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Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital focalizado en la cultura moda, en movimiento desde 2006, que apuesta al periodismo de calidad. Historias plasmadas en un reportaje online, donde se observa, se pregunta, se escucha y se escribe la moda como fenómeno social. ¡Bienvenidos!

En sus propias palabras: Martin Margiela cuenta su historia en streaming



Algunos diseñadores buscan inspiración, otros pretenden la perfección, también están lo que cuestionan y apelan a procesos metódicos cuyo concepto no impide que el resultado final sea una prenda sea fácil de usar. Martin Margiela decía que era importante que las personas encontraran su forma de vestir, en lugar de vestirse según el mandato de otros o seguir las tendencias. En esa búsqueda personal logró que sus diseños sean interesantes para usar y también de apreciar. Canalizó sus inquietudes a través del reciclaje. En octubre de 2008, al cumplir 20 años la Maison Martin Margiela, el creador se retiró de la moda y no se supo más de él. Margiela encarna la antítesis del diseñador de moda, pues es un hombre misterioso que nunca dio entrevistas, alguna vez contestó preguntas vía fax, y cuyo rostro se mantiene como un enigma porque no accedió a fotografiarse. Impulsó una estética de características novedosas en relación al discurso de la moda hegemónica de la década de 1990. Retomó estilos y prendas de otras épocas y exploró con objetos destinados a otros usos. En la actualidad, su legado es visto por las nuevas generaciones como un plan, ya sea por el sistema para armar colecciones atemporales, dar valor de lujo a productos de uso masivo, los modos de comunicación y proceso de producción.


La pandemia del coronavirus COVID-19 modificó los planes de todo el mundo y así, on demand a través de plataformas como iTunes, Google Play y Amazon, el esperado documental “Martin Margiela: in his own words”, de Reiner Holzemer, fue estrenado online. Otro gesto innovador: también se puede ver en streaming por las plataformas de las tiendas online de The Archive, Dover Street MarketResurrection Vintage, Gallery Aesthete y RSVP Gallery


Jean Paul Gaultier, la estilista Carine Roitfeld, la crítica de moda Cathy Horyn, Franca Sozzani, la ex directora de Vogue Italia y la pronosticadora de tendencias Lidewij Edelkoort son algunos de los testimonios que aparecen en este retrato fílmico que cuenta con la voz del diseñador belga y sus manos para componer una secuencia del método Margiela: un corcho tiene el mismo tratamiento que un diseño Couture, en otro plano utiliza las muñecas Barbies para direccionar sus técnicas mientras el sonido amable de sus palabras arman la historia del diseñador que influyó a la nueva camada de diseñadores.

El estreno en diversas plataformas digitales del documental Martin Margiela: in his own words me ofrece una nueva excusa para seguir revisando la historia de un diseñador que me obsesiona en su creatividad y me encanta en su estilo. Suban el volumen y escuchen: 


Maison Martin Margiela fue fundada en 1988 por el diseñador belga y Jenny Meirens, su socia comercial. Bajo la noción del neo-conceptualismo, en el arte de los noventa tuvieron lugar expresiones estéticas que tomaron referencias del mundo personal de los creadores. Artistas que rescataron materiales de uso diario para descontextualizarlos y obtener una nueva lectura. La etiqueta Margiela fue señalada como parte del movimiento de la moda de la deconstrucción, entendida dentro de los estilos del grunge o moda destruida. En el caso de Margiela, mostrar las costuras y forros en sus diseños o prenda sin terminar estaba vinculado a ensalzar la construcción de una prenda y evidenciar los procesos que se ocultan cuando se vende moda. Martín Margiela reciclaba cuando el término aún no se había puesto de moda, tampoco se hablaba de upcycling, el ingenio del reciclaje de ropa con la finalidad de otorgarle valor agregado a la pieza, como los corsets de cuero blanco realizados con guantes y la camiseta hecha con medias. Sus desfiles, presentados por modelos no profesionales y de todas las edades, fueron celebrados en la semana de la moda de París, durante la temporada ready to wear y Haute Couture, en lugares no habituales para los espectáculos, como la calle, estacionamientos, supermercados o discotecas ubicadas fuera del distrito chic francés. La invitación podía llegar en una tarjeta en blanco, tono insignia de la casa, solo con un número telefónico que al marcar daba las coordenadas de la locación.


La presencia pre digital de Margiela y su evidente influencia en la moda actual permite pronosticar que las exposiciones en diversos museos, como la retrospectiva instalada en Palais Galliera y otra en el Museo de Arte Decorativo para revisar sus años al frente de Hermès, ambas muestras sucedieron en 2018, y el flamante documental “Margiela: in his words” sean la forma de que este nombre de culto tenga el crédito por las invenciones hechas en su maison 30 años atrás.


Margiela estudió en la Real Academia de Artes de Amberes y se mudó a París para comenzar a trabajar en moda. Sus inicios fueron como asistente del diseñador Jean-Paul Gaultier, en el período 1984 y 1987. En 1988, en el apogeo de la moda como ostentación, fundó su maison. Entre 1997 y 2003 fue director creativo de Hermès otorgando un aspecto funcional y moderno a una casa tradicional. El manifiesto creativo de Martin Margiela estuvo en el reciclaje como metódica técnica para presentar productos. El documental prueba que este belga de 63 años siempre fue consciente de la importancia de su obra. En un archivo ordenado, blanco, guardó hasta el papel picado del desfile final o los cassettes con las canciones que musicalizó sus shows. Mucho más atrás en el tiempo, aparecen los libros de artista que hacía en su niñez - en custodia de su madre - donde boceteaba siluetas cubiertas por telas e incluso diseñó una chaqueta de Yves Saint Laurent honestamente mencionada como réplica, no copia, otra de sus manifestaciones de su producción. Cinco años después de fundar la marca presentó una instalación a modo de retrospectiva sobre el trabajo que realizaba. Al año siguiente utilizó las vidrieras de tiendas de New York, Londres, París, Berlín y Tokyo para hacer un happening en simultáneo donde, en cada ciudad, 12 mujeres lucían la colección Otoño / Invierno del 95'.


El legado de Margiela es un estilo reconocible que tomó referencias de diversas direcciones. Los trajes de chaquetas oversized y hombros punzantes inspiradas en el guardarropa masculino y las faldas largas y lánguidas, usadas por las mujeres en 1910, a las que Margiela le agregó un tajo por detrás para mostrar las botas Tabi, inspiradas en un calzado que vio en las calles de Tokyo, para ser usadas en invierno y también en verano, esto incluso llegó a ser una de las tendencias de los 90. Moda unisex, exploración de la silueta a través de la ampliación de las prendas a escala XXL, el trompe-l'oeil en los vestidos, pulloveres rotos, camisetas tatuadas y zapatos en punta que se convierten en calzas coloreadas en tonos vibrantes, son algunos de los ítems del repertorio que muestran el acto innovador del diseñador belga que utilizó una etiqueta con puntadas en blanco como identificación. También los asistentes en guardapolvos blancos que salían a saludar en los desfiles se convirtieron en insignia del trabajo en equipo.


Martin Margiela cuestionó al sistema de la moda. Ese discurso perduró en el tiempo y hoy es rescatado por las nuevas generaciones. Su propia esencia vuelve a escena cuando otros diseñadores lo homenajean desde la admiración, tal el caso de Raf Simons, los influye, como Phoebe Philo en su paso por Céline, o lo imitan, como Demna Gvasalia en la casa Balenciaga a partir de 2015 y también en la marca de diseño colectivo Vetements. En la colección Primavera / Verano 2009, cuando la maison cumplió veinte años, Martin Margiela se retiró. En la actualidad, John Galliano dirige la etiqueta. El método de upcycling del diseñador fue retomado como respuesta al fast fashion en la década de 2010. Su nombre volvió a iluminarse cuando los nuevos hábitos de consumo modificaron el modelo de negocio y las experiencias de compra, el uso de las últimas tecnologías y la puesta en marcha de toda idea que ayudara a vender colecciones no fueron suficientes para reflotar un sistema estructurado que, acelerado hoy por la pandemia, está acabado.

Cómo están trabajando los diseñadores: Daniela Sartori


“Decidí salirme del sistema de la moda como tal y desarrollar únicamente mi línea sastrera y sostenible, atemporal, por fuera de la dinámica de las colecciones y temporadas donde mi valor agregado sea la trascendencia, el proceso, la exclusividad, la calidad única de los materiales y de confección”, dice la diseñadora Daniela Sartori.


Daniela Sartori es una de las representantes de diseñadores surgidos en la última década. Fundó su marca en 2011 sentando un modo de abordar la moda sustentable, lo que la convierte en la pionera en el mercado local. Fue invitada a participar en la semana de la moda de New York en dos oportunidades, también a exponer en el Senado de la Nación en el momento de auge del fast-fashion, cuando el carácter avasallante del consumismo no hacía sino confirmar el cierre de un sistema de consumo despreocupado. El camino no fue sencillo, en el recorrido replanteó sus estrategias: cerró una tienda y abrió un showroom, volvió a dar clases de moldería y en 2019 retornó a la tienda propia en pleno corazón de Palermo Viejo, que durante el aislamiento tuvo que cerrar. “La mayoría de mis clientas eran extranjeras y sabía que el turismo no iba a volver por un largo tiempo, empecé a replantearme muchísimas cosas. La pandemia me agarró con todo el invierno en proceso, teniendo que frenar todo y haciendo malabares para cumplir con mis talleres”, cuenta la diseñadora.

Me di cuenta que la pandemia me hizo perder a esa clienta extranjera, la de todas partes del mundo que quedaba encantada con mis prendas, y siento que de alguna manera debía ir a buscarla. Para ello estoy trabajando para comercializar en el exterior."

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El futuro previsible pronostica que seguiremos usando barbijos. Las prendas que se vendieron durante la pandemia fueron un híbrido entre la ropa deportiva y la de descanso. Lo que asoma, lo nuevo, en los percheros serán las primeras impresiones de lo que podría ser la próxima transformación del vestuario, lo que indica recambios en los modelos de negocio. Daniela cambió sobre la marcha: “Todo ese proceso me llevó a la conclusión de dejar de comercializar la línea womenswear para dedicarme sólo a la línea a medida, que siempre mantuve pero que a la que más impulsaba era la otra.” Aquí, los cambios.

Imágenes: Gentileza Daniela Sartori

Cómo los diseñadores están haciendo sus colecciones: Valentina Karnoubi


"Hay algunos pijamas, prendas de punto, remeras, algodones orgánicos, joggings", dice Valentina Karnoubi del otro lado de la pantalla. La pandemia del coronavirus trajo una nueva normalidad que modificó los planes de todo el mundo. Entre surfear la economía crítica y adaptarse a los soportes virtuales para dar a conocer sus productos, los diseñadores también centraron este momento en la creatividad, pensar maneras de transitar este momento mientras presentan su trabajo sin dejar de compartir una experiencia desde las pantallas. 

Jogging diseñado en algodón orgánico
Jogging diseñado en algodón orgánico

"Siempre trato de dar lo mejor de uno y de hacer una colección interesante y estética, sin olvidarme del momento en el que vivimos, Creo que personalmente pienso más los materiales que utilizo y como esto puede impactar en el medio ambiente", cuenta la diseñadora que para la temporada Primavera / Verano 2021 apeló a la memoria de la infancia y las risas compartidas en familia para construir prendas en lino, viscosa y algodón. Las estampas y las texturas fueron trabajadas de manera personalizada, además de reciclar materiales antiguos, como manteles de line bordados. "Pensé en que las prendas sean cómodas, clásicas, reutilizables."

En los tiempos que nos toca vivir, me gusta imaginar la primavera como un despertar de nuevos caminos", dice Valentina Karnoubi sobre Ambar, la colección Primavera / Verano 2021.

 


Valentina Karnoubi comenzó su carrera en el atelier de la diseñadora Laura Valenzuela. En 2012 lanzó Mila Kartei junto a Guadalupe Teigeiro, con quien compartió el proyecto hasta 2019, año en que lanza etiqueta con su nombre. En la actualidad, la diseñadora se enmarca como prêt-à-porter de lujo y en el trabajo artesanal, con los bordados a mano como protagonistas de diseños que evocan un espíritu romántico que también despliega en la línea de novias, donde comparte el proceso creativo con la clienta.



Imágenes: Gentileza Valentina Karnoubi

Adonde vamos no necesitamos más que un abrigo de peluche


Últimos días de frío en Buenos Aires. Un mix de colecciones de entretiempo, rebajas de Otoño / Invierno y la expectativa de lo que será la moda Primavera / Verano hacen al panorama actual. Mientras tanto, el lookbook del Resort 2021 de Max Mara abre con un hit de 2013: el teddy bear coat. Imposible no quitarle los ojos de encima y pensarlo como solución del vestir de entrecasa ante una salida inesperada. 

El tapado de peluche de Max Mara genera la sensación de que no solo abriga, también protege."Desarrollas una relación emocional con tu abrigo como ningún otro artículo de tu armario", dice Ian Griffiths, el director creativo de la casa italiana.


Un calendario que se junta pero no amontona aunque la pandemia lo mantiene en pausa. Las colecciones de entretiempo también resultan las últimas lanzadas con una mirada pre coronavirus. Lo que viene es lo nuevo. Pero es posible resignificar lo que fue pensado para otra ocasión y traerlo al momento actual. “La ropa práctica, bien diseñada y útil es lo que tenés que hacer ahora desde el punto de vista del diseño, pero al mismo tiempo, en un sentido de lo poético, necesitamos 
ese tipo del factor psicológico y bienestar que nos puede brindar la ropa hermosa y reconfortante", contó Ian Griffiths sobre el Resort 2021 planeado para desfilar en la espectacularidad del Palacio Yusupov de San Petersburgo, pero lanzado en la intimidad de un atelier. 


Imágenes: Max Mara

La moda en la era móvil: un curso online en Laboratorio Moda


Cómo abordar la moda en la era móvil: aquí la segunda parte de las clases de moda que daré en Laboratorio Moda a través de la plataforma Zoom.

Las clases de Crónicas de moda: el periodismo en la era Instagram.Volumen 2 van a revisar la semana de la moda y los nuevos soportes para presentar colecciones. Qué significa hoy Alta Costura, Prêt-à-porter y en qué consisten los modelos de negocios del fast fashion y la moda sustentable. Cómo se estructura la industria post pandemia y el rol del periodista de moda. 

Las clases online comienzan el miércoles 23 de septiembre de 19 a 20:30. Siguen el lunes el 28 y miércoles 30 y finalizan el lunes 5 de octubre. (No es necesario haber cursado la primera parte del curso).  Más información & inscripciones: info@laboratoriomoda.com 

Bloc de Moda es un proyecto periodístico que nació como una plataforma unipersonal en 2006, años más tarde se convirtió en sitio y en un medio referente del periodismo de moda en la era digital. La página se amplificó y el plan inicial sumó clases de moda, seminarios y capacitaciones, además de consultorías y reportes surgidos de viajes de cobertura.

Murió Elsa Serrano


Elsa Serrano representa al menos tres épocas importantes en la moda. Acorde a los cambios de vestimenta que se imponían en el mundo en los años 70 para que la moda fuera más cómoda, Elsa comenzó a hacer prêt-à-porter.Tuvo su primera boutique en el barrio de Belgrano y además comercializaba sus diseños en el interior del país. La italiana mudó más tarde su atelier a la calle Salguero donde hizo ropa lista para usar hasta mediados de los 80, cuando se dedicó a la alta moda y se convirtió en un símbolo, junto a Gino Bogani, de la moda espectáculo en Argentina. 

Trabajaba sin cesar en el petit hotel de la calle Mansilla al 3000, su maison emblema. Realizó desfiles multitudinarios en el Hotel Sheraton y el Plaza, vistió con piezas únicas a las Primeras Damas María Lorenza Barreneche, esposa del ex presidente Raúl Alfonsín y Zulema Yoma. Con Zulemita marcó los 90 y juntas llenaron páginas de revistas y diarios en los viajes presidenciales, luego por las deudas que le dejó el gobierno de Menem imposible de remontar. A Joan Collins le confeccionó tailleurs y enteritos, uno de sus best sellers. Norma Aleandro usó un vestido de su etiqueta en los Oscars en que la "Historia Oficial" se quedó con la estatuilla. Susana Giménez se casó con Roviralta con un vestido de Elsa, igual que Claudia Villafañe cuando le dio el sí a Maradona. En 2001 quebró y desde entonces diseñaba a medida. En 2019 volvió a la tele como jurado en el reality "Corte y Confección" de Canal 13. 


¿Cómo era la moda antes de que la tecnología impactara en el consumo? El repertorio de Elsa Serrano representa esa parte de la historia. Respondió a los cambios de vestuario de las mujeres: en los 70 la moda se hizo más accesible y así la diseñadora comenzó a moldear vestidos sobre el maniquí, en los 80 atendió el culto a la exageración que demandaba la década aunque su época más recordada fue como la modista de la política en los '90.

Elsa Serrano murió en el incendio de su departamento de la calle Maipú 986, en Retiro, el miércoles 16 de septiembre. Tenía 73 años.


imagen: Revista Gente

Rockeros Vestidos: La relación de Gustavo Cerati con la moda


Gustavo Cerati compuso postales que por su definición clara remiten inmediatamente a un momento. Su presencia se distinguió siempre por un gesto que las ropas por sí solas no tienen: estilo. Una actitud enaltecida con la apariencia eternamente juvenil sin desentonar jamás. Con Soda Stereo estrenó el under porteño y ofreció una nueva imagen en cada disco. En su faceta solista apeló a un lenguaje moderno para vestir tanto arriba como abajo del escenario. Conocedor de la moda y sus diseñadores, en 2009 registró sus gustos en una línea de ropa para hombres inspirada por Hedi Slimane, director creativo de Dior Homme en 2001, que realizó junto al diseñador Manuel Morales para Falabella

A seis años de la muerte de Gustavo Cerati, recordamos cómo marcó épocas a través de su estilo:


Soda Stereo fue uno de los grupos que estrenaron el under porteño, un circuito que recorrieron desde 1983. El trío compartió referencias musicales y estilísticas activas en la conversación cultural del momento, un balanceo de influencias donde buscaron encajar y a la vez diferenciarse del resto. Ser joven en los '80 y en Buenos Aires significaba tener ganas de expresarse y nada qué ponerse. Así fue como Alejandra Boquete se convirtió en la primera vestuarista y maquilladora de Soda, cuando el grupo estaba por filmar "Cuando pase el temblor" en las ruinas del Pucará de Tilcara, en la provincia de Jujuy. Era la época en que The Cure imprimió por estos lares la manera de lookear el postpunk: Gustavo cerraba hasta el último botón de sus camisas de seda compradas en el Once, llevaba bombachas de campo y un sobretodo negro larguísimo tomado del placard de su papá. Polvos blancos para palidecer el rostro y los pelos batidos eran recurrentes y la mayor preocupación del artista, por lo que Boquete estuvo siempre lista al costado del escenario con un peine y jabón para marcar el movimiento hacia arriba. El momento cúlmine de este look, que luego viró a otro completamente distinto, fue con "Doble Vida" (1988), donde el joven diseñador Pedro Zambrana hizo el vestuario para la portada, con prendas de la marca Key Biscayne, que mantuvo el código indumentario en negro total. Para los '90, la apariencia de Gustavo Cerati puede contemplarse en "Dynamo" (1992), cuando Soda Stereo expuso un nuevo sonido y reflejó lo alternativo. El vestuario estuvo acorde: estampas psicodélicas metalizadas en buzos, remeras manga larga y pantalones sellados con prints de materiales metálicos y plásticos.

Se separó Soda Stereo, 10 años después volvió. En el recorrido, Gustavo grabó discos solistas y la constante fue la importancia que le otorgó a la imagen. En el nuevo siglo dos momentos determinaron el cambio de época. En 2001 ofreció “11 Episodios Sinfónicos” y fue vestido por Pablo Ramírez con un abrigo en denim forrado con satén rojo. Una representación de “El Principito” potente, emotiva, a tal punto que el diseñador tuvo un ataque de pánico cuando Cerati dio el show en el Colón, dos años después del lanzamiento. En 2009, pleno auge de las colaboraciones en la moda, Cerati se alía con Falabella para realizar una colección de moda. La idea fue meterse en el guardarropa de Gustavo, recuerda Manu Morales, el estilista y diseñador a cargo de bajar la idea del músico a una línea para hombres. El disparador fue la silueta que Hedi Slimane, en sus días como director creativo de Dior Homme, lanzó en la moda masculina. Así llegaron mas de 40 prendas que se distribuyeron en los locales del retail chileno en latinoamérica. La publicidad mostró a la voz sensual del rock luciendo las prendas, mientras de fondo sonaba 'Rapto", un adelanto de lo que sería su último material discográfico, Fuerza Natural.


La importancia en la imagen fue una constante en la carrera de Cerati. Para “Fuerza Natural” (2009), su último trabajo discográfico, el artista acudió a una idea conceptual imponente. El jinete de la portada se bajó al show mediante un antifaz con el que Gustavo abrió los conciertos. Parado en el escenario, antes de calzarse la guitarra, se percibía su silueta en negro cortada por un bordado blanco que decoraba una chaqueta: la idea del diseño fue replicar una pieza lucida por Jimi Hendrix. Meses antes del lanzamiento y de la gira, Gustavo Cerati adelantó el nuevo material a través “Rapto”, el corte que sonó en el spot de la colaboración que hizo para Falabella, una colección con 40 prendas que tomaban las ideas de su guardarropa. Así quedó sellada la huella final de un hombre colmado de sentido estético.


*Una versión de esta nota fue publicada en Revista Brando

Cómo están trabajando los diseñadores: Aquí, UNMO CLOTHINK de Marcelo Ortega

UNMO es una marca nacida en 1997, que en ese momento tenía una estética futurista y con lazos bien definidos con varias tribus urbanas que se identificaron con la propuesta high tech del Street Wear en un principio y Club Wear en los 2000´s, y que luego derivó en Diseño de Autor”, explica Marcelo Ortega, el diseñador que viste a las estrellas del trap como Duki y Ca7riel.
Marcelo Ortega quería ir contra la corriente. Había comenzado el CBC para iniciar la carrera de Diseño de Indumentaria en la FADU. Era 1992 y estaba en marcha la primera ola de la ecología. Él se sumó con la propuesta desde el reciclaje industrial, hacía diseños tipo Cyberdog, pues su estética siempre entronizó lo sonoro y hi-tech.
Generación MTV
Hacia 1994 una segunda camada de diseñadores hizo base en un despoblado subsuelo de la Galería Bond Street. Nombres como Prisl, Culebra de Daniela Cortese, Glam, Koturno, Pink Flamingo, Endiablada de Vero Ivaldi, Invisible, de Manu Morales, Resistance y la ropa vintage de Keak y Kitsch construyeron un movimiento que coincidió con el momento de mayor repercusión de MTV, la cadena de video que marcó una estética y masificó grupos de pertenencia a través de su pantalla. En esta camada se presentó Marcelo Ortega con FujiModa, luego mutó a UNMO y plantó bandera en las raves con puestos que vendían sus diseños y más tarde abrió un local en Rodriguez Peña, frente a la Bond Street.
La propuesta actual tomó un poco cada una de esas instancias dando como resultado UNMO CLOTHINK que en su juego de palabras: ropa-ropa pensada, explica el leitmotiv de la marca."

UNMO es una etiqueta con varias singularidades que la identifican. La última colección ofrece siluetas amplias y morfologías confortables, con carácter utilitario, utilizando textiles deportivos, de ropa de trabajo, y los combina con elementos de señalética vial. "Son prendas que si bien están pensadas para distintos cuerpos responden a una estética no binaria, más allá de lo femenino o masculino o el rango etario, veo chiques de 17, 25 años y también alguien cercano a los 50 (yo!) muy a gusto con los diseños", dice. 

Comprar diseño en Buenos Aires
¿Dónde se consigue UNMO? En los multimarcas Moebius (Defensa 1356, San Telmo) y Gimme Gimme Store (Jorge Luis Borges 1795, Palermo), también en el showroom de Marcelo Ortega, donde además es posible espiar los vestuarios para teatro, publicidad y artistas musicales que diseña Marcelo.

Moda post-pandemia: Los nuevos códigos para presentar una colección


Por David Giménez | Productor de Moda

Con el calendario lunar migrando hacia la segunda mitad del año, donde ingresa el periodo estival, pero con las colecciones de invierno colgadas en percheros sin compradores me resulta imposible no ver estos procesos a través de una lente pandémica. Como si habláramos de ritos en desuso. Las necesidades de los compradores mutaron a nuevas exigencias contempladas entre el lugar de trabajo y las necesidades que involucran desarrollar una jornada laboral en nuestro hogar, donde estos uniformes tracen una clara distinción entre trabajo y tiempo libre. Sin embargo, nos propusimos sumergirnos en el proceso creativo de marcas y diseñadores, para ver como recepcionan esta pausa y las inquietudes que giran en torno de una búsqueda constante.

Conversamos con 3 marcas para que nos cuenten cómo resolvieron el proceso creativo e interpretaron el nuevo tiempo para la temporada Primavera / Verano 2020.
Bianca Siconolfi, la diseñadora al mando de la marca Blackmamba, tomó como iniciativa dejar de crear colecciones por temporada para centrarse en crear items. Hits que perduren en el tiempo, pero que a su vez, por su alta demanda, puedan reponerse constantemente. “El pre-order es una nueva forma de satisfacer la demanda de cada producto según su propia línea de tiempo”, dice. Su búsqueda está enfocada en convertir los prints en clásicos, en vez de tratarlos como “tendencia”, para que el consumidor no sienta que al comprar algo nuevo de Blackmamba, lo anterior pierda valor. “Los prints se volvieron coleccionables”, cuenta la diseñadora que al momento de comunicar la nueva campaña, en plena pandemia, afirma el foco en la identidad de la marca, jugando con el humor del lujo y la extravagancia.

¿En qué formato van a mostrar la temporada? "Hace algunos años que buscamos crear una experiencia para nuestros consumidores y amigos, más que mostrarles el producto en pasarela. También las fiestas temáticas de Blackmamba suelen ser una forma de compartir con el consumidor su vibe."

“Actualmente estamos retomando modelos de la colección pasada, ya que la marca tiene muchas prendas atemporales dentro de las colecciones. Tuvimos que acoplarnos a materiales en stock y diseños ya establecidos”, dice Maia Harima, de la marca Nikkei BA, joven promesa de Semillero UBA de la última edición (OI 2020) de BAFWEEK. La producción en pandemia encuentra a su diseñadora Maia Harima viviendo en Japón. “Nikkei produjo su colección en menor cantidad, ya que debieron acoplarse a la situación y rediseñar al contexto. Prendas más simples y funcionales, son las propuestas para todos los días”, comenta. La marca contiene una mirada bicultural y prefiere difundir su nueva campaña a través de producciones fotográficas y audiovisuales, una en Argentina y otra para Japón.

¿Cómo interpretas este momento? “Conciencia, sustentabilidad e intercambio cultural será la premisa de esta campaña. Esto resulta un desafío en crear y producir en Argentina desde el país asiático. Pero el nuevo contexto de pandemia dio lugar a descubrir nuevas maneras de producción a la distancia.”


“Los argentinos, en especial, nos readaptamos y buscamos soluciones que nos permitan salir ante tantas crisis económicas”, dice Valentina Schuchner, la diseñadora ganadora de la última edición de Autores de Moda BA. 

Valentinna comenzó a gestar su colección de verano al inicio de la pandemia. La restricción de no poder adquirir nuevos textiles dio como resultado pruebas experimentales donde buscó reinventar las prendas. Su visión consiste en dar una nueva identidad al textil de descarte, que además es la materia prima con la que trabaja y lo que identifica a su marca. Para ello, modificó la línea de producción. Desde los inicios propuso una línea circular y sustentable, dado que su modelo de negocio es trabajar a medida para evitar desperdicio de stock.
En la era digital, no podemos olvidar que la moda es muy íntima y personal.”
¿Cómo se presenta una colección en medio de una pandemia? “La campaña podría ser presentada en un desfile o con la tecnología de realidad virtual, que ya la hemos usado. No veo agotado al desfile como herramienta de comunicación, por la experiencia que se genera al ver la prenda conjugada con el concepto de la colección”, cuenta. Para Valentinna, el desfile es un medio para mostrar emociones y expresar ideas innovadoras, además de una oportunidad para conectarse.

imagen: Gentileza Valentina