District.


"The Body: Fashion and Physique" ofreció un contexto histórico de los últimos 250 años y fue contado con 60 trajes.

La exhibición en el FIT Museum señaló cómo la industria de la moda regula el cuerpo, especialmente el femenino, en diferentes momentos. Entre los trajes aparece Paul Poiret como el diseñador que liberó a las mujeres del corsé, en la década de 1910, pero no fue hasta terminada la Primera Guerra Mundial y con el nombre de Coco Chanel como referencia, que la mujer comenzó a tener una vestimenta que contemplaba la libertad de movimiento. Así fue la evolución hasta que en 1947 Christian Dior revolucionó con el "New Look", una silueta inspirada en la Belle Epoque. Una década más tarde fue la juventud quien tomó el mando de los estilos de la moda y los centró en la jovialidad y la delgadez.

El vestido negro de Thierry Mugler (1981) y la jacket de Donna Karan (1986)

Creo que la moda de hoy no tiene un solo cuerpo ideal. La mayoría de los desfiles y revistas continúan presentando principalmente jóvenes modelos blancas, delgadas, pero Internet y las redes sociales abrieron la industria dando a los bloggers y consumidores una voz mucho más poderosa para desafiar los ideales normativos del cuerpo y expandir nuestra idea de lo que está de moda", escribe Emma McClendon.
Corsets (circa 1880)

Este concepto fue explicado por la teórica y socióloga francesa Agnés Rocamora en el ensayo "Personal Fashion Blogs: Screens and mirror in digital self portraits", donde menciona a las pantallas digitales como espejos hiper-modernos. Rocamora argumenta que las redes sociales crean una nueva mirada femenina y constituyen visiones alternativas acerca de la feminidad y amplían los ideales de belleza y estilo. En sintonía con esta observación, la curadora de la muestra del museo del FIT justifica que la forma en la que vemos y tratamos a nuestros cuerpos afecta cómo vemos los cuerpos de los demás.
Durante la década de 1980, un cuerpo duro y musculoso (y el régimen de ejercicio necesario para lograrlo) impregnó todos los aspectos de la cultura visual; desde la alta moda hasta la música y el cine."
La estética de cada momento responde a las sociedades, economías y temas tecnológicos y culturales que buscan captar el sentido de realidad. Por eso mismo, la moda de hoy se piensa en plural donde todo tiene posibilidad y no hay una forma de cuerpo que dictamina el momento, sino muchas para representar esta era.


Christian Siriano participó en la muestra con el vestido que le diseñó a Leslie Jones para la premiere del film "Los Cazafantasmas" luego de que la actriz publicara en Twitter que ningún modisto estaba dispuesto (por sus curvas) a vestirla para la alfombra roja.

La apertura de "The Body: Fashion and Physique" la encabeza el busto Stockman de Martin Margiela y se suceden vestidos de Christian Dior, Roberto Cavalli, Charles James, Calvin Klein, Halston, Adrian (el diseñador de la era dorada de Hollywood), un mini vestido de Twiggy - la modelo británica y emblema de los 60'-, Comme des Garçons y Jean Paul Gaultier, entre otros diseñadores dispuestos en la sala principal del Fashion Institute of Technology para sembrar la idea de que todos los cuerpos merecen ser incluídos en la moda.

La túnica de Martin Margiela (1997) con el aspecto del busto Stockman.

Estereotipos nacidos en Hollywood: Marilyn Monroe, la rubia sexy

 En la escena de "Some like it hot", la actriz Marilyn Monroe aparece corriendo a lo largo de la plataforma del tren. La cámara se acerca y ofrece un plano que fue considerado escandaloso en ese momento porque mostraba las nalgas de Monroe agitándose, lo que indica que no llevaba una faja.

El personaje del actor Jack Lemmon se hace eco del impacto de la audiencia cuando exclama: "¡Like Jello On Springs!".  Marilyn Monroe y su cuerpo se han convertido en importantes referencias en las discusiones sobre los ideales del cuerpo cultural.


* Lectura que te puede interesar: Qué pasa con los talles de la ropa en Argentina.
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Dónde compran las parisinas: Una guía de tiendas vintage y segunda mano

Calor desmesurado en Paris, una atmósfera somnolienta rodea a las calles donde, sin artificio, caminan mujeres con vestidos de largo midi con cinturones que rigurosamente abrazan la cintura, chatas en todas sus versiones, desde balerinas a sandalias. Algunas plataformas de caucho se cuelan en el look que cierra con carteras cruzadas y melenas de largo a los hombros que, casi por norma, son lacias.

Entre los 20 distritos que forman Paris hay zonas que se distinguen por los grandes almacenes, como las Galerías Lafayette y Printemps, por las tiendas de la emblemática Champs-Élysée y la histórica Avenue Montaigne o Le Marais y Saint-Germain-des-Prés, legitimados como barrios de diseño.


El estilo de las parisinas
Las parisinas cumplen ciertos ideales estéticos. En ellas se plasma una idea precisa de lo que se entiende por elegancia descontracturada, la actitud del chic que hasta tiene libros que cuentan cómo lograrla. En París hay tiendas que pasan desapercibidas, adheridas al ritmo de la ciudad y en consonancia con el estilo que reflejan las mujeres en las calles y hacen a la esencia por la que se las identifica.

Entre sus singularidades, las parisinas tienen una convicción personal muy marcada para presentarse ante el mundo, esa versatilidad se hace evidente en la propuesta que colman las tiendas que no tienen la pretensión de un concept store o las múltiples variedades de un multimarca, tampoco la tradición de las maisons, pero sí la historia de mantenerse, pese a los cambios rutilantes que registra la moda, fiel a las reglas del buen vestir.


Las tiendas que resuelven el vestir de las parisinas
En estas coordenadas por la Ciudad Luz sobresale la cantidad de boutiques con nombre propio y que hacen una bandera de la independencia. Un recorrido sugerido es comenzar por la elegante y estrecha Rue du Faubourg Saint-Honoré, cuna de las modistas y la Couture de otra época.

Por la zona del Trocadero está 'Sabine Couture', una pequeña tienda con vestidos camiseros, jumpsuits y camisas de seda como propuesta excluyente de su austera vidriera. Por la Bastille y Saint-Germain-Des-Prés está 'Anne Willi', una boutique hipnótica por las siluetas largas y elegantes que forman las piezas básicas del guardarropa. Blazers, pantalones sastreros, monoprendas, blusas y faldas y vestidos de vuelo lánguido. El colmo de la parisina. 'Antoine et Lili' ofrece el clásico robe francés pero en estampados más jugados. El hippie chic llevado con identidad.


Pero la experiencia emblema de hacer compras en París tiene a las ferias y a las tiendas vintages como eje. La aventura puede ser agotadora; ropa sobre ropa y un sin fin de sugerencias para hacerse de un ítem especial que, al fin y al cabo, la compradora no sabía que lo iba a encontrar. A favor de esta práctica está el encanto de conseguir diseños fuera de temporada. La caminata puede iniciarse en 'Pretty Box', un local parecido a un antro y atiborrado de prendas en percheros y cajas. Allí compran vintage desde el diseñador inglés Paul Smith, Kanye West hasta la modelo Bella Hadid. Es el lugar de moda en Le Marais.

 'Episode Vintage' es una curaduría de prendas donadas a la caridad. El equipo de este local de segunda mano separa y compra para reciclar las prendas que se acumulan según tipologías. En 'La Mode Vintage' están las prendas de marcas de lujo. Chaquetas de tweed Chanel, bolsos Gucci, tapados Courrèges fueron encontrados por Carole Bigielman, la fundadora de este showroom fundado a fines de los 90'.


Un lugar donde no hay que dejar de revolver es ‘Kiliwatch’, caracterizado por la mixtura de prendas vintage de todas las épocas y ropa actual. El repertorio de este nutrido y ordenado depósito lindero a la rue Étienne-Marcel se compone por piezas buscadas alrededor del globo, dicen. Cerca del Musée du Louvre está 'Didier Ludot', un vintage couture donde toda la historia de la moda se hace presente: el perfil folclórico de Christian Lacroix, lo clásico que remite a Balenciaga (Cristobal, claro), Christian Dior hasta los provocadores Yves Saint Laurent y Paco Rabanne, piezas de gran valor que algunas veces terminan en subastas.


‘Lorette & Jasmin’ es un tienda de segunda mano de lujo que se distingue por los accesorios principalmente, también porque se pueden alquilar sus piezas antiguas; desde una cartera Chanel a un vestido Céline.

Así, entre las casas más antigua de la moda y en la ciudad que dio origen a la experiencia de compra, es posible trazar un paseo por boutiques que capturan el estilo parisino en un espacio, a pesar de que la moda en París está presente en todos lados.


Direccionario: 
~ Sabine Couture: 29 rue de Longchamp
~ Anne Willi: 20 rue de l'Odéon
~ Antoine et Lili: 90 rue des Martyrs
~ Pretty Box: 46 Rue de Saintonge
~ Episode Vintage: Rue Tiquetonne 12-16
~ La Mode Vintage: 12 rue Rochebrune
~ Kiliwatch: 64 Rue Tiquetonne
~ Didier Ludot: Jardin du Palais Royal, 24 Galerie de Montpensier
~ Lorette & Jasmin: 6 rue François Millet
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Bloc de Moda en Londres: Tras los pasos de Alexander McQueen

Alexander McQueen trajo del pasado referencias que aún hoy resultan nuevas, transgresoras, hostiles, pero su figura genera lo contrario. El trabajo de este diseñador fallecido en 2010 provoca algo, siempre. Creativo, artesano, innovador, perturbador.

McQueen comenzó su carrera en Savile Row y se lució en los 90' en la escena del Soho londinense. Ahí levantó su taller cuando lanzó su etiqueta en 1992. A pocas cuadras de aquella oficina está Maison Bertaux, una casa de té fundada en 1871. En la PB hay un altar que esta patisserie llama 'historias': ahí conmemoran distintos pasados y recuerdan a McQueen, el modisto de nuestro tiempo que pasaba sus tardes en estas mesas.


Mientras tanto, en los cines de Londres se proyecta el film 'McQueen'. El documental dirigido por Ian Bonhôte y Peter Ettedgui está dividido en 5 tapes que inician con la voz en off del diseñador.
Siempre estoy buscando algo que no existe."
El documental dura casi dos horas y comienza con el famoso desfile de graduación de Central Saint Martin, sigue con su trabajo en Givenchy - quizás la parte más alegre ya que las capturas caseras pertenecen al diseñador y sus amigos divertidos cual viaje de egresados,  y finaliza con su último show, el de la Primavera / Verano 2010. En el medio hay testimonios, incluida su hermana Janet, su primo Gary, imágenes de archivo de su mamá, y colegas y musas.

Son registros de los desfiles y detrás de escena que desgarran pero no rompen al espectador, pedazos de historia que organizan la fugaz pero contundente presencia del gran modisto del SXXI capaz de emocionar con talento y dejar la sensación de vacío con el mismo ímpetu.

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Bloc de Moda en Paris: ¿El cliente siempre tiene la razón?

La industria de la moda está en cambio permanente. Los consumidores quieren novedad, ver más, pero no están comprando más.

Aquel lema del cliente siempre tiene la razón hace estragos en las tiendas, pero qué pasa cuando esa demanda carece de identidad y visión? El entretenimiento continuo de las redes sociales toma la idea de creación del diseñador, que ahora se llama 'director creativo'.

De viaje por Londres y Paris confirmo que la noción de vestuario que ofrece Demna Gvasalia hace la moda de esta época. Postal idéntica a la vista en New York en febrero de este año: a las personas les gusta del look Balenciaga y Vetements. Los orientales lo compran a borbotones, tanto que empalaga.

Botas y zapatillas Balenciaga

Demna Gvasalia es ingenioso en su gestión pero no inventó nada. Lo suyo se parece más a un film pochoclero que cuenta el robo perfecto pero carente de narrativa. Se trata del momento, dicen.
Todo lo que el director creativo de Balenciaga y fundador de Vetements muestra en sus colecciones ya lo hizo Martin Margiela entre 1989' y 2009. Todo.

En Londres, en el Dover Market Street, hay botas vistas hasta el hartazgo en Instagram que en directo no parecen tan kitsch. Una campera inflable que Margiela lanzó en 1999 - furor en el invierno del 2000 - es la pieza insignia del perchero de Vetements en este multimarca de lujo.

La tienda de Balenciaga de la Avenue George V, de la zona de Champs Elysee, es una vitrina continua de zapatillas y bolsos. Adentro hay percheros con más zapatillas, bolsos y buzos para vestir en capas y con logo evidente en las mangas.

En los alrededores de esta coordenada emblemática de Paris está colmado de boutiques con nombre propio. Tiendas que marcan una identidad, que ofrecen estilo por encima de la imagen de la temporada y demuestran un exquisito conocimiento del gusto de las mujeres francesas que caminan por las veredas y de las que van detrás de ese estilo. Locales pequeños que muestran que la moda también puede ser negocio siendo pequeño y personal.

Botas Vetements
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