SLIDER

Newsletter

por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital focalizado en la cultura moda, en movimiento desde 2006. En estas páginas se observa y se escribe la moda como fenómeno social que refleja la época. Periodismo de calidad en notas de moda, belleza y estilo: Registro de historias plasmadas en un reportaje online. ¡Bienvenidos!

Postales de viaje: Los archivos de la moda

En julio pasado estuve en Paris, cubriendo por primera vez las colecciones Haute Couture. En el viaje aproveché para gestionar los permisos y acceso a materiales para conocer cómo las maisons conservan su legado. El resultado de mi investigación y recorrido está en esta nota que escribí para el diario La Nación. Click!

El estudio de Yves Saint Laurent está intacto. 

La idea de armar un archivo de moda es nueva. Clientas devenidas en coleccionistas, ellas fueron las primeras en donar y prestar su guardarropa cuando, en los años 70', la moda ingresó al museo como tema. Recopilar las piezas en un archivo no fue parte de las tareas esenciales de las marcas porque su objetivo siempre fue - es - venderlas.

La memoria de Martin Margiela: el belga aportó todo su archivo para la muestra de Palais Galiera.

La primera maison en pensar el valor de sus creaciones fue Yves Saint Laurent, a través de Pierre Bergé, socio y pareja del modisto, quien guardó los bocetos y diseños desde la primera colección Haute Couture, etiquetada en enero de 1962, y recopiló los sketches para vestuarios teatrales y óperas que el joven Saint Laurent realizó en su adolescencia. El objetivo fue la preservación y la exhibición de la obra, así nació en Paris el Museo Yves Saint Laurent, en 2002, levantado en el edificio donde funcionó la casa de Alta Costura, en 5 Avenue Marceau.

El estudio de Martin Margiela: entre cassettes, VHS y Barbie. 
En el caso de Dior, los archivos están en los alrededores de la emblemática Avenue Montaigne, aunque su ubicación es secreta y su ingreso, prohibido. Cuando Bernard Arnault compró la maison en 1984 pensó en celebrar con una retrospectiva la tarea del modisto Christian. Así, con la exhibición"Hommage a Christian Dior: 1947 - 1957" se puso en marcha el armado de los archivos de Dior, pero no fue hasta 1996 que la casa destinó recursos para recopilar y conservar los tesoros de toda su historia. Soizic Pfaff es la directora y encargada de custodiar que las telas de los diseños no se desgasten y los colores de los vestidos no se destiñan, mantenerlos sin ventilación y contacto con el exterior.

Podés seguir mis notas en La Nación clickeando acá
No hay comentarios.

Cuando la moda se muda del taller al laboratorio: Qué son los biotextiles

"Me junté con el diseñador Franco Nencini a través de una inquietud por el desarrollo de los textiles de hongos de Stella McCartney. Los textiles que nacen en el laboratorio hacen que la moda se mezcle con la ciencia, la biología y la tecnología. La indumentaria va a terminar por ese camino, no enfocarse tanto en el diseño de las prendas sino en el desarrollo de la materia prima", dice Romina Cardillo, la diseñadora de Nous que tras pasar por el formato tienda, en pleno corazón de Palermo Viejo, vuelve al showroom, en la zona del Botánico, donde cuelga algunas de sus prendas y sin la urgencia de novedad en los percheros. Ella está experimentando con los biotextiles, los materiales alternativos para el diseño de piezas donde la moda se muda al laboratorio para su biofabricación con organismos fermentados y cultivados.

Reciclar y no contaminar está muy bien pero el futuro de la moda, para mi, es el biotextil. Diseñamos un traje en bio textil a base de té negro, azúcar y un puñado de microorganismos que fermentan y crean celulosa y desarrollado a partir de la kombucha.
El traje de Nous Etudions desarrollado en biotextil 

Romina Cardillo es una de las diseñadoras de mayor proyección internacional, ella busca generar un cambio de raíz en la industria de la moda. Nous Etudions es la etiqueta que la encuentra al frente de esta revolución: desde la experimentación con los biotextiles a modificar el modelo de negocio. Pionera en la moda sin género, su marca comercializa en Europa a través del grupo Net-a-Porter. Fue elegida por la editora Sara Maino para Vogue Talents y se presentó en Milan Fashion Week, también en la feria Pitti junto a los argentinos Lucía Chain, Matias Hidalgo, Vanesa Krongold y 12 NA. Pasó por el London Fashion Week a través de Fashion Scout, una plataforma que acompaña el diseño emergente de todo el mundo.

~ ¿De qué manera llegás a la sustentabilidad? 
Surge como una filosofía personal. En Grupo 134 (su primera marca) también trabajé en lo sustentable. Como diseñadora, mi trabajo está a la vista de todos, y mis errores también. Fui evolucionando, intentando informar y darle un giro a mis proyectos. Empecé a tomar medidas en cuanto a mi proceso de producción como forma de identidad. Cuando estudiaba Diseño me sentía vacía. Mis referentes eran Martin Margiela, Comme des Garçon que no eran marcas sustentables pero sí tenían esa cosa del mensaje.

El diseño que Romina Cardillo llevó a London Fashion Week está desarrollado a partir de la kombucha. 

Romina comenzó su carrera en la empresa familiar María Vázquez, pero era el sueño de su mamá, no el de ella, dice. Comprometida con el slow fashion, la diseñadora sostiene que tomar conciencia sensibiliza mucho, que a la industria alimenticia le fue más sencillo que a la moda : “Si te cuidas en lo que comés, también te fijás lo que te ponés. Tiene lógica.”

~ ¿Qué es lo que funciona hoy en la moda? 
Lo que me funciona es lanzar colecciones cápsulas. Alguien que lo hace de esta manera es Stella McCartney, aunque sigue dividiendo sus colecciones por temporada y se presenta en la semana de la moda. Con las colecciones de entretiempo surgen otros espacios para presentarse que permiten romper un poco el calendario. Pero igual la industria de la moda es difícil de cambiarla, aunque ni ellos pueden sostener el ritmo. Fijate que el fast fashion dejó mucho en evidencia y expuso a los consumidores y diseñadores con cosas que no estaban buenas. Hasta H&M se está tratando de replantear las cosas y está bien que lo hagan los que están arriba. Zara destronó a los reyes del fast fashion porque creo que dio con el consumidor fashionista que no les cerraba el modelo de comprar una remera a dos euros.

Moda sustentable: El diseño 100% biodegradable de Nous Etudions

~ ¿Fue fácil acostumbrarse al ritmo de trabajo de Europa? 
Me acostumbré a trabajar con anticipación. 4 o 5 meses antes tienen que estar los bocetos, las fotos de los looks, la propuesta de make up. Hay un gran manejo de la previa. En cambio acá, a lo sumo, los desfiles los definís en 1 mes. Nosotros somos muy profesionales también, me refiero a que en Europa hay una industria que funciona. Aún se siguen mostrando colecciones que se van a vender recién dentro de un año.

~ ¿El sistema de temporada aún no está reestructurado?
Un poquito si. El resort o la pre-colección son inmediatas Yo, como estoy en el slow fashion, trato de no trabajar temporadas sino en colecciones cápsulas .

Nous Primavera / Verano 2019

~ ¿Tuviste que adaptar tu manera de trabajar?
 La misma colección que manejo allá es la que presento acá, pero cambié mi negocio. Con Nous venía trabajando como marca, temporadas cada seis meses, pero cuando decidí que me iba a volcar más al mercado internacional, restructuré. Entonces surge el pre-order, dejar el local y centrarse en el showroom y trabajar a pedido. Manejarme con lo mayoristas de todo el país como lo hago con los buyers y con el 30% de adelanto para que la colección no se pague de mi bolsillo. Es una forma de implementar stock cero y no estancarte con remanentes. Ni hablar de los desperdicios que dañan al medio ambiente.
Dos argentinas en Italia: ‘Sostenible Things’ es el nombre de la muestra que abrirá en el Museo Ferragamo, en Florencia, en abril de 2019. Las diseñadoras Romina Cardillo y Lucía Chain fueron invitadas por la editora de Vogue Italia Sara Maino y la casa Ferragamo a exponer sus diseños en esta exhibición que durará 1 año.
Imágenes: Gentileza Nous Etudions
No hay comentarios.

Enero en Buenos Aires: La antología de Delia Cancela en el Moderno

Delia Cancela es protagonista de la efervescencia cultural que dinamizó Buenos Aires en los años 60' como parte de la vanguardia vinculada al Instituto Di Tella. Como artista expande su arte a otras disciplinas, como la moda, pero distingue que no es arte y moda. Por favor, dice. El Museo de Arte Moderno celebra su obra con "Reina de corazones", una exposición antológica que abarca ilustraciones (de desfiles, vestuarios teatrales o dibujos para Hermés), el manifiesto 'Nosotros amamos', un réplica de ‘Love and Life’ que montaron en la Galería Lirolay en el 65’ o los moños y los corazones que ofician como link de su obra desde sus inicios, por citar algunas referencias de la prolífica carrera de esta artista que acaba de recibir el Premio a la Trayectoria otorgado por la Secretaría de Cultura de la Nación.

Delia Cancela: Reina de corazones. 1962 / 2018 es la exposición antológica ubicada en la PB del Museo de Arte Moderno (Avenida San Juan 350). “Delia fue leída como una artista pop, en el contexto del Di Tella, entonces la idea de la muestra fue correrla de ese lugar categórico en la que se le ubicó, porque ella hizo todo tipo de obras”, dice Carla Barbero, la curadora de la exhibición.

Delia Cancela formó junto a Pablo Mesejean (fallecido en 1986) la dupla artística "Pablo & Delia", ellos trabajaron desde la mitad de los 60' en Buenos Aires, Londres, Paris y New York hasta 1980. La antología levantada en el Moderno muestra los distintos perfiles de la artista, en dúo y en versión solista. "Siempre fuimos transgresores", relata con la la certeza de haber provocado algo mientras, en el medio del montaje de la muestra, me recibe para esta entrevista:

~ En su obra parece que usted no fue influenciada por el momento, sino que lo define. 
Un artista se hace con el tiempo. Lo que se va a ver acá, en ‘Reina de Corazones 1962 - 2018’, es la unión de toda la obra. Yo misma no sabía lo que estaba haciendo, hubo que imponerlo. La gente no lo sabía tampoco. Hasta que un día empecé a darme cuenta.


~ ¿Por qué trabaja en diversos soportes? 
Porque siempre voy investigando otras posibilidades, no me interesa quedarme en lo que descubrí sino en comenzar con el dibujo, seguir con la tela o con el bastidor llegar al cuerpo y después volver a la tela pero de otra manera. Para mi ese es el camino.

~ ¿Sigue estando cerca de ‘Alicia en el país de las maravillas’?
Es muy seria Alicia… Alicia no es un cuento para niños. Yo lo leí cuando era niña, en la colección Robin Hood, pero después cuando la leí de grande, en la versión original y en inglés, me di cuenta que no es para niños, eso es muy interesante. Hay una serie de obras que hice de Alicia, que están en Japón, donde no hay una sola Alicia, cada dibujo muestra diferentes mujeres. Tomé los textos para la obra, fijate que Lewis Carroll es un feminista.



~ ¿Por qué nombrar ‘Reina de corazones’ a la muestra en el Museo de Arte Moderno? 
Yo no le puse el título, fue el museo.

Carla Barbero, curadora: La referencia a Alicia es algo presente pero también este espíritu dialéctico, que todo lo que aparentemente es simple en la obra de Delia, es simple si uno lo ve de un modo literal y en ella nada es tan literal. Si bien su referencia con Alicia es tan importante, era zonzo pensar que íbamos a nombrarla así. Si hay algo de esa perversión y maldad que tiene la ‘Reina de corazones’ es que también tiene que ver con las pasiones y Delia es una mujer muy pasional.

~ ¿Siempre trabajó con libertad? 
La idea de nosotros como artistas era tener libertad. Con Pablo Mesejean no queríamos quedarnos solo en el lenguaje del arte. Si como artistas podíamos ser libre, entonces había que buscar otros lenguajes. Llegamos a Paris, vimos los desfiles y, sumado el interés que tenía por la moda desde chica, fue la manera de empezar. Comenzamos a pensar en el lenguaje de la moda y tuvimos mucho éxito.

~ Hace algunos meses estuvo Kenzo Takada en Buenos Aires y contó el trabajo que ustedes hicieron en los 70’ fue fundamental, que le dieron cambio y novedad a Paris. 
 Qué lindo que haya dicho eso. Fuimos muy amigos con Kenzo, sobre todo en esa época. Nosotros llegamos a Paris con una gran libertad, la gran libertad latinoamericana. En Argentina todo está agarrado con alambrecitos, pero tenemos libertad, en cambio ellos tienen toda la cultura. Pero con todo ese conocimiento y cultura que teníamos, porque no éramos inocentes, fuimos con nuestra parte de creatividad de artista y realmente rompíamos. Transgresores, si, pero aceptando el lenguaje de la moda. En los videos que hay en la muestra se ve la ropa que hacíamos y te dan ganas de ponertela ahora, ves la ropa pero tenía un concepto, eso era lo que importante. En esa época, los desfiles que hacíamos eran con bailarines, no existía eso. Gente que aparecía, como Marilú Marini haciendo performance vestida de novia, todo eso era muy transgresor, era muy nuevo.


~ En las ‘Experiencias 68’ del Instituto Di Tella ustedes hicieron un desfile que se llamó “Ropa con riesgo”. ¿Cuál era el riesgo? 
El riesgo era ponertelo en Buenos Aires, decía yo. Creo yo que fue el primer desfile en el mundo que se hacía en una institución de arte. El público estaba sentado en el suelo, alrededor y dentro del espacio. Las modelos pasaban y bailaban, hacían cosas extraordinarias en un espacio de arte. Eso era de riesgo.

~ ¿Cómo fue llegar en los 70’ a destinos que estaban impulsando nuevos movimientos? 
Llegué a Londres por primera vez cuando fuimos becados para ir a Paris por el gobierno francés; el barco que yo tomé paró en Londres. En ese momento vi Londres y sentí que ese era el lugar donde yo quería vivir. Era fantástico, en todo sentido, me parecía increíble, coincidía con lo que nos gustaba de la moda y de los iconos del cine. Con Pablo teníamos una mirada muy europea, nos interesaba su cultura, mientras que acá se miraba a Estados Unidos. Entonces cuando mostramos nuestro trabajo allá la apertura fue inmediata.


~ La edición británica de Vogue está generando un cambio sustancial a partir del nombramiento de Edward Enninful como director. Él enfatiza en la diversidad, en el multiculturalismo y abre a otro tipo de bellezas. ¿Qué opinión le merecen las revistas de moda?
Es mejor ni hablar de eso ya. Yo pienso que hay muchas revistas en Europa que son muy interesantes y que no se conocen. Vogue ya es una institución. Después de Vogue Italia, listo. Ya no están Franca Sozzani, Anna Piaggi, imaginate, maravillosas. Grace Coddington también se fue. Ellas fueron mujeres creativas.

~ ¿Cómo fue su relación con Grace Coddington? 
Grace fue la que nos descubrió cuando llegamos a Londres y nos dio espacio en el Vogue. Hace un tiempo me mandó su autobiografía y me dijo que yo fui una inspiración para ella. Ella para mi también lo fue. En Londres me di cuenta que algo estaba pasando en mi, hubo un cambio, una apertura, creo que todo esto (señala su obra) me hizo ver más claro el arte y la moda, que no es arte y moda, por favor! Los dos lenguajes son diferentes y en mi eran naturales.

~ Si tienen dos funciones totalmente distintas, ¿por qué surge la pregunta si la moda es arte? 
Quizás surge desde el arte, porque no creo que a la gente de la moda le interese. Considero que hay diseñadores que son artistas. Para mi, Martin Margiela es un artista, Cristóbal Balenciaga era un artista, Chalayan, Rei Kawakubo... Hay artistas que trascienden, salen libremente pero no hay muchos artistas que sean diseñadores, ese es mi dominio. Son lenguajes diferentes y no hay uno más importante que el otro, tienen el mismo nivel.


~¿Por qué el arte no carga con el estigma de frivolidad que la moda si? 
Porque se trabaja con el cuerpo, el ser humano. Pero sí, la moda es frívola. ¿Porqué no? Si empezás a buscar qué significa la frivolidad podés encontrar cosas interesantes. Uno dice frívolo como algo negativo pero no es así necesariamente. ¡Seamos frívolos todos!

~ La mujer está presente en todo su trabajo. ¿Qué piensa del momento que está viviendo? 
(Levanta el puño con fuerza y sonríe) ¿Se escucha? Me parece bárbaro lo que está sucediendo. Diferente, más violento a lo que sucedió en otros momentos, pero supongo que es necesario que así sea porque los tiempos son más violentos. Lo que está haciendo la mujer está muy bien, que la mujer tome el lugar que tiene.

~¿Cuál es su sensación al ver el cuadro que firmó ‘Cuqui’,usted con seis años, exhibida en el museo? ¡Pienso qué bien pintaba! Lo importante no es si pintas bien, es un plus, lo importante es el concepto, lo que vos creás, no una cosa mecánica. Me gustó mucho ver el dibujo ahí colgado porque estaba exhibido en la cocina de mi casa. Es importantísimo, fundamental, sacar las cosas de contexto.

Imágenes: Gentileza Museo de Arte Moderno
Esta nota fue publicada en Clase Ejecutiva, la revista del diario El Cronista. 
No hay comentarios.

2018 | Final Feliz

Camino a los 13 años online, Bloc de Moda cierra un año nuevo en movimiento. Un medio autogestionado vibra cuando encuentra lectoras y lectores interesados en sus historias. Y ustedes hacen posible que Blocdemoda.com siga online.

¡Gracias siempre! Esta página fue planeada como una experimentación del boom digital que, por los primeros años del nuevo siglo, era evidente.


Bloc de Moda fue lanzado en la era digital. Hoy se enfoca en la era móvil, pensado como un medio para consultar en cualquier momento del día y con el compromiso presente de ofrecer periodismo de calidad y gestionar una agenda propia.

El 2018 se va con nuevas coberturas. ¡Por primera vez estuvimos cubriendo las colecciones Couture en la Ciudad Luz y arrancamos el año desde la semana de la moda de New York. El 2019 nos va a encontrar en un avión, en la aventura de mirar una nueva semana de la moda en directo. Entre mis manos viene un nuevo proyectazo: la escritura de un libro que va a llegar a las librerías vía Editorial Planeta. Podés seguirle la ruta por #LibroModaAr

Nos encontramos en unos días por acá, en el newsletter o por las redes sociales.
¡Estamos en movimiento!
No hay comentarios.

1998 | 2018: Cómo la tecnología transformó a la moda

20 años atrás, Helmut Lang se convirtió en el primer diseñador en lanzar una colección en internet. En el marco de las presentaciones Otoño / Invierno 1998, el creador austríaco subió a la web los 81 looks y envió un CD con las imágenes y un video a la prensa: en aquel entonces, el ancho de banda de internet no era compatible con la transmisión en vivo, pero este diseñador que tanto influyó con su estilo a la moda dijo: "Este es el primer paso en el futuro". Desarrollar este proyecto multimedia le llevó 3 años y el gasto económico fue similar a la preparación de una pasarela física, la idea de Lang fue agilizar una escena saturada de exhibiciones y llegar a más personas.

Helmut Lang Otoño / Invierno 1998: el primer desfile subido a internet. 

10 años después fueron los holandeses Viktor & Rolf los que montaron un desfile online, en video, donde replicaron digitalmente su boutique y clonaron a la modelo Shalom Harlow para hacer 'Funny Face', el show en octubre de 2008. A la siguiente temporada volvieron al calendario de la fashion week... La tecnología estaba en romance con la moda pero la conquista no fue tan rápida.


La revolución digital modifica desde entonces las estructuras de la industria, hoy internet es parte del mensaje de las historias que las marcas y diseñadores necesitan adoptar para comunicarse con una audiencia global que, hasta no hace mucho tiempo, era reservada a unos pocos y las presentaciones transcurrían a puertas cerradas. Ahora los desfiles son transmitidos en vivo en las redes sociales y la ropa sale a la venta en el momento que llega a la pasarela. Para acortar los tiempos entre temporadas, las cápsulas se volvieron necesarias para mantener la novedad y las colecciones de entretiempo, imprescindibles para vender.

Helmut Lang Otoño / Invierno 1998: el primer desfile subido a internet. 

Mientras el sistema de la moda se acomoda al nuevo lenguaje, las etiquetas implementan fórmulas que resultan más sustanciosas que la sola idea de vender ropa; es preciso ofrecer experiencias. La maison Chanel fue precursora y puso sus archivos online a través de su canal de Youtube. Así, #InsideChanel potencia el gesto de Karl Lagerfeld de asociar cada lanzamiento con la leyenda latente de Coco Chanel.


Otro de los innovadores fue Christopher Bailey, quien estuvo hasta el pasado mes de marzo al frente de Burberry: una casa de tradición british se convirtió en una marca de moda que orientó los pasos a seguir para la industria y quedó en la cúspide cuando en 2013, a través de su pasarela, develó el Iphone 5S en una alianza inédita. Apple no usó su teatro de California para comunicar uno de los hits del año, sino un desfile en London Fashion Week y las redes sociales de Burberry para mostrar las destrezas del nuevo celular. Mismo estreno tuvo el Iphone XS cuando, en el debut de Riccardo Tisci como director creativo de Burberry, el desfile Primavera / Verano 2019 fue fotografiado con una de las novedades del año que Apple había anunciado un par de días antes.

El Iphone 5S en la colección de Burberry y cómo la casa british amplió la conversación.

Otros acontecimientos iluminaron el futuro próximo de la moda. En 2002 se retiró el modisto Yves Saint Laurent y su show fue transmitido en pantalla gigante, algo que sucedía por primera vez, en la puerta del Centre Pompidou. Los desfiles comenzaban a dejar de ser un espectáculo para especialistas. Dos años antes, Net-a-Porter se presentaba en sociedad como el primer shop online de ropa de diseñador mientras aparecían los sitios que publicaban las imágenes de los desfiles en tiempo real, como FirstView y Catwalking. La moda realmente comenzaba a masificarse.

Las botas de Isabel Marant, la estilista que más influyó - copiada - a la industria textil.

Ese signo de época fue legitimado en 2004 con el inicio de las colaboraciones que H&M realizó con el mercado de lujo. El concepto de democratización de la moda estaba en boga. La colección debut que Karl Lagerfeld presentó junto a H&M agotó, sin redes sociales a la vista, el mismo día. Y así, cada mes de noviembre era esperado con filas en estos locales de moda rápida. Pero la misma aceleración en el ritmo de las novedades y tendencias que ofrecen este tipo de cadenas de retail terminaron por debilitarse en su propia combustión: los diseñadores se convirtieron en directores artísticos y ya no se trata de prendas de la temporada sino de ofrecer la imagen integral de una marca. Prueba de ello es Isabel Marant, la mujer que más influenció a principios de la década los percheros de la industria textil. Sin embargo, su figura se fue desdibujando frente a la propuesta de vestuario de Phoebe Philo en Céline, cuya idea estuvo sustentada en dar piezas capaces de resistir el paso del tiempo.

Céline Primavera / Verano 2011 según Phoebe Philo: la idea de vestuario por sobre el cambio constante de ropa. 

La moda es cambio y este es el comienzo de algo nuevo. Así está sucediendo la primera era posinternet.
No hay comentarios.

Mujeres vestidas por mujeres: El universo lúdico de la moda

Los vestidos que remiten a otra época o a un cuento de hadas aumentan su popularidad en el vestuario femenino. Tras un período de temporadas donde la practicidad del sportswear acaparó la atención de la moda, una ola de vestidos de sensibilidad retro empezó a posicionarse como una respuesta posible a las prendas básicas. Estampas lúdicas, bordados traídos de la Alta Costura, mangas abullanadas, cinturas ajustadas, faldas con vuelos de ensueño. Son vestidos que hacen una proclamación personal y que la mujer personaliza en el uso con borcegos, botas o un par de zuecos, pues no se trata de aferrarse a la elegancia de una época lejana. Las décadas del 40' a la del 60' están siendo vistas con la lente de esta época.

"Realmente se parecen a los vestidos de fiesta que querías usar cuando tenías seis años, son los diseños que usarían los personajes de tu libro favorito", aseguró Lena Dunham, la actriz, productora y escritora newyorkina que desde la serie "Girls" ensalzó este estilo que no busca disimular la llegada sino anunciar la presencia.

Los vestidos de Batsheva coparon Instagram.

Mientras que lo retro resignifica estilos todavía vivos en la memoria, el historicismo toma inspiración de otras épocas, pero en la moda es posible que se entremezclen. 

 "Juli Santini está inspirada en 'Alicia en el País de las Maravillas', de Lewis Carroll, con reminiscencias de Paris de finales de los años 60's , toma la filmografía de Jean-Luc Godard y varias notas de color del director Wes Anderson. Con el correr de los años y mi propio crecimiento fui incluyendo distintas ramas del arte y la musica a mi inspiración", cuenta la diseñadora de la marca homónima que en su propuesta encierra un universo poético que resume de manera contundente el contexto cultural con el que se presenta su etiqueta.

Los vestidos románticos de Juli Santini.

Juli Santini apuesta al slow fashion y en el trabajo a mano, desde la moldería a cada terminación de sus diseños. “Es complicado y difícil, más aun siendo independiente, pero sobre todo por la poca valoración que tiene en el público general, aunque al mismo tiempo lo que se gana es invaluable y tiene que ver con la tranquilidad que me da saber que no solo estoy aportando algo bello sino perdurable y no-contaminante.”

Ésta estética se cruza con el romanticismo y tiene una vinculación con los vestidos conocidos como ‘de la pradera’ y el estilo victoriano; son diseños que aparecen como una reacción a la ropa típicamente sexy, que reformulan una idea de feminidad con el pasado inmediato.

Las mujeres en movimiento de House of Matching Colours.

"Siempre tomé el diseño como una expresión personal, como una búsqueda para decir no solo lo que me gustaba sino lo que me pasaba, siempre fue algo por dónde hablar. Entonces entiendo que tuvo mucho que ver conmigo y no tanto con lo que estaba pasando alrededor en cuanto a tendencias", explica Paula Selby Avellaneda, la creadora de House of Matching Colours, una etiqueta que mixtura lo urbano con lo Couture. El look de esta marca es rotundo: una chaqueta de cuero y los vestidos que antes estaban destinados a ocasiones especiales reflexionan sobre la actitud de una mujer en movimiento, que no está en pose para que la miren.

El manifiesto de fantasía de Lulú Martins.

Este manifiesto de la fantasía se gestiona con textiles y tejidos de fibras naturales, telas con estampado digital, recursos industriales, bordados y técnicas ancestrales. Para el caso, la diseñadora Lulú Martins ofrece como complemento a sus vestidos con silueta de los años 50' y 60' carteras tejidas por las tejedoras QOM del Impenetrable del Chaco. En cuanto a las referencias, también apela a la memoria de la infancia. "Tomo cosas que no parecen de este mundo, que no tiene que ver con la realidad. Me gusta crear una atmósfera de surrealismo mágico", dice.

Vestidos de cuentos con la pretensión de uso, que vuelan la imaginación a otra década pero lucen actuales. Se ven bellos, pero también poderosos. "Nos gusta rediseñar los clásicos. Un buen Jackie de los 60' o romper desde una estampa más pop y lúdica. Los cortes en la cintura y faldas voluminosas de la década del 50' nos encantan, pero con textiles tecnológicos como neoprenes, calados láser o redes con impronta deportiva", dice Valentina Karnoubi, quien junto a Guadalupe Teigeiro son las diseñadoras que dan vida a Mila Kartei.

Un universo de estampas y bordados creado por Mila Kartei.

Batsheva Hay es la diseñadora de Bathsheva, una etiqueta fundada hace dos años y que durante la última semana de la moda de New York apareció como nueva voz para dictar una propuesta sobre qué lucir. Otra firma que ensalzó esta apariencia es Doen, diseñado por las hermanas Margaret y Katherine Kleveland. Vestidos con un carácter sustentado en la elegancia vuelven a ponerse en marcha y tiene a Laura Ashley, la marca de diseño británica fundada en 1953 e influenciada por el pastoralismo inglés victoriano, como referencia inicial. Pero es un disparador de las posibilidades con las que evolucionó este estilo.

Las hermanas Margaret y Katherine Kleveland crearon Doen. 

Hay algo mágico en lo que estas diseñadoras proponen que puede leerse como un rechazo a las informalidad y uniformidad que digitan las imágenes desde las redes sociales y la simultaineidad de posibilidades que ofrecen las prendas de aspecto deportivo: La fantasía como acto simbólico que busca empoderar a quien usa estos vestidos, con un estilo que evita el anonimato.

La iniciadora: Laura Ashley hoy vende hasta muebles, pero sus inicios estuvieron influenciados por el pastoralismo inglés victoriano.

* Nota publicada en la edición de diciembre de Revista Cosmopolitan
No hay comentarios.

Anuario 2018: Cómo la Generación Z está redefiniendo el concepto de la mejor vestida

La generación Z, aquellas personas que nacieron entre 1990 y 2010, están dando un nuevo sentido a las estructuras establecidas hace décadas. En una sociedad digitada por imágenes, las celebridades cuentan con una presión popular que, desde la comodidad del sofá, juzga qué se puso y 'si da o no da' una elección indumentaria. Pero las nuevas estrellas, con la frescura y desenfado que habilita y acompaña esta época, tienen inquietudes más importantes que cumplir las expectativas de la mirada ajena.

Emma Watson versión 2011: En cuanto salió de Harry Potter la industria la posicionó como referente de belleza y estilo. 

Es posible ilustrar esta idea con los registros profesionales de Natalie Portman y Emma Watson, dos mujeres que el público acompañó en su crecimiento. La embajadora de Dior dice que se acostumbró desde adolescente a vestirse como una señora así la tomaban en serio. La chica estrella de “Harry Potter” se convirtió en un referente de belleza y estilo tan pronto terminó la saga taquillera. Pasaron años hasta que Portman y Watson comenzaron a cuestionar su rol y se convirtieron en una de las primeras voces de la tercera ola del feminismo que iniciaba.

Con voz propia | Embajadora de Dior, para los Oscars de 2012 Natalie Portman lució un vestido Couture de 1954, firmado por el señor Christian Dior, para mostrar su desacuerdo con John Galliano, el director creativo de la maison despedido por sus dichos antisemitas. 

Claro que hay excepciones. Millie Bobby Brown es la primera estrella infantil nativa digital. Su aparición en la serie "Stranger Things" puso al grupo de pre-adolescentes en el foco, sumada la espontaneidad que mostraban los jóvenes actores en público. Sin embargo, en cuanto las casas de moda y la estilista comenzaron a indicarle el vestuario, pareció que Millie absorbió toda artificialidad de las estrellas de Hollywood y así posa hoy.

El artificio y la frescura juvenil marcaron el año de Millie Bobby Brown: así comenzó la temporada de premios 2018.

En el plano local hay referentes que se muestran sin los condicionamientos y beneficios que supone pertenecer a la lista de las mejores vestidas o sumarse como caso de éxito a una nómina que valora el buen gusto como atributo máximo. Para el caso, Tini Stoessel, Sofí Morandi y Maite Lanata marcaron el ritmo de este 2018 que se despide.


Maite Lanata tiene 18 años. Cuando “100 días para enamorarse” salió al aire, la promesa de la novela hacia los televidentes fue tocar temas de actualidad sin el grado de teatralidad que suelen marcar el guión de los culebrones. El team Ortega logró contar la historia de Juan Salinas, el hijo de Antonia (Nancy Dupláa), Coco (Pablo Rago) y Diego (Luciano Castro) avalado por el talento actoral de Maite. Con un pico de rating de 18.5, ella, Dupláa y Castro ofrecieron una de las mejores escenas televisivas del año con el momento magistral del corte de pelo de Juani. Ahí terminó por delinearse el perfil del adolescente trans. Desde la pantalla televisiva, la caja boba le dicen, se contó la diferencia entre género y sexo biológico, acentuando cada noche explicaciones sobre la posibilidad de otras sexualidades. Para componer su personaje, Maite Lanata dejó crecer el bello de sus axilas y así se fotografió fuera de la novela, como cuando hizo la portada para la revista Caras con su pelo corto, un strapless verde y su brazo levantado invisibilizando la depilación.


Tini Stoessel tiene 21 años. A los 14 se hizo popular con Violetta, una serie de Disney. Llegaron giras y la construcción de una carrera como cantante que la mostraron armada, incluso contó con Rebecca Corbin-Murray, la estilista de la joven realeza hollywoodense, como asesora. Pero al aparecer cada noche como uno de los jurados de “La Voz Argentina”, junto a Soledad Pastorutti, Ricardo Montaner y Axel, logra transmitir una versión simple y bella de su perfil profesional. Incluso, en la gran época de sponsoreos, Tini pasó semanas luciendo la misma ropa. El look del día no es lo más importante, claro está.


Otros de las figuras del año fue Sofi Morandi, la influencer que primero copó Instagram y Youtube con sus videos y hoy es Trendic Topic cada vez que salía a la pista de “ShowMatch” junto a Julián Serrano, su co-equiper, los flamantes campeones del certamen de baile. Comenzó su carrera como actriz en el canal Nickelodeon y más tarde participó en teatro con el musical basado en el disco de Green Day, “American Idiot”, pero fue en 2016 que sus videos comenzaron a viralizarse y se alzó el galardón como Revelación Digital en los Kid's Choice Awards. Con un estilo aún definiéndose, la influencer y bailarina se viste con marcas como 47 Street, Sweet y Fila, pero apenas como prólogo del huracán que, pañuelo verde mediante, arrasa con personalidad para explicar el momento actual de la mujer. Skere!


De lucirse en la alfombra roja a buscar momentos auténticos en Instagram, la personalidad de la nueva camada de referentes moviliza la estrategia de las marcas. Mientras tanto, la Generación Z reescribe la historia delante de nuestros ojos.
No hay comentarios.

Cuáles son las tendencias en denim

Por Gaby Ratner

El jean es la prenda que más veces nos probamos antes de comprarlo pero a la vez, genera una fidelidad muy alta del usuario para con esa marca y/o modelo, siendo difícil de reemplazar mas allá de las modas pasajeras. Mis jeans, esos que me acompañan desde la adolescencia, tienen una historia. Cada par representa una época transitada, un recital o un veraneo donde agarré la tijera y lo convertí en un short con flecos improvisados. La memoria emotiva hace su tarea y aquí me encuentro como siempre, atenta a las nuevas tendencias de este textil urbano que se ha resignificado en un mushup que presenta nuevas texturas, tecnologías y usos.


En el Museo de Arquitectura y Diseño, Santista JW presentó #BlueCode, la nueva colección para la temporada Primavera / Verano 2010 con seis nuevos textiles: Smart, Enigma, Midi, Brume, Claire y Tiza. Aquí la inspiración y el mood de las tres tendencias presentadas:

1 + 1
Esta suma es la resultante de una nueva forma de vincularse y crear alianzas entre firmas que en otro momento no hubiesen pensado realizar acciones en forma conjunta. Este tipo de fusiones logra que ambas marcas se potencien ofreciendo a sus clientes una nueva visión no solo desde la oferta de productos sino también a partir de la creación de códigos compartidos con otros rubros.


Un ejemplo fue el co-branding entre la firma Fendi y la marca deportiva Fila, abriendo paso al jean de alta costura con la campaña Fendimanía. Este sportwear de lujo presentó una colección con chaquetas, parkas, bermudas y todo tipo de accesorios con logos gigantes en tiras o pequeños parches, y con la F característica de Fila intervenida mostrando ambas marcas en esta suma indiscutible.

El textil ideal es el Smart, un denim con power strech que visualmente simula ser rígido, con lavados marmolados y algunas roturas, jeans estilo vintage, el mix & match de la gabardina mas el denim y las prendas superpuestas.

Public Life
Esta tendencia está alineada a la hiperconectividad, y un salto más, donde el consumidor pide verdad y transparencia en esta vida cada vez más pública. Los usuarios le piden a las marcas ser parte, tener voz dentro de esas empresas que ellos son consumidores activos.

Adidas es pionera en involucrar a los usuarios de la marca. Una de las acciones que lleva a cabo es contratar diferentes influencers y fotógrafoss e ir rotándolos para comunicar qué es Adidas para cada uno de ellos, entendiendo que más allá de haber conformado una gran comunidad, existen miradas disimiles y una variedad de usuarios que cuentan cómo viven la marca desde su cosmovisión.


La campaña Haute Couture de Dolce & Gabbana es la inspiración de esta tendencia que llega con destellos índigo y el lavanda que le brinda un toque romántico, algo de animal print e insertos de denim monocolor.

En esta tendencia se puede jugar con gran variedad de denim, el Brume, una tela más satinada dirty blue con proceso, y con Midi, un jean con cuerpo y peso que parece una segunda piel. Aparece como imprescindible Tiza, la única gabardina Kolor de la colección satinada y con coating (revestimiento) blanco.


Transe
Transe nos habla de los grupos en transición (transexuales) poniendo énfasis en la inclusión y muchas veces apelando al humor para comunicar. En septiembre de este año la marca Diesel lanzó una campaña “Hate Couture” utilizando la ironía para luchar contra aquellos que realizan bullyng en las redes sociales y a la vez reírse de la alta costura. Pero su lucha no solo se queda en las redes y la campaña publicitaria, sino que parte de lo recaudado de la venta de prendas de dicha colección se destina a una organización que lucha para erradicar el ciberacoso.


Esta tendencia trae el uniforme de la libertad bajo el lema que el denim perfecto cuando elige al consumidor que quiere hablar y contar algo.

Se trata de prendas bien utilitarias pero con diseño, degradé de colores, lavados ácidos, transparencias y capas. Las telas que mejor se adaptan son Tiza, Smart y Midi.
No hay comentarios.

El regreso de la calza ciclista

La practicidad y las prendas que facilitan el movimiento han permitido el desarrollo del Atheisure, una tendencia que lleva casi una década de evolución.

Christine Centenera en las colecciones Primavera / Verano 2019 de NYFW

En las últimas colecciones Primavera / Verano 2019 la presencia de la sastrería como protagonista de pasarelas, como la de Tom Ford, equilibró la atención que la ropa deportiva acaparó en el vestuario. Mientras tanto, la calza ciclista hace su arribo con pretensión de (buen) vestir.

Un momento de los 90' se viene a la cabeza, pero mejorado. Las ciclistas - o biker short - fueron lanzadas en la silueta de Kim Kardashian pero el back estuvo en manos de Christine Centenera, la directora de moda de Vogue Australia en su rol de estilista.

Diane Kruger en The Late Show con Stephen Colbert

Cuando la asesora de Kanye West y Virgil Abloh lanzó su marca "Wardrobe.NYC", en diciembre 2017, en su repertorio incluyó las leggings y las calzas cortas. Un año de trabajo visual hizo que el gusto refinado de Christine Centenera imponga a las ciclistas como tendencia. Aquí, las pruebas.

La versión deportiva de la calza ciclista según Kim Kardashian
No hay comentarios.

Anuario 2018: Los pañuelos verdes en el prime time


Juan Minujín y Luciano Castro pertenecen a distintas camadas de actores pero coinciden en establecer nuevos estereotipos de 'ser hombre' en la industria del entretenimiento. Cercanos y amorosos, así se percibe a los protagonistas masculinos de "100 días para enamorarse", la novela de Telefe que vino a refrescar la noche de la pantalla chica. El elenco se completa con las actrices Carla Peterson y Nancy Dupláa.

Uno súper musculoso, morocho argentino que enamora desde los 90's, en la época de “Jugate Conmigo”, el programa de entretenimientos de Cris Morena, donde Luciano Castro improvisaba además como cantante. El suyo era el tema 'Bella', con una voz 'prestada' que delataba un plan a lo Milli Vanili. Luciano, así, a secas, era el pelilargo de cola de caballo y chaqueta de cuero que alentaba los gritos y promesas de amor desde la tribuna. Él respondía con miradas y sonrisas tímidas que con el tiempo colmó de sustancia. Siguió en “Chiquititas” y un sin fin de novelas que reflejan una época dorada de la televisión argentina, cuando a cualquier hora había historias nacionales contadas por actores de distintas generaciones.


El momento de protagonizar le llegó en el cambio de siglo, cuando comenzó la era comandada por los actores de una nueva generación. Empezó con 'El tiempo no para", con un repertorio de nombres que iluminan una época: Dolores Fonzi, Walter Quiroz, Julieta Ortega, Antonio Birabent, Valentina Bassi, Federico Amador y Gonzalo Valenzuela. Siguió con 'Lalola' y 'Amanda O', la primera novela realizada para ser consumida por Internet, lanzada 10 años atrás. Aunque se lo vincule como parte de la factoría Pol-Ka, la productora fundada por Adrián Suar, Luciano Castro hizo ficción en todos los canales de la TV Argentina: en 2017 fue uno de los protagonistas de “Las Estrellas”, en Canal 13, y este año se destaca en “100 días para enamorarse”, por Telefe.


Aquí compone a Diego, un alma libre que tuvo una historia de amor con Antonia (Nancy Dupláa) y desde los primeros episodios se entera que es el papá de Juani (Maite Lanata), una adolescente de 18 años. Así, una de las historias de 100 días para enamorarse, la novela del momento y cuyo éxito, quizás, se explique en eliminar la trama culebrón y suavizar la oda al amor eterno: acá hay parejas en problemas y se los separa en el primer capítulo.

El don de galán en la TV permanece intacto y en equilibrio con su vida pública: está en pareja con la modelo Sabrina Rojas, con quien tiene a Esperanza y Fausto, sus dos hijos que se suman a la familia con Mateo, de 16 años, fruto de una relación anterior y con quien comparte la pasión por el boxeo.


Menudito y con una presencia contundente, Juan Minujín es de la misma generación de Luciano Castro pero aterrizó ante la mirada del gran público en la camada siguiente.

Juan Minujín marcó precedente como invitado del grupo El Descueve, en la bellísima "Hermosura", una obra cargada de erotismo refinado donde este actor de recatada silueta colmó de sensualidad el escenario junto al grupo de coreógrafos capitaneado por Carlos Casella, Ana Frenkel y Mayra Bonard, quienes distinguieron la movida cultural en ese tremendo semillero que significó la década del 90'.

La hoja de vida de este actor de apellido ilustre es bien nutrida: actuaciones magistrales en “El Marginal”, “Viudas e Hijas de Rock and Roll”, protagonizó la versión local de la serie “Loco por Vos”, “Epitafios” y “Tiempos compulsivos”.


Sobrino de la artista Marta Minujín, en pareja hace 20 años con Laura, con quien tiene dos hijas, Amanda y Carla, de Juan Minujín se escriben notas que indican cómo ha sabido mantener el amor de una mujer con el paso del tiempo. Pero lo que más conmueve de este hombre de 42 años es la manera en que acompaña la lucha de la mujer por la igualdad de derechos. Él puede dar cátedra en un programa de entrevistas, contando en 5' minutos el porqué es necesaria la legalización del aborto a recomendar lecturas feministas desde su cuenta de Twitter. Juan Minujín se muestra extrovertido, de ideas claras y con un bigote bien cuidado que le da un aire de dandi y una galantería latina.

Los galanes del momento son amables y compañeros; el buen rating de la novela apoya la moción.
No hay comentarios.

Anuario 2018: Por qué el estilo de Carrie Bradshaw se mantiene en tiempo presente

Pasaron 20 años desde que Sex and the City se presentó en la pantalla de HBO. Protagonizado por Sarah Jessica Parker, Cynthia Nixon, Kristin Davis y Kim Cattrall, el show televisivo tuvo a la rubia, la morocha y la pelirroja como estereotipo femenino de fácil reconocimiento, pero lo que logró que esta serie no pase de moda fue, justamente, la moda.

Por qué el estilo de Carrie Bradshaw sigue vigente

Dos películas que no le hicieron sombra a una serie que durante 6 temporadas mostró una forma de la independencia de la mujer, mientras reflejó y anticipó una nueva manera de acceder moda. El foco quedó sobre Sarah Jessica Parker, con algo de garra para separarse de esta estampita del estilo llamada Carrie Bradshaw, el personaje clave en esta historia. Ella trató de reinventarse y tras varios intentos, se unió al ícono que legitimó el público. Sucede que Carrie Bradshaw se posicionó casi como aparición religiosa; cada look sigue siendo rescatado del archivo porque mantiene la inspiración: ese nombre fue capaz de proyectar una realidad reconocible aunque extravagante para el estilo de vida de una escritora freelance. Como si fuera poco, Sarah Jessica Parker vive a la vuelta de la casa de la Bradshaw y es posible caminar por Charles St, en el West Village, y verla sentada en las reconocibles escaleras anaranjadas del barrio, caminando con amigos, llevando a sus gemelas al colegio o saltando arriba de un taxi, siempre de jeans, algún top gris y zapatos de su etiqueta.

El estilo de Carrie Bradshaw en Sex and the City

Algunas cosas hizo SJP para diferenciarse de Carrie; películas del estilo 'New Year's Eve’, ‘Qué fue de los Morgan’, ‘The Family Stone’ y otra serie para HBO, ‘Divorce’. Nada que resulte descollante, la verdad. Pero sí existieron guiños a su gusto por la moda. En la serie ‘Glee’ tuvo su aparición como la ejecutiva de Vogue Isabelle Wright. Intentó revivir a la firma súper chic Halston y en su street style se ocupó de posicionar a zapateros emergentes: en sus pies se presentaron Charlotte Olympia, Brian Atwood y Nicholas Kirkwood. Cuando Jean Michel Cazabat quiso instalarse en Bleecker Street, contrató a la actriz como embajadora de sus zapatos en punta. También fue la imagen de las marcas Intimissimi y de los jeans Jordache. Coqueteó con una marca low cost llamada Bitten y fundó una línea beauty. Pero todo esto no fue sino un ensayo del epílogo que Sarah Jessica Parker planeó.

Ella tiene el look: Carrie Bradshaw para siempre

En 2014 anunció su marca de zapatos SJP Collection en alianza con George Malkemus, el empresario que introdujo a Manolo Blahnik en Estados Unidos. No debería ser una sorpresa que Parker termine vendiendo zapatos, pues su presencia remite a la obsesión de Carrie Bradshaw y acá está la versión empresaria. La marca cosecho éxito de inmediato. En el primer año tuvo un crecimiento del 30%, 40% en el segundo y 25% para el tercero. Este año esperan el 300% ya que la colección también se completa con bolsos y ropas.

Modelo para Intimissi: Así promocionó el nuevo balconette de la firma lencera italiana

Todo el proceso empresarial fue un paso a paso que vale como estudio. Al principio los zapatos se vendían en las tiendas departamentales de USA, luego en exclusiva en Bloomingdales. Fue a Las Vegas y se instaló en el Bellagio y el MGM, también inauguró en Dubai mientras en Manhattan se mantenía como tienda pop up (stores que se instalan por un período de tiempo). Ahora está asentada en el centro de la isla y se estrena en el nuevo circuito de moda de la Gran Manzana, el Seapport District.

Nuevo rol: Sarah Jessica Parker es la editora de SJP for Hogart

Como un gesto de superación, esta mujer de 53 años muestra que la curiosidad es un motor en su vida profesional. Cuando su rol como empresaria de la moda va en aumento, Sarah Jessica Parker debuta como editora de libros de ficción de autores emergentes. Se trata de SJP para Hogart, una colección que tuvo su antesala en un club de lecturas que dirigió junto a Molly Stern, la vicepresidenta de Crown Publishing, del grupo de la editorial Penguin Random House.

Junto a Matthew Broderick son padres de James y las gemelas Tabitha y Marion y forman una de las parejas más longevas de Hollywood. Su patrimonio está estimado en 100 millones. Y va por más.
No hay comentarios.