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por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital focalizado en la cultura moda, en movimiento desde 2006. En estas páginas se observa y se escribe la moda como fenómeno social que refleja la época. Periodismo de calidad en notas de moda, belleza y estilo: Registro de historias plasmadas en un reportaje online. ¡Bienvenidos!

Mujeres vestidas por mujeres: El realismo mágico de Jazmín Chebar


La temporada Otoño / Invierno 2019 de Jazmín Chebar tiene bordados y estapampas de dragones orientales y bocas, cuadros a colores, flores y figuras exóticas. Las prendas están reunidas en "Realismo Mágico", la colección que ensalza los hits de esta etiqueta: la sastrería, los jeans y los abrigos, piezas que van a ser lanzadas en mini colecciones.

El encanto de Jazmín está en ofrecer prendas confeccionadas para trascender la temporada y diferenciarse del uniforme de las vidrieras, aunque sus percheros muestren el acatamiento a todos los must de la moda. El métier de Jazmín está en los detalles que impactan a primera vista.

En 3D: La campaña Otoño / Invierno 2019 de Jazmín Chebar

La campaña Otoño / Invierno 2019 de Jazmin Chebar fue realizada por Pogo Creative e incorpora efectos 3D: la idea es mostrar lo imaginario y lo extraño como algo cotidiano, de ahí "Realismo Mágico", el nombre de la colección.
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Un hombre vistiendo a la mujer


John Elliott lanzó su etiqueta menswear en 2012 con la motivación de resolver los problemas que encontraba en su guardarropa y la aspiración de diseñar los clásicos del mañana.

En las colecciones Otoño / Invierno 2019 se presentó en la semana de la moda de New York y ofreció su versión de ropas para vestir a la mujer. La propuesta que desfiló en Brooklyn se ajusta a líneas limpias, piezas simples y colmadas de detalles.

Lectura que te puede interesar: El buzo con capucha tiene historia.


John Elliott es de California y estableció su marca en Los Angeles. En 2016 recibió la nominación a diseñador de ropa de hombre del año en los premios CFDA. También realizó diversas colaboraciones con la industria, como cápsulas para GAP e intervenciones en zapatillas Nike.

John Elliott pertenece a la generación de diseñadores norteamericanos que ofrecen una nueva mirada al moda urbana: los buzos con capucha son su especialidad. Mi admiración para los diseñadores que llevan los básicos al próximo nivel.
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Un movimiento sexy

La moda urbana concentró la atención, pero las piezas sastreras se fueron reinsertando en la pasarela. Las colecciones Primavera / Verano 2019 así lo demostraron y Tom Ford fue uno de los que dio el punto de partida: los hoddies vibrabran en los desfiles mientras que el tejano colmó de sensualidad siluetas con piezas sastreras. Luego de temporadas de remeras con mensajes, jogginetas, buzos y zapatillas como ítems que resuelven la comodidad que aprecia esta época, los cortes exquisitos vuelven a tener protagonismo.
Siempre comienzo cada colección como una reacción a la temporada anterior, y la temporada pasada volví a lo que creo que hago mejor y es para hacer ropa que sea elegante, deseable, moderna y ponible", dice Tom Ford.

Sobre la colección que mostró en el desfile Otoño / Invierno 2019 - celebrado en Park Avenue Armory, en el inicio de la semana de la moda de New York -, Tom Ford comentó: 'El caos y el clima negativo de los tiempos en que vivimos me hicieron desear ropa que sea suave, no agresiva y con cierta sencillez." Así pasaron trajes, equipos con pantalones arremangados, camisas abiertas, poleras y un pañuelo cruzado que remarca la idea de la colección. Un cierre de largo con vestidos y este look que lleva Mica Argañaraz que me recordó al vestido con capa que lució Gwyneth Paltrow en la gala de los Oscars de 2012.

Aquí, el vestido pantalón en la noche de New York.

Imagen: Gentileza Tom Ford
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La camisa de Harry Styles


Algunos meses atrás, en Londres, supe de la propuesta de Daniel w. Fletcher, un diseñador emergente que en las últimas colecciones masculinas Otoño / Invierno 2019 de Londres presentó su desfile. Pero no fue en la vorágine de imágenes digitales que invaden el feed que resonó su colección en la Fashion Week sino que su nombre vibró en la web cuando Harry Styles apareció con una de sus camisas, modelo que diseñó para su colección de graduación en CSM, en el programa BA Menswear, de 2015.


Simpatía y buena onda la de Harry Styles, pues el músico tiene su contrato como imagen de la línea sastrera de Gucci: al momento de usar la camisa de Daniel w. Fletcher, el teléfono del diseñador explotó. Un usuario de Instagram vinculó el look de Harry con la etiqueta y así, sin más, la historia comenzó.

La camisa en cuestión:

Edición limitada por 275 euros

* Lectura que te puede interesar: Un perfil de estilo de Harry Styles

Daniel w. Fletcher es de los que piensan en ganar experiencia y aprendizaje en otras casas de moda antes de lanzar su proyecto. Mientras estudiaba en Central Saint Martins pasó por Burberry y Victoria Beckham, pero su mayor aprendizaje fue con Kim Jones en Louis Vuitton y Lucas Ossendrijver en Lanvin, dice. "Lanvin es muy práctico, hace muestras, mientras que Vuitton era mucho más digital y se dedicaba al dibujo. Pero lo que encontré en ambos fue que había mucha libertad creativa", cuenta.

Me gustó el desafío de la moda masculina; hay muchas reglas y límites, y disfruto tratando de encontrar formas de doblarlas, pero también de elegir cuáles seguir ”

Daniel w. Fletcher toma inspiraciones de la sastrería clásica británica y la cruza con el lenguaje del streetwear. Aquí, algunas de los looks de la pasarela Otoño / Invierno 2019 que presentó en London Fashion Week:


imágenes: Daniel w. Fletcher
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La nueva generación Couture

Por Gaby Ratner

"¡Mi nombre es verdadero y estoy soltero!", se ríe el joven diseñador de 20 años haciendo referencia a la posibilidad de creer que Jorge Rey es un nombre artístico.
 Espontáneo y risueño, me hace escuchar la música de su próximo desfile que presentará en marzo de la mano de Héctor Vidal Rivas, en el BAAM (Argentina Fashion Week). Solo me deja espiar el sonido, el resto es sorpresa.
Al principio no era tan fácil, en Rufino, una ciudad de Santa Fe con 20.000 habitantes, un chico gay que cosía y estaba decidido a dedicarse al diseño… pero yo siempre luché por lo que quería. El problema era de los otros, no mío. 

~ Siendo tan joven, ¿Cómo surge ese amor por diseñar vestidos de fiesta?
"¡Porque siempre me gustaron las princesas!", entonces yo visto reinas, comenta con picardía y sigue: "A mi me encanta la noche, las fiestas, estar entre telas, mi abuela del corazón cuenta una anécdota, que me describe de pies a cabeza. La historia es así, habíamos ido a un lugar que vendían vestidos y yo quería comprarle uno mi mamá. La chica muy dulcemente me dijo que no creía que ese vestido tan chiquito fuera a entrarle y yo, con 5 años y toda mi convicción, le respondí: No importa yo se lo arreglo."
En mi casa todas las mujeres aprendían a coser con Rosa y a los 15 años junto a Salomé, mi mejor amiga, empezamos a ir a lo de Rosita, quien hoy día trabaja conmigo. Ella se vino a Buenos Aires y me acompaña en todas mis locuras, en este mundo “Rey”, como yo lo denomino."


~ ¿Cómo fue venirte a vivir a Buenos Aires?
"Yo siempre quise venir a Buenos Aires. Acá hay muchas más posibilidades y hay que ser realistas, mas allá que amo Rufino, es cierto que Dios atiende en Buenos Aires, y por suerte recibí todo el apoyo de mi familia. Vine a estudiar Diseño de Indumentaria y a vivir con mi hermana que ya estaba acá, y si bien el desarraigo fue doloroso, soy un afortunado y estoy consciente de eso. Soy joven, el año pasado abrí mi atelier, estoy haciendo lo que amo y voy creciendo profesionalmente."

"Acá, en Argentina, hay mucho talento y no todos tienen la posibilidad de realizar aquello que desean. Pienso mucho en eso y también en ayudar desde mi lugar. Me escriben chicos en Instagram contándome que quieren venirse a estudiar acá y yo los aliento a animarse."


~ ¿Cuándo presentaste tu primera colección?
"La primera colección la presenté en Rufino y se llamó “L’ envie des perdus” (La envidia de lo perdido), inspirada en una niña que pierde su pureza. Vinieron 500 personas ¡un montón! Imaginate, yo tenía 17 años y organicé todo. La iba a hacer a beneficio de una fundación que a los tres meses se bajó y me dijo que era demasiado complicado lo que quería realizar. Pese a todo, no iba a abandonar mi deseo y así fue como con la ayuda de mi familia y mis amigos realizamos todo en tiempo record. Una pasarela que simulaba ser un bosque y 13 vestidos hicieron el resto. Una vez finalizado el desfile elegí dos fundaciones y doné lo recaudado."

"La segunda colección que presenté fue en el Six O’ Clock Tea, en Buenos Aires en junio de 2018. Lanzaron una convocatoria para nuevos diseñadores, mandé mi portfolio y quedé seleccionado. Llamé llorando a mi mamá, a mis amigos, dos días antes. No podía dormir, fue muy fuerte, una bisagra en mi carrera. Acá me recibieron súper bien. Lógicamente sorprendidos por mi edad -tenía 19 años-, pero como algo positivo."


~ ¿Cómo es el detrás de escena de tus procesos creativos?
"Yo soy muy emocional, entonces mis prendas reflejan esa faceta de mi personalidad, ese sentimiento que me atraviesa. En cada pieza se fusionan el drama y el amor; experimentar y ponerle mi toque de histrionismo y fantasía, por eso pongo mucho en cada vestido o conjunto dos piezas", abre los ojos,  otra vez sonríe y cuenta:

"Hago el primer dibujo donde sea. Tengo carpetas llenas de bocetos que después voy filtrando y de esas siluetas empiezo a sacar flechas, anotar, tachar y poner las modificaciones. Empiezo a buscar las muestras de telas", dice mientras aclara que le encanta caminar y recorrer hasta dar con el género que será transformado. "Pienso en los colores, las texturas, los recursos y morfologías. También escribo esas ideas que voy puliendo y en ese proceso, casi como en una epifanía todo termina cerrando, porque yo pienso de manera integral, como si todo fuese una sola pieza. En la colección desde la producción general, cómo quiero presentarla, las invitaciones, el desfile, el peinado de las modelos y por supuesto la música, en mi vida todo está musicalizado. Todo lleva un tiempo, son piezas de arte, cada clienta tiene su molde con nombre y apellido, todo se cose a mano, es un trabajo artesanal. Y eso se valora. Al momento de crear me tomo mi tiempo y, como con los cuadros, me alejo de mis prendas, las miro, pienso que hay qué agregarle o dónde colocar una pinza."

"Al momento de crear estoy abierto y no me limito, ya que me gusta que las personas sean libres y esa libertad también implica comunicar nuestros deseos. El vestido que diseñé para Florencia Peña para la último programa de 'Showmatch' tenía todo: escote, plumas, bordado y tajo. A mí no me importa lo  que vayan a decir."


~ ¿Cuáles son los sellos distintivos en los vestidos “Jorge Rey”?
"Las flores en 3D, el volumen, los lazos, esos que te envuelven, las plumas y las mangas, ¡ay! amo las mangas y el color rosa viejo."
 A la mujer la pienso muy femenina y llena de fuerza, porque no son variables que se contraponen, al revés, así son las mujeres más importantes de mi vida, con las que me crié. Para esas mujeres diseño."


Sonríe con los ojos, va imaginando universos mágicos donde no existen los límites para la creatividad. Es joven y está lleno de ganas, la risa es su mejor música.
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¡Arrancan las Clases de Moda!

¡De vuelta a clases! Uno de los talleres que voy a dictar durante el año tiene su espacio en   Laboratorio Moda - durante los lunes de mayo - y con el foco en cómo contar la moda en la era móvil. En las clases de 'Crónicas de moda: el periodismo en la era Instagram' se realizará una introducción al periodismo de moda. Cómo usar internet para contar historias. Un repaso por el vocabulario, los hitos, la tecnología y los temas de la moda de hoy. Cómo investigar y redactar contenidos de calidad para consumo digital.

Las clases serán los lunes 6, 13, 20 y 27 de mayo a las 19 hs. Mayor información: info@laboratoriomoda.com


Ubicado en  Colegiales, Laboratorio Moda es una escuela dirigida por Josefina LaurentLucía Lamelza y Sol Levinas donde se dictan talleres de producción de moda, estilismo y fotografía de moda.

El workshop 'Crónicas de moda: el periodismo en la era Instagram' está dirigido a: Periodistas, estudiantes de periodismo, productores de moda y todos los interesados en adquirir los conocimientos para desarrollarse como periodista en el campo de la moda.

Lorena Pérez es periodista especializada en periodismo digital. Autora de Bloc de Moda, un medio online de cultura moda lanzado en 2006. Es columnista de Moda y Política en Clase Ejecutiva, la revista del diario El Cronista, y colabora en el suplemento de moda del diario La Nación. Trabajos de producción periodística en radio, TV, también publicó artículos en las revistas Cosmopolitan, GQ, Almagro, Viva (diario Clarín), Luz (Diario Perfil), Apertura y Watt. Desde 2007 cubre las semanas de la moda locales e internacionales (New York, Paris, San Pablo) y desde 2015 las colecciones masculinas de New York Fashion Week.

Dicta clases de moda en la Universidad de Palermo, Espacio Buenos Aires, El Movimiento y online.
Actualmente escribe un libro periodístico de moda que va a ser publicado por Editorial Planeta.

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50 años del último show de The Beatles


La revolución de una época tiene su lección de estilo. Un día como hoy, 50 años atrás, Los Beatles ofrecieron su último recital, show que se convirtió en una postal icónica desde la terraza del Apple Corps, en el West End londinense, cuyo resultado fue una película dirigida por Michael Lindsay Hogg y un disco disco llamado Let it be. Aquí una de las canciones más hermosas del cuarteto:


En el show se ve a John Lennon cubierto con un tapado de piel, prenda sacada del vestidor de Yoko Ono, Ringo Starr usó el trench rojo de Maureen, su compañera. La modalidad de ir al placard femenino fue un recurso recurrente de los rockeros. De hecho, Keith Richards compuso su estilo tras indagar entre las ropas de Anita Pellenberg, su esposa.

No fue la primera vez que John Lennon usurpaba el tapado de piel de Yoko Ono. La prueba:


Ese mix de estilos de pasados inmediatos era lo que impregnaba la época: los 60’ fue el momento de las boutiques, concepto que lanzó a mediados de los 50’ Mary Quant con su ‘Bazaar”.

En esas boutiques se concentraban antiguedades y moda que vibraban en sintonía psicodélica. En 1964 fue BIBA el espacio que marcó el rumbo desde Kensigton West. Otra de las boutiques emblema de esta década colmada de cambio fue Granny Takes a Trip, en King's Road, y en la zona del Portobello Road estaban Past Caring (una tienda de antiguedades que sigue abierta), Cobwebs, I was Lord Kitchener’s Valet más los mercados de pulga que marcaban el espíritu retro del momento.


Con las boutiques como nuevo concepto para comprar y la figura de los rockeros como íconos a mirar y copiar, el espíritu revolucionario de los 60’s dejó una huella que alimenta a la moda de manera permanente.
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Los 20 años de Juana de Arco están en el museo


En 1995 Mariana Cortés se recibió de diseñadora de indumentaria y textil en la FADU. Tenía 21 años y se fue a Europa junto a tres compañeras, viaje que cambiaría su mirada hacia la moda. Registró todo un cuaderno, lo que le impactaba de la creatividad, la calidad y la diversidad que percibía en este continente.

De regreso a Buenos Aires abrió un local en un barrio que tres años después marcaría el inicio de un nueva etapa de la moda argentina, la de los diseñadores en Palermo Viejo. Fundó Juana de Arco y armó bikinis con los retazos de lycra que compraba en el Once. En el verano se iba a vender a la playa, durante el año armaba tardes culturales en el local que aún mantiene en El Salvador al 4700.


Cuando Mariana Cortes llegó a Palermo Viejo, en 1998, el barrio era un lugar frío, con adoquines, talleres mecánicos y poca gente en las veredas. El Imaginario Cultural era el bar donde era posible ver films de Roger Corman y H. P. Lovecraft, toparse con el Indio Solari o escuchar a Skay Beilinson con la banda de la casa, La Doblada. A la vuelta, en la calle El Salvador, Juana de Arco era el lugar donde había ropa interior multicolor de algodón, una galería de arte y café literario.

Salimos de la universidad y en la búsqueda de identidad estás todo tiempo procesando y me parece que está bueno mostrar esto a los estudiantes, que sepan que no es de un día para el otro. Me interesaba que quedara registrada la diversidad, la cantidad de cosas que se hacen para después vender otra cosa.
Tras la crisis de 2001, Palermo Viejo empezó a llenarse y reunió a la primera camada de diseñadores que fundaron el diseño de autor, la marca personal que distinguiría a la moda argentina. Mariana Cortes centralizó su propuesta en diseños, empezó a exportar a Estados Unidos y así conoció a Takanao Muramatsu, el CEO de H. P. France, la empresa que ayudó a consolidar a Juana de Arco en un proyecto rentable. Abrieron un pop up en Ginza y luego una tienda en Monte Sano. 20 años después, Juana de Arco celebra el recorrido de un proyecto único, porque así lo piensa la diseñadora que llegó de Arrecifes con la idea de profesionalizar el gusto por la costura que despuntaba en las tardes de siesta.


En 2018 Juana de Arco cumplió 20 años y la diseñadora quiso donar 80 prendas al Museo del Traje de Buenos Aires. "Se trata de las prendas rectoras que voy guardando de cada temporada, para que tenga una colección contemporánea de la primera generación de diseñador de autor", cuenta Mariana Cortés sobre la idea de entregar sus tesoros a la institución.

Así surge la idea de celebrar las dos décadas de Juana de Arco con una exhibición que registre los saberes y oficios que la etiqueta. Técnicas artesanales como el ñandutí, el patchwork y los dibujos sobre los que hace las estampas que identifican a cada colección están presentes en la muestra que celebra el Museo del Traje donde están contempladas hasta las fans japonesas a través de las cartas que le envían a Mariana.


Hasta el 17 de abril se puede visitar, con entrada libre y gratuita, la muestra "Juana de Arco - 20 años" en el Museo del Traje (Chile 832, San Telmo).
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El archivo de la moda argentina

En el corazón de Colegiales, un barrio residencial de Buenos Aires, hay una casa de aspecto moderno cuya fachada no devela que tras estas rejas, a oscuras y entre paredes frías y pisos de cemento, están custodiadas más de 700.000 piezas del diseño argentino en todas sus disciplinas.

Fundación IDA (Investigación Diseño Argentino) está conformada por un staff de 12 profesionales bajo la dirección de Wustavo Quiroga, un diseñador industrial que 5 años atrás comenzó a planear la creación de este archivo. En la tarea de la recuperación, conservación, difusión y puesta en valor del diseño argentino trabaja un consejo asesor. El de indumentaria y textil está a cargo de la socióloga Susana Saulquin y secundado por Kika Tarelli y Sebastián Rodríguez, más un equipo ejecutivo encargado de acercarse a los autores y trabajar junto a ellos en sus estudios.

Las faldas de Varanasi de los 70'. Detrás se ven los dibujos de Dalila Puzzovio.

 Vamos a lanzar una plataforma digital para investigar y una web con el contenido institucional. Luego hay desarrollos que lo visibilizan. Por ejemplo, hay un libro de arte y diseño de la década del 60’ que hacemos junto al MALBA. Muestras, como la de Ricardo Blanco que se realizó junto al Fondo Nacional de las Artes y “Klang”, que estuvo en el CCK y aborda el inicio de la música electrónica y concreta en Argentina, donde participamos en las ambientaciones de diseños y contenidos. La curadora tenía la selección de sonidos pero para llevarla al espacio necesitaba un guión material y visual, por eso decimos que el archivo IDA se puede cruzar por ángulos distintos", cuenta Wustavo Quiroga.

Marina Baima es la coordinadora del archivo y en esta ocasional visita guiada que muestra algunas de las 300 prendas de la moda argentina que incluye el repertorio de los primeros graduados de la carrera Diseño e Indumentaria de la FADU, Limbo, la marca fundada por Federico Moura y que luego continuaron Charlie Thornton y Claudio Martínez, Varanasi, los diseños de Andrés Baño para la primera colección de Tramando, también las piezas de Min Agostini, Cora Groppo, Vicki Otero, Sergio de Loof y la etiqueta icónica Trosman / Churba.

Un trench firmado por Sergio De Loof, realizado con páginas de la revista Vogue.
Imagen vía Sergio De Loof

El objetivo de este archivo es la creación de un acervo patrimonial que sea testimonio del desarrollo y la evolución del diseño en el país.


Fundación IDA está integrada por:
Presidente: Wustavo Quiroga
Vicepresidente: Raúl Naón
Consejo Asesor:
Conservación / Restauración: Gabriela Baldomá
Concepto: Norberto Chaves
Gráfica: Rubén Fontana
Industrial / Producto: Hugo Kogan
Textil / Indumentaria: Susana Saulquin
Gestión: Frank Memelsdorff

Lee la nota completa en el diario La Nación.
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El Mercado Ramírez es pop (up)


El consumo recesivo dispara nuevas formas de comercializar y marcar presencia en el mercado. Las tiendas pop up son uno de los recursos que la moda, ávida de novedades, apela para rotar y ampliar el público. Los pop up stores son espacios temporales que durante un período corto de tiempo dan la oportunidad de hacer rebajas, liquidar stock, reciclar productos que, para un momento de crisis profunda como el que atraviesa Argentina, sirven para economizar costos.
En los últimos meses, el modelo de las tiendas pop up se instaló como método para vender en la moda argentina como respuesta al consumo recesivo y ante un cliente acostumbrado a comprar en cuotas y con rebajas durante toda la temporada.

El impacto estuvo en la modalidad de abrir una boutique de corto plazo para vender productos sin temporada: Aquí se presenta Pablo Ramírez, quien durante 6 meses se instala en el nivel 3 de Alcorta Shopping y en enero, hasta el 31 para ser precisos, levanta el Mercado Ramírez, un momento ideal para hacerse diseños de este modisto exquisito a precios muy por debajo del valor real. Por ejemplo, hay zapatos por $3500, tops desde $600, jeans y vestidos que parten de los $900. ¡No se lo pierdan!
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Postales de viaje: Los archivos de la moda

En julio pasado estuve en Paris, cubriendo por primera vez las colecciones Haute Couture. En el viaje aproveché para gestionar los permisos y acceso a materiales para conocer cómo las maisons conservan su legado. El resultado de mi investigación y recorrido está en esta nota que escribí para el diario La Nación. Click!

El estudio de Yves Saint Laurent está intacto. 

La idea de armar un archivo de moda es nueva. Clientas devenidas en coleccionistas, ellas fueron las primeras en donar y prestar su guardarropa cuando, en los años 70', la moda ingresó al museo como tema. Recopilar las piezas en un archivo no fue parte de las tareas esenciales de las marcas porque su objetivo siempre fue - es - venderlas.

La memoria de Martin Margiela: el belga aportó todo su archivo para la muestra de Palais Galiera.

La primera maison en pensar el valor de sus creaciones fue Yves Saint Laurent, a través de Pierre Bergé, socio y pareja del modisto, quien guardó los bocetos y diseños desde la primera colección Haute Couture, etiquetada en enero de 1962, y recopiló los sketches para vestuarios teatrales y óperas que el joven Saint Laurent realizó en su adolescencia. El objetivo fue la preservación y la exhibición de la obra, así nació en Paris el Museo Yves Saint Laurent, en 2002, levantado en el edificio donde funcionó la casa de Alta Costura, en 5 Avenue Marceau.

El estudio de Martin Margiela: entre cassettes, VHS y Barbie. 
En el caso de Dior, los archivos están en los alrededores de la emblemática Avenue Montaigne, aunque su ubicación es secreta y su ingreso, prohibido. Cuando Bernard Arnault compró la maison en 1984 pensó en celebrar con una retrospectiva la tarea del modisto Christian. Así, con la exhibición"Hommage a Christian Dior: 1947 - 1957" se puso en marcha el armado de los archivos de Dior, pero no fue hasta 1996 que la casa destinó recursos para recopilar y conservar los tesoros de toda su historia. Soizic Pfaff es la directora y encargada de custodiar que las telas de los diseños no se desgasten y los colores de los vestidos no se destiñan, mantenerlos sin ventilación y contacto con el exterior.

Podés seguir mis notas en La Nación clickeando acá
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Cuando la moda se muda del taller al laboratorio: Qué son los biotextiles

"Me junté con el diseñador Franco Nencini a través de una inquietud por el desarrollo de los textiles de hongos de Stella McCartney. Los textiles que nacen en el laboratorio hacen que la moda se mezcle con la ciencia, la biología y la tecnología. La indumentaria va a terminar por ese camino, no enfocarse tanto en el diseño de las prendas sino en el desarrollo de la materia prima", dice Romina Cardillo, la diseñadora de Nous que tras pasar por el formato tienda, en pleno corazón de Palermo Viejo, vuelve al showroom, en la zona del Botánico, donde cuelga algunas de sus prendas y sin la urgencia de novedad en los percheros. Ella está experimentando con los biotextiles, los materiales alternativos para el diseño de piezas donde la moda se muda al laboratorio para su biofabricación con organismos fermentados y cultivados.

Reciclar y no contaminar está muy bien pero el futuro de la moda, para mi, es el biotextil. Diseñamos un traje en bio textil a base de té negro, azúcar y un puñado de microorganismos que fermentan y crean celulosa y desarrollado a partir de la kombucha.
El traje de Nous Etudions desarrollado en biotextil 

Romina Cardillo es una de las diseñadoras de mayor proyección internacional, ella busca generar un cambio de raíz en la industria de la moda. Nous Etudions es la etiqueta que la encuentra al frente de esta revolución: desde la experimentación con los biotextiles a modificar el modelo de negocio. Pionera en la moda sin género, su marca comercializa en Europa a través del grupo Net-a-Porter. Fue elegida por la editora Sara Maino para Vogue Talents y se presentó en Milan Fashion Week, también en la feria Pitti junto a los argentinos Lucía Chain, Matias Hidalgo, Vanesa Krongold y 12 NA. Pasó por el London Fashion Week a través de Fashion Scout, una plataforma que acompaña el diseño emergente de todo el mundo.

~ ¿De qué manera llegás a la sustentabilidad? 
Surge como una filosofía personal. En Grupo 134 (su primera marca) también trabajé en lo sustentable. Como diseñadora, mi trabajo está a la vista de todos, y mis errores también. Fui evolucionando, intentando informar y darle un giro a mis proyectos. Empecé a tomar medidas en cuanto a mi proceso de producción como forma de identidad. Cuando estudiaba Diseño me sentía vacía. Mis referentes eran Martin Margiela, Comme des Garçon que no eran marcas sustentables pero sí tenían esa cosa del mensaje.

El diseño que Romina Cardillo llevó a London Fashion Week está desarrollado a partir de la kombucha. 

Romina comenzó su carrera en la empresa familiar María Vázquez, pero era el sueño de su mamá, no el de ella, dice. Comprometida con el slow fashion, la diseñadora sostiene que tomar conciencia sensibiliza mucho, que a la industria alimenticia le fue más sencillo que a la moda : “Si te cuidas en lo que comés, también te fijás lo que te ponés. Tiene lógica.”

~ ¿Qué es lo que funciona hoy en la moda? 
Lo que me funciona es lanzar colecciones cápsulas. Alguien que lo hace de esta manera es Stella McCartney, aunque sigue dividiendo sus colecciones por temporada y se presenta en la semana de la moda. Con las colecciones de entretiempo surgen otros espacios para presentarse que permiten romper un poco el calendario. Pero igual la industria de la moda es difícil de cambiarla, aunque ni ellos pueden sostener el ritmo. Fijate que el fast fashion dejó mucho en evidencia y expuso a los consumidores y diseñadores con cosas que no estaban buenas. Hasta H&M se está tratando de replantear las cosas y está bien que lo hagan los que están arriba. Zara destronó a los reyes del fast fashion porque creo que dio con el consumidor fashionista que no les cerraba el modelo de comprar una remera a dos euros.

Moda sustentable: El diseño 100% biodegradable de Nous Etudions

~ ¿Fue fácil acostumbrarse al ritmo de trabajo de Europa? 
Me acostumbré a trabajar con anticipación. 4 o 5 meses antes tienen que estar los bocetos, las fotos de los looks, la propuesta de make up. Hay un gran manejo de la previa. En cambio acá, a lo sumo, los desfiles los definís en 1 mes. Nosotros somos muy profesionales también, me refiero a que en Europa hay una industria que funciona. Aún se siguen mostrando colecciones que se van a vender recién dentro de un año.

~ ¿El sistema de temporada aún no está reestructurado?
Un poquito si. El resort o la pre-colección son inmediatas Yo, como estoy en el slow fashion, trato de no trabajar temporadas sino en colecciones cápsulas .

Nous Primavera / Verano 2019

~ ¿Tuviste que adaptar tu manera de trabajar?
 La misma colección que manejo allá es la que presento acá, pero cambié mi negocio. Con Nous venía trabajando como marca, temporadas cada seis meses, pero cuando decidí que me iba a volcar más al mercado internacional, restructuré. Entonces surge el pre-order, dejar el local y centrarse en el showroom y trabajar a pedido. Manejarme con lo mayoristas de todo el país como lo hago con los buyers y con el 30% de adelanto para que la colección no se pague de mi bolsillo. Es una forma de implementar stock cero y no estancarte con remanentes. Ni hablar de los desperdicios que dañan al medio ambiente.
Dos argentinas en Italia: ‘Sostenible Things’ es el nombre de la muestra que abrirá en el Museo Ferragamo, en Florencia, en abril de 2019. Las diseñadoras Romina Cardillo y Lucía Chain fueron invitadas por la editora de Vogue Italia Sara Maino y la casa Ferragamo a exponer sus diseños en esta exhibición que durará 1 año.
Imágenes: Gentileza Nous Etudions
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