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Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital focalizado en la cultura moda, en movimiento desde 2006. En estas páginas se observa y se escribe la moda como fenómeno social que refleja la época. Periodismo de calidad en notas de moda, belleza y estilo: Registro de historias plasmadas en un reportaje online. ¡Bienvenidos!

Indio Solari tiene estilo, aquí un retrato

El Hipódromo de Tandil está a oscuras, de fondo se escucha una arenga permanente que no calmará en las próximas dos horas. Indio Solari quiere hablar. "Quiero decirles algo que tengo la necesidad de decirles", repite. Es marzo de 2016, al artista descomunal se le quiebra la voz, quiere contar que Mr. Parkinson le anda pisando los talones... Tiene una chaqueta verde militar y un buzo con capucha con rayas blancas y negras que caen sobre un pantalón también holgado. Un look cotidiano sin pretensión.


Cuando Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda que lo acompaña desde 2004, comenzaron con los primeros acordes de 'Nuestro amo juega al esclavo’, las luces se prendieron y el Indio apareció, puño en alto, con una campera bomber negra acolchada y una camisa de jean entallada, otro ensamble funcional pero esta vez colmado de actitud. Es un rockstar, el mayor fenómeno de Argentina.


Carlos Alberto Solari tiene 70 años, se convirtió en mito viviente siendo el cuerpo y la cara del movimiento que formó junto a Carmen ‘Poli’ Castro y Skay Beilinson, su co-equiper compositivo en la banda, el corazón de Patricio Rey aseguran los cánticos de los fans, 18 años después de la disolución de esta gran manifestación de la cultura popular. El talento de Solari mantuvo la identidad en el hacer, no en el aparentar. Se viste práctico, con los lentes y el gorrito deportivo como accesorios fundamentales de su facha. En los pies siempre calza el modelo Uriarte de la marca 28 Sport, él le dice los zapatos de 'yosapa".


Vestirse es un acto cotidiano. Los varones del rock argentino suelen ser escrutados por cómo suenan y no por cómo se ven, aunque ensalcen una personalidad estética marcada, pues para la patria rockera, prestarle atención al vestuario es pura frivolidad.

Mirar a Solari a través de una lente esteta permite analizar su apariencia, no como una forma de imponer modas pero sí para descubrir signos de una identidad que desarrolló a través de las décadas.  El uso de los lentes de sol y el gorrito negro son su marca personal. Se sumaron las camisas y el repertorio de camperas que el Indio estrenó cada vez que se subió al escenario. El desarrollo de esa evolución explica entonces las particularidades de su aspecto actual, que es moderno y refinado. Algunos elementos del vestir se convierten en símbolos, son una expresión y representación que vibran en el inconsciente colectivo.


De su etapa psicodélica de los 60' no hay registros. La precuela de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en los 70’, tiene a Solari haciendo artesanías y dibujos que vendía en las ferias de La Plata y en la emblemática Galería del Este. Luego comenzó a trabajar en ‘El Mercurio’, la estampería que Guillermo Beilinson, hermano de Skay, tenía en City Bell. Allí copiaban las estampas de las primeras prendas que llegaban de la India e imprimían metros de tela hindú para cortar vestidos, remeras y pañuelos. Más que hippie, él fue psicodélico, escribió en ‘Recuerdos que mienten un poco’, el libro autobiográfico que publicó junto al escritor Marcelo Figueras.


Cuando Los Redondos hacen escala en Buenos Aires, el Indio comenzó a vestirse como un oficinista. Camisas adentro de pantalones sastreros, una calva a medio afeitar, bigote, lo más parecido a un vecino que lo esperado para un artista. Todo ese bombardeo de novedad de la cultura de los 60' quedó entre paréntesis hasta los 90’, la década donde Los Redondos se convierten en una banda de estadio. Mientras tanto, los 80’ transcurrían con Luca Prodan, frontman de Sumo, sentando las bases del uniforme rockero para la década siguiente: jean, remera y zapatillas.


Pelado, el Indio usó remeras, camisas a cuadros y de estampas psicodélicas. Algunas de estas piezas quedaron exhibidas en la muestra que en 2015 lo tuvo como protagonista en la Biblioteca Nacional, como la remera de la geisha con la que Solari cantó ‘Jijiji’ en Huracán del 94'. Pero no fueron las únicas prendas que guardó de otra época. En 2014, en el show que dio en Mendoza, volvió a desempolvar el jean de parche con rombos y cabeza de ganado que en los 90' usó para presentar 'Lobo suelto - Cordero Atado’ en Huracán y Entre Ríos y más tarde para tocar en vivo ‘Luzbelito’ en Go! de Mar del Plata.


5 discos solistas después, el artista más convocante del rock argentino mantiene el uniforme de la funcionalidad, aportando también una lección de estilo en este culto pagano que resulta el rock.

Una versión de esta nota fue publicada en la edición de marzo de Revista Brando. 

La evolución de la Alta Costura

La Alta Costura refleja los nuevos tiempos, su nomenclatura está legalmente protegida y controlada por el Ministerio de la Industria francés. Se trata de las colecciones que sólo se producen en Paris y por unos pocos diseñadores y casas de moda que son aceptadas, otras invitadas, por la Fédération de la haute couture et de la mode.  Pero, ¿qué significa hoy Haute Couture? Tiene reglas, cantidad de horas y se cuentan las manos y técnicas de los vestidos que luego van a comprar sólo 4000 clientas alrededor del mundo.


Iris van Herpen presentó 'Hypnosis', una colección trabajada en colaboración con los artistas Anthony Howe y Philip Beesley. La diseñadora mostró una colección con 20 pasadas, menos de las aceptadas por la Cámara de la Moda, que la invitó a presentar en las colecciones Couture en 2011. Desde entonces, Iris van Herpen refresca la idea de Alta Costura: ella investiga materiales y técnicas para construir cada diseño, aunque su interés está en el proceso, dice. La rutina de trabajo comienza con los sketches que dibuja a mano y luego los define en la computadora. Su equipo está integrado por arquitectos, ingenieros, científicos y también por los artesanos de la Maison Lesage, Maison Lemarié y el atelier de Gérard Lognon, gestos que están por fuera de los parámetros tradicionales de lo que se conoce como alta costura.


Hipnosis tomó a la naturaleza y la interconexión con sus sistemas como tema, que la diseñadora trabajó junto al escultor cinético Anthony Howe: cada vestido parecía impulsado por el viento. La escultura que dio el marco a esta performance estuvo a cargo del artista interdisciplinario Philip Beesley, con quien Iris van Herpen realizó la mayoría de sus instalaciones para las pasarelas y los museos.

Imágenes: Gentileza Iris van Herper

Un perchero federal en Buenos Aires


"Pensamos que es interesante sacar el diseño afuera de las sedes de MICA y en Tienda Ina Ini está bien representada toda la indumentaria de gran parte del país a través del perchero federal", presenta German Lang, responsable del Sector Diseño e Industrias Culturales del Ministerio de Cultura de la Nación, a propósito de la 5 edición del Mercado de Industrias Creativas Argentinas - MICA - el programa federal que se desarrolla entre el Centro Cultural de la Ciencia, el Centro Cultural Rojas y la Casa del Bicentenario y que funciona como plataforma de negocios y vínculos. El espacio off se levantó en Tienda Ina Ini, ubicada en la Galería Patio del Liceo y curada por Silvina Bolognini, donde están manifestadas las regiones de gran parte del país a través del #PercheroFederal.


Así fue como se presentó Ser(es) Sustentable(es), una instalación entorno al diseño consciente. "Se trata de proyectos que se dan alrededor del país y que buscan dar respuestas y alternativas para resolver esta temática internacional que tiene que ver con cómo somos sustentables y cómo podemos hacer proyectos que sean sostenibles en el tiempo", dice Celeste Nasimbera de Crónicas de Modaperiodista que junto a Lola Monteiro y Bianca Sifredi fueron las anfitrionas de la tarde helada y lluviosa en la galería de Avenida Santa Fe 2729.


Entre los proyectos que componen el Perchero Federal y cuelgan en la instalación en Tienda INA INI se encuentran Entretejidas, Mauro Pesoa, Garcia Bello Juliana, Thañí /Viene del monte, María Laura Cuella, Proyecto HABITO/HABITAT por Milagro Tejerina junto a estudiantes de la Tecnicatura Universitaria en Diseño de Indumentaria y Textil de la UNT y Graciela Perez de UNSJ (Innovart), Proyecto Afinidades textiles y vínculos territoriales a cargo de Moriana Abraham y estudiantes de Posgrado FAUD/UNC e Hilandería Warmi, Jujuy.
Trabajo con historias propias. Lo mío es conceptual y es la forma de tomar la decisión de replantearse las formas que existen, rehacer la ropa y aprovecharla."


Vestir saberes y oficios
"Actualmente, en Argentina hay 15 maestros mimbreros, entonces es mi responsabilidad aprender muchas de las técnicas e implementar todo lo que pueda en mi diseño", cuenta el Mauro Pesoa, el diseñador formoseño que proviene de una familia minbrera. La marca tiene varias unidades de negocio, como objetos, que fueron presentados en la feria Puro diseño, la línea de indumentaria, otra de calzado y accesorios que toman la artesanía de este material o lo resignifican. Otro de los proyectos que se presentaron fue el de la ropa reciclada de Juliana García Bello. La diseñadora oriunda de Tierra del Fuego dice que le interesa abordar la sustentabilidad con lo que ya existe y está en desuso. "Trabajo con historias propias. Lo mío es conceptual y es la forma de tomar la decisión de replantearse las formas que existen, rehacer la ropa y aprovecharla, más tomando en cuenta la situación económica que atraviesa el país. Muchas veces etas cosas surgen de las crisis", dice.


El indumento como portador de mensaje
Consciencia Entretejida resulta una cápsula compuesta por tres proyectos que utiliza algodón sin agrotóxico: Uno, Velasco y Atico de Lu. Ellas lograron un textil a partir de semillas no transgénicas que fueron cultivadas por comunidades originarias chaqueñas. El resultado es una colección de denuncia. Sus vestidos o remerones llevan un mensaje de algo que está sucediendo en un territorio: están contaminando la población.


Hasta aquí una mirada sobre un momento sucedido en Buenos Aires. En la ciudad es posible participar de la moda repensando los modelos existentes, replanteándose las cosas y buscar las formas para cambiarlas. En el local 45 del Patio del Liceo está la chance de hacerlo todos los días, todo el año.

Chequeá la programación de MICA 2019.

Postales de viajes: La muestra de fotos de Lenny Kravitz en São Paulo


São Paulo es una ciudad de 18 grados permanente. Un placer. El sol a veces se cuela por las copas de los arboles y la felicidad de mantener un look con mínimas variaciones de la mañana a la noche hacen la caminata agradable en una ciudad difícil de encasillar: para un porteño es imprescindible traducir a lo conocido. No es de corte europeo, pero tampoco impregna una estética latina, en las calles tampoco se ven los estilos que caracterizan a Brasil. Las personas no se visten de colores y tampoco con la marca personal de los diseños que distingue la pasarela SPFW: São Paulo tiene sus propios espacios que narran esta ciudad enorme, oscura, dura y distante.


De la vereda del sol está la Galería Leica. En la puerta posa un hombre estiloso y encantador por donde se lo mire. Parece Lenny Kravitz. Es Lenny Kravitz. La caminata por el barrio Higienópolis tiene esas sorpresas. La cosa es que este rockero capaz de mixturar funk, gospel, rhythm & blues en una misma noche expone en Leica Gallery. Se trata de "Flash", una muestra de fotos donde el músico pone el lente en aquellos que lo retratan alrededor del mundo. La mirada sobre los fans, los paparazzis, los fotógrafos que corretean tras su figura sobre el escenario y por las calles con celulares o cámaras profesionales. De ser el punto de referencia a fotografiar su propio ritual diario, pues la vida de una estrella de rock se vive frente a los ojos del mundo.


A FLASH la componen 50 fotografías en blanco y negro que toman la planta baja y el subsuelo de esta coqueta y moderna galería paulista que muestra cómo lo que antes era invasivo ahora puede ser naturalizado y terminar como tema de una muestra en un espacio de arte.

Una década de zapatos feos

La bota Armadillo de Alexander McQueen fue subastada en Londres por Kerry Taylor Auctions.
El diseño salió a remate por un valor estimado entre 12.000 y 25.000 dólares aunque fue adquirido por casi 95.000 dólares. Diez años atrás, Alexander McQueen las presentó en la colección Primavera / Verano 2010 de Paris la que sería su última creación.

Plato's Atlantis contó con 45 pasadas donde se destacó el pavoneo de las modelos: ninguna pudo caminar sin mediar la doblada de pie.

Armadillo Boots de Alexander McQueen Spring 2010

La explicación fue la plataforma Armadillo, una especie de garra de 30 cm de alto con escamas realizadas en cuero, madera y lentejuellas brillantes que imposibilitaba a las modelos dar un paso. En el desfile también se realizó el estreno mundial de "Bad Romance", el hitazo de Lady Gaga cerró el desfile de McQueen. De ahí que la reina del camp usara el modelo en su vida cotidiana y regalara las postales de sentadillas de cola cuando intentaba caminar.

Plato's Atlantis, la última colección creada por Alexander McQueen

A primera vista, los zapatos eran feos, imposibles, no había empatía entre un pie femenino y la mente detrás del desarrollo. Cuando murió Alexander McQueen en febrero 2010 se puso en marcha la retrospectiva "Alexander McQueen: Savage Beauty" para la exposición de primavera 2011 del Metropolitan Museum. Allí, en el museo newyorkino posaba como una obra de arte el zapato en cuestión. Al tenerlo enfrente, de tan feo parecía hermoso el diseño, colmado de una sutileza horrenda que permitía otra interpretación.


Es posible hacer un recorrido por lo zapatos que fueron hit esta última década, todos de dudoso gusto: inicia el Armadillo de Alexander McQueen, siguen las sneakers con plataforma que Isabel Marant presentó en el Otoño 2013, el furor iniciático de las Birkenstock en la moda callejera de las gemelas Olsen (cuando internet hacía un manifiesto con los looks del día de todas las celebridades), las Crocs fueron y vinieron hasta que las tomó Balenciaga para la Primavera 2018 y las convirtió en un bestseller. Así de horrendo como se veían agotaron en la pre venta.

Isabel Marant Otoño Invierno 2013

Un camino similar tuvieron las zapatillas: no son tendencia, no son novedad sino una moda pero bajadas a una nueva lectura acorde a esta época que no resigna la comodidad.

Chanel Couture Spring 2014

En las colecciones Couture Spring 2014, Dior y Chanel coincidieron con los modelos alta costura y legitimaron las sneakers. Modelos confeccionados a mano que terminaron por salvar las ventas y que, por primera vez, una maison clásica como Dior ostentaba una línea deportiva. Chanel las mixturó con los bolsos y labiales. La moda en alza. Hasta que en 2017, cuando todas las casas de lujo y marcas masivas tenían su modelo de zapatillas, aparecen las Triple S que Demna Gvasalia propuso para Balenciaga.

Las Triple S de Balenciaga

Feas, armatoste, las zapatillas de papá, textos y más textos que buscaban respuesta al por qué las personas hoy se visten mal y feo. Qué pasó con el arreglo personal y más interrogantes que se disuelven ante las ventas del calzado que Balenciaga generó al mezclar tres modelos de zapatillas viejas. Así transcurre la primera década de zapatos feos. ¿Continuará?

La versatilidad como valor de marca | Entrevista a Caro Sosa

Por Gaby Ratner

Luego del Six O’ Clock Tea, que se realizó el pasado 27 de mayo en La Rural, conversamos con la Diseñadora y Artista Plástica Caro Sosa quien presentó en ocho pasadas su colección cápsula Pampa, inspirada en las gauchas románticas. En una charla sin tapujos, Caro indaga sobre el espacio del diseño de autor en nuestro país, las nuevas reglas del mercado y repasa esta puesta en pasarela que abre a nuevas búsquedas dentro del diseño.


En tiempos complicados para la industria textil, la diseñadora afirma con total honestidad que le está yendo muy bien a pesar de la crisis. Podría hacerse conjeturas e intentar descifrar la clave de algo que hoy hasta puede resultar bastante atípico. Sin embargo Caro Sosa lo cuenta con claridad, en un lenguaje simple, así es ella. Sus respuestas son una llave tal vez para evaluar nuevas estrategias de comercialización y por lo tanto nuevas formas de rodear el mercado en vez de insistir en formulas fallidas.


No está ajena en lo absoluto a la cantidad de diseñadores que no están pudiendo sortear esta crisis, es más, hace años que manifiesta su postura sobre el escaso apoyo que reciben los diseñadores en el país y pone el tema sobre la mesa. Caro Sosa va tejiendo una carrera que nada tiene que ver con “llegar a un punto de”sino con la construcción continua de tramas que van de la mano del esfuerzo, la capacidad de trabajo, la apertura y el amor por esta profesión.


¿Cómo es tu esquema general de trabajo? 
Hago cinco colecciones al año, dos grandes para invierno y verano, dos ediciones cápsula y una de alto verano. Soy una loca del producto. Para hacer diseño de autor hago mucho producto, trabajo como si fuese una marca grande y eso lo desarrollé cuando trabajaba para las marcas. Puntualmente para el Six O’ Clock Tea -del que participo hace 8 años-, siempre hago una mini colección, un subproducto que pueda en ocho pasadas representar lo que es Caro Sosa; y si bien tiene el marco y los lineamientos de la colección matriz, intento desafiarme y mostrar lo más complejo.


¿Cuáles son las características de esta cápsula de alto invierno? 
La colección Pampa está llena de matices, de colores, tramas, relieves y dibujos. La colección explota la tendencia de los tejidos hechos a mano oversized, entre otras molderías. Hay juegos con siluetas inclusivas: maxi sweaters, maxi bufandas, sacones envolventes; todo en materiales nobles como la lana merino, el mohair y la seda. Esas piezas las combino con prendas muy clásicas mías, como las polleras tableadas midi, que son características en mis colecciones. Estas nuevas morfologías son procesos de cambio. Yo miro mucho la calle, me inspira. En ese observar, la inclusión en mis piezas es la clave. Inspirada en nuestra tierra.

'Pampa’ tiene sutiles formas criollas y gauchescas sin perder la feminidad que caracteriza a mi marca, estas gauchas románticas transforman lo tradicional en algo nuevo."
Hace 21 años que te dedicas al diseño de autor ¿Cómo adaptas tu modelo de negocio en tiempos de crisis? 
Las reglas del mercado cambiaron, por lo tanto hay que ser versátil, repensar las formas en que vamos a planificar una temporada y la siguiente cuando lo que rige es la inestabilidad. Con la crisis, en esta oportunidad, lo que me sucede es algo muy atípico, ¡no doy abasto! Capitalizo muchísimo las redes sociales, trabajo con influencers y para mí fue un hallazgo poder llegar de esta forma a todo el país, vender en las diferentes provincias y que mi producto sea tan bien recibido. Esta estrategia de descentralizar sin duda es gracias a las redes, pero no solo podemos quedarnos en esa instancia; yo tengo un mínimo de compra muy bajo y condiciones flexibles, lo cual permite que con 12 prendas surtidas, cualquier local pueda tener una mini colección de tejidos artesanales.


¿Tuviste que adaptar la forma de trabajar con los talleres
 Durante años exporté a Australia, Finlandia, New York, Madrid, Barcelona, lugares muy exigentes con las entregas, entonces durante periodos de crisis traté de mantener gente para confeccionar, personas de mucha confianza que saben interpretar a la perfección mis ideas y suman toda su experiencia, ya que trabajo con excelentes profesionales del oficio. Mi producto lleva muchísimo trabajo, hay muchas cosas hechas a dos agujas que requieren tiempos de confección diferentes, pero siempre estoy en la búsqueda de talleres para brindar empleo y lograr estándares de calidad. Hoy por hoy no damos abasto a responder a la demanda y es un privilegio vivir de lo que amo y trabajar con equipos profesionales, pero nuestro país necesita crear medidas que apoyen al diseño de autor; desde capacitar e impulsar los oficios hasta tomar medidas desde lo impositivo que, para los emprendedores o diseñadores de autor, son un piso demasiado alto.


Nuevos proyectos
Estoy armando otra colección cápsula en conjunto con Mery Garavilla - influencer, diseñadora de indumentaria y creadora de Boutique Celebré- con quien armamos una línea de tejidos bordados y logramos conformar un gran equipo, donde yo estoy más abocada al manejo de los talleres y los tejidos y ella a los bordados y la difusión. Mery tiene 30 años y yo 47, ese mix me llena de energía y se genera la posibilidad de entrecruzar estéticas,  abrir un abanico creativo diferente. En agosto me estoy yendo a España, donde viví varios años y conozco muchos diseñadores, a Ibiza a vender la colección de verano.

Cobertura: Inspiramais, Salón de Diseño e Innovación de Latinoamérica


Inspiramais es el Salón de Diseño e Innovación de Latinoamérica, promovido por Assintecal (Asociación Brasileña de Empresas de Componentes para Cuero, Calzado y Manufacturas), byBrasil (Proyecto Footwear Components by Brasil) y ApexBrasil (Agencia Brasileña de Promoción de Exportaciones e Inversiones).​

Dos días en el Jardim das Laranjeiras, en São Paulo,​ y con entrada libre y gratuita, Inspiramais es una feria donde se concentran y cruzan productos con la identidad de Brasil, desarrollos, conocimientos y creatividad que canalizan la relación entre su industria textil​ con los fabricantes del sector.


En el recorrido por Inspiramais se suceden productos e innovaciones necesarias para bajar al desarrollo de colecciones, muestra los proyectos y co-creaciones que hacen los diseñadores emergentes y los consagrados. Hay una búsqueda por soluciones, por ejemplo en materiales sustentables, necesarias para la industria. Esto se percibe a cada paso.

El diseñador Walter Rodrigues, coordinador del Centro de Diseño Assintecal, ofreció una guía para conocer la metodología de trabajo, un sistema de pirámide que separa las etapas de los proyectos entre el 10%, 30% y 60%.


La pirámide Inspiramais 
El 10% trata de innovación, de experimentar y ser creativo, aquello que hace a la identidad de una empresa. El 30% retoma el 10% y comienza el proceso de la bajada de las ideas a proyectos tangibles, buscando el perfil comercial. El 60% indaga en el mercado masivo: esta etapa es la que cierra el proceso y convierte a la idea en una realidad probada convertida en moda.


Inspiramais se desarrolla hace 10 años, dos veces al año, y toma al design como herramienta de innovación, busca ser un centro de información para las empresas de moda mientras la industria brasileña potencia su identidad y fortalezas que la identifican en el mundo. ZEN es el lema de la edición 2020 y no se vincula con el concepto de aquietarse sino que focaliza con la necesidad de estar presentes en el flujo de movimiento constante que motiva la moda.

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Bloc de Moda en São Paulo: ¡ZAPATOS! Adelanto de la moda Primavera / Verano 2020


Época de previews y ferias que adelantan las próximas temporadas. Esta semana aterricé en São Paulo para participar de Inspiramais, el Salón de Diseño e Innovación de América Latina y Francal, la feria internacional de la moda en calzado y accesorios que tiene lugar en Expo Center Norte del 3 al 5 de junio.


La feria Francal vincula la industria brasileña con los minoristas e importadores que llegan de distintas ciudades del mundo para comprar. Cada fabricante y marca de Brasil expone sus productos en los stands donde se presentan los modelos que abastecerán las vidrieras de la próxima temporada. Aquí, un repaso por algunas coincidencias que hacen a la tendencia de los zapatos primaverales:


En la paleta de colores se destaca el rojo - ¡está en todos los modelos! -, los metalizados, sobre todo en dorado, más verde, celeste y dorados que colorean los modelos.

Las sandalias de tiritas son un hit, casi en el mismo nivel que las chatitas. Las reinas de la temporada son las ojotas bordadas con piedras, algunas perlas o decoradas con moños y nudos.


Las alpargatas se lucen y se corren totalmente del aspecto rústico. Los mules forrados en lino y con rayas o estampas de flores. Sandalias vestidas en denim y si, hay plataformas. También zapatillas combinadas con animal print. Muchos de estos diseños son bellísimos, sea por la terminación, los materiales y las combinaciones o por la belleza del zapato logrado. El mercado masivo se presenta y estas son algunas de las marcas que logran diferenciarse con su producto terminado: Vicenza, Ferruci, La Femme - marca especializada en flats -  y A3 Espadrilles y Suzani Bissoli.


¡Atentos! La cobertura por São Paulo continuará en Inspiramais, el Salón de Diseño e Innovación de América Latina, promovido por Assintecal (Asociación Brasileña de Empresas de Componentes para Cuero, Calzado y Manufacturas).

Un historia: El upcycling, las zapatillas Triple S y el valor de Balenciaga

Demna Gvasalia dice que no tuvo la intención de cuestionar qué es un producto de lujo. Esto fue cuando lanzó las bolsas XXL rayadas, las que aparecen como 'it bag' en las compras mayoristas de Avenida Avellaneda o Liniers, mientras el público quedó impactado por un repertorio de botas (las overknee boots) inspiradas en la ropa deportiva de los 80' y coloreadas en tonos vibrantes que coparon la pasada en el desfile de Balenciaga.


El buen gusto estaba en discusión cuando aparecieron las Triple S, las zapatillas que a esa altura, año 2017, todas las maisons tenían su versión. Los iniciadores fueron Chanel y Dior en las colecciones Couture Invierno 2014. Pero la revolución la hizo este diseñador egresado de la Academia de Amberes y ex-asistente de Martin Margiela.

La charla fluyó muy bien. Todos usamos zapatillas, esta es la época de la comodidad y el vestuario lo refleja. ¿Por qué no celebrar el nuevo rol de las sneakers? Pero aparecieron las 'zapatillas de papá', un armatoste impensable como producto de moda.

Gvasalia dice que Balenciaga se trata de siluetas fuertes, por eso el modelo contundente, y esta es su historia: se llaman Triple S porque para el diseño tomaron 3 modelos de zapatillas - viejas - de deporte. El upcycling generó uno de las piezas más vendidas (cuestan entre 725 y 795 euros), tremendamente feas y más deseadas de esta última década.

imágenes: Balenciaga