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Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital focalizado en la cultura moda, en movimiento desde 2006. En estas páginas se observa y se escribe la moda como fenómeno social que refleja la época. Periodismo de calidad en notas de moda, belleza y estilo: Registro de historias plasmadas en un reportaje online. ¡Bienvenidos!

Diseño de autor sobre la pasarela de Bafweek: Mauro Pesoa


Por David Gimenez | Productor de Moda

Mauro Pesoa llevó a la edición Primavera / Verano 2020 de BAFWEEK los saberes del mimbre, el oficio familiar que el diseñador formoseño adaptó a su lenguaje y códigos de consumo.

Mauro Pesoa resultó seleccionado, junto a Carla Andrea Escalera, para participar de la quinta edición de Autores de Moda BA, la pasarela que promueve la Dirección General de Industrias Creativas del GCBA.

Aquí una mirada sobre "Oficio Ancestral", la colección que presentó en Baf:

Siluetas sastreras en materias primas sustentables con accesorios confeccionados en mimbre resignifican el concepto de lujo. El valor artesanal llega desde la herencia familiar y es combinado con indumentos de líneas simples, sin resignar diseño.

La paleta depurada de tonos claros estuvo custodiada por máscaras que parecían guardar un secreto digno de esperar, cómo sucede en el oficio de la mimbrería el resultado hace que la espera valga la pena. Accesorios de este noble material son devenidos en fajas, apliques en pantalones y chaquetas, carteras, pulseras y hasta un cesto que daba la impresión de nido, que fue el encargado de dejar caer las máscaras para develar la identidad iniciada en Formosa.

Conjuntos de dos piezas, faldas anudadas a lo costados con largos modulares a las rodillas, chaquetas inspiradas en un atardecer de verano mientras la brisa acaricia nuestro rostro.


El semillero de la universidad pública: Chiripá Chimá

Bafweek inicia la temporada de presentaciones de las colecciones Primavera / Verano 2019 - 2020. El tramo comienza el 13 de agosto en el CEC (Figueroa Alcorta y Avenida Pueyrredón) y con entrada libre y gratuita hasta el viernes 16. Aquí van a presentar colecciones Daels, Vanesa Krongold, Mila Kartei, Bestia, Mishka, Raimondi, Ay Not Dead, Ginebra, Mishka, Kosiuko y Blackmamba. Carla Andrea y Mauro Pesoa desfilan por Autores BA. La posta continúa en Designers BA, del 27 de agosto al 4 de septiembre, con una grilla compuesta por JT, Nous, Fabián Zitta, Ramírez, Benito Fernández, Santiago Artemis, Laurencio Adot, Mariana Dappiano, Kostume y Tramando. 

BA Semana de la Moda atraviesa estas pasarelas e incluye la de BAAM (Argentina Fashion Week). Se trata de la plataforma del Gobierno de la Ciudad que busca la interacción entre los actores de la moda. Inicia con la 4ta. Bienal Nacional de Diseño de la FADU y continúa hasta el 31 de agosto con diversas actividades, como pasarelas, charlas y capacitaciones, en diferentes sedes. 

El puntapié en Bafweek, en el Centro de Convenciones Buenos Aires, lo da Semillero UBA, la pasarela de la universidad pública que este año presenta el proyecto Chiripá Chimá integrado por las diseñadoras Laura Moschioni y Denise Afonso, de la Cátedra Saltzman.  ¡Conocelas!


Chiripá Chimá: Es la hibridación, la fusión, el contacto, la unión de dos culturas. Una ajena (hanbok- Corea) y una propia (gaucho- Argentina). Nuestro interés por las tipologías y prendas asiáticas creció durante la carrera, sus detalles constructivos, el ritual y los recursos utilizados eran de un gran interés para nosotras. Al momento de investigar estas tipologías y formas de construir de la vestimenta asiática nos dimos cuenta que en realidad no era tan ajena o lejana a nosotras, que tenían puntos en común, observamos que había muchas similitudes entre la vestimenta del gaucho y la ropa tradicional coreana. Nos asombraba cómo dos culturas tan diferentes generaban ciertos recursos constructivos y tipologías complementarias. A partir de ahí empezamos a jugar con esos recursos y logramos una fusión de ellos o una reinterpretación del mismo.


We are Chiripá Chimá: Buscamos recuperar a la vestimenta como ritual, tomando elementos de ambas culturas y proponemos reflexionar sobre el acto de vestir en la industria.

A partir del análisis de construcción planteamos diseñar prendas que sean fáciles de construir, ya sea: uniendo planos, utilizando orillos como ruedo; otorgándoles versatilidad y la posibilidad de modificarse para adaptarse a cada ambiente.


Proyecto: Nuestro objetivo es resignificar las prendas tradicionales del hanbok y la vestimenta del gaucho tomando morfologías, recursos, texturas y construcción de ambos universos.
Chiripa (poncho del gaucho colocado como una sobreprenda inferior) Chima ( falda en Coreano) es la fusión de estas dos culturas."

¿Quiénes diseñan? Chiripá Chimá es la unión de dos amigas, compañeras y colegas Laura Moschioni y Denise Afonso. Nos conocimos durante la facultad, y creemos que la moldería nos ha unido. Comenzamos a cursar materias juntas y nos fuimos acompañando durante toda la carrera haciendo trabajos juntas. Somos diferentes pero a la vez nos conocemos tanto que la forma de trabajar de cada una, es única. Por esa razón decidimos hacer nuestro último trabajo de facultad juntas, donde no solamente unimos gustos sino también las formas de trabajar y nos asombramos del resultado.

Chiripá Chimá es un cierre, un gracias y un nuevo comienzo para esta nueva etapa fuera de la facultad.


La colección que presentan en Semillero UBA en Bafweek: No van a encontrar un gaucho estereotipado ni tampoco una vestimenta tradicional coreana. Logramos una fusión y un nuevo lenguaje que se ha convertido en nuestra propia interpretación, nuestro propio lenguaje, nuestra propia fusión. Gasas, rasos, aire, anudados, colores de la pampa (verde, amarillo y marrones) y guardas son algunas palabras que resonarán durante la colección.


Redes Sociales: Instagram

Mood board:


Imágenes: Chiripá Chimá

Mujeres vestidas por mujeres: Luz Ballestero usa denim


La moda se convirtió en una sinergia de colaboraciones; ya no es posible crear y gestionar en soledad. Un ejército se pone en marcha para mantener la novedad y la identidad entre las partes involucradas.

Luz Ballestero se presentó en sociedad para el verano de 2011 con su aspecto sport, despojado y cómodo que vibró en la libertad de movimiento. Estas premisas, sumado a la inquietud de la diseñadora de dar con una moldería que pudiera adaptarse a distintas siluetas, la conectaron al espíritu estético de la moda de hoy. Santista lleva más de 90 años en el mercado, ofreciendo desarrollos textiles en denim y gabardina.


Pleno clima de temporada invernal, Luz Ballestero ofrece una colección cápsula junto a Santista. Se trata de dos piezas en denim en dos tonos del índigo.
Santista by LB cuenta con dos básicos jeaneros: una camisa y un jean.


Con fibra Lycra y tecnología TriBlend, el pantalón utiliza el tejido Stamina de Santista que apunta a la elasticidad y el buen calce. Para la camisa, Luz Ballestero usa un denim ligero para trabajar con el volumen, su especialidad, y caídas de aspecto refinados que identifican a sus prendas urbanas.


Luz Ballestero avanza con sus diseños que resultan fáciles de usar y ponibles. Cada temporada, la diseñadora presenta colecciones que construyen nuevas piezas que componen los básicos de todo guardarropa. Ahora llegó el jean de la mano de Santista. La historia continuará en la Primavera / Verano 2020. Una calza biker se asoma como próxima propuesta.

Festival de Woodstock: El aporte del flower power a la moda

En agosto de 1969, medio millón de personas se reunieron en Bethel, un pueblo del condado de Sullivan, ubicado a dos horas de la isla de Manhattan, para celebrar el Festival de Woodstock. Pasaron 50 años de aquellos tres días donde del espíritu hippie inmortalizó la esencia de esta contracultura pacifista que definió a una generación.

La moda se valió de muchos de los recursos indumentarios del movimiento hippie para lanzar tendencias y agilizar las temporadas. Apeló también a sus rockeros y los tomó como referentes: desde Janis Joplin a Jimi Hendrix, la nueva actitud de la moda de la década del 60 tuvo a la juventud y sus estéticas como sustancia.


Hoy día es posible caminar por Haight Street, en San Francisco, y dar con diversas tiendas que a modo de souvenir comercializan piezas del repertorio hippon.

Pero una semilla más profunda hizo raíz en esta estética que terminó por componer un estilo. Sathya, la etiqueta argentina fundada por Mónica Socolovsky en 1985, es un ejemplo de esto.


Mónica Socolovsky dividió sus días en los años 60 y 70 entre New York y Londres. Comenzó a trabajar como buyer en Bloomingdale's. A su cargo estuvo la búsqueda de los jóvenes diseñadores de Londres para encargarles luego colecciones que se venderían en su corner de la tienda departamental en New York. Así se vinculó con Barbara Hulanicki, la mujer detrás de la icónica tienda Biba, ubicada en Kensington High Street.


De Barbara y el espíritu de Biba surge la inspiración y ganas de Mónica por lanzar su propia marca de ropa. Allí mezcló su gusto personal - y días hippies como asistente a Woodstock - con su oficio de compradora. El flower power, los bordados, el patchwork, las puntillas, las alforzas, el tie dye y el batik la distinguen, dice. Cada colección de Sathya cuenta con estos detalles.

La trascendencia del movimiento volcada a tiempo presente. Aquí algunos looks de la temporada Otoño / Invierno 2019 de Sathya:


¡Suban el volumen!

Qué son los esmaltes 9 Free

Natura presentó su propio festival, un lugar de encuentro que reunió distintos aspectos de la marca brasilera para potenciar su identidad, que en los últimos años instaló el respeto por la diversidad, la inclusión y la sustentabilidad como modo. La cita fue en la Rural: allí, el festival.más incluyó shows, charlas y experiencias en cuyos recorridos fue posible conocer los próximos lanzamientos de Natura. Y la noticia es que llegan los esmaltes.

Hace tiempo que Natura Cosméticos busca sumar a los esmaltes en sus catálogos. La premisa de buena calidad  y que no fueran perjudicial para la salud y el medio ambiente demoró esta salida que finalmente encontró fecha de presentación: 2019.


En la preview se presentaron los esmaltes 9 Free de Natura que van a salir a la venta en 12 tonos. También incluye una base fortalecedora para las uñas y un brillo para sellar el esmaltado.

¿Qué quiere decir 9 Free? Que el producto no tiene alcanfor, xilol, etil tosilamida, ftalatos, parabenos, fosfato de trifenilo, formaldehído, tolueno y resinas de formaldehído. Todos productos tóxicos que hacen que el esmalte dure más y se seque más rápido, por ejemplo.

El eterno retorno a la Space Age


Cuando en marzo de 2017 Karl Lagerfeld puso un cohete espacial a punto de despegar en el medio del Grand Palais aportó, una vez más, una visión del futuro. La del escape parecía una metáfora de la moda. Las ropas ya no cambian mucho entre temporadas, mirar una colección de este año no es muy distinta a la del año pasado.

Nos la pasamos anticipando escenarios. Mostrar una visión del futuro ahora y crear una imagen perdurable es difícil, porque ya fuimos y vinimos de ahí varias veces.

Pero la colección Otoño / Invierno 2017 de Chanel inyectó fantasía.


En los años 60, André Courrèges se convirtió en el diseñador más copiado del planeta (tierra). Formó parte de la camada integrada por Pierre Cardin, Paco Rabanne y Rudi Gernreich, quienes ofrecieron diseños de aspecto futurista en una década permisiva y colmada de nuevos estilos.

Materiales como el plástico y el vinilo, las gafas que emulaban la de los astronautas, las botas a go-go - con las que se daría el pequeño paso para el hombre, chaquetas de cuellos redondeados, pantalones y minifaldas fueron parte del repertorio de estos visionarios.

El tema, como los usuarios, se renueva y desde entonces la moda espacial se reinterpreta. Jacquemus con sus siluetas esféricas, Jean Paul Gaultier - discípulo de Pierre Cardin -, Junya Watanabe, Rick Owens, Virgil Abloh para la línea de hombres de Louis Vuitton y Nicolas Ghesquière para la de mujer, también mostraron su interés por la estética y el tema. Cada cual según su identidad.


Hoy es el aniversario número 50 del aterrizaje lunar del Apolo 11. Hoy, también es la inauguración en el Museo de Brooklyn de "Pierre Cardin, Future Fashion", la retrospectiva del visionario modisto de 97 años que siempre tuvo al futuro como fuente de inspiración.

"En 2069, las mujeres usarán ropa de tubo y tubo de plexiglás. Los hombres llevarán pantalones elípticos y túnicas cinéticas", le dijo el diseñador a Matthew Yokobosky, el curador de Moda y Material Culture del museo donde comenzó a celebrarse su legado. También le anticipó que todos caminaremos en la luna o Marte con sus diseños. Estemos atentos.


En 2069, las mujeres usarán ropa de tubo y tubo de plexiglás. Los hombres llevarán pantalones elípticos y túnicas cinéticas."
* Lectura que te puede interesar: Jean Paul Gaultier en Buenos Aires.


* Lectura que te puede interesar: El legado de Paco Rabanne de paso por Buenos Aires

Indio Solari tiene estilo, aquí un retrato

El Hipódromo de Tandil está a oscuras, de fondo se escucha una arenga permanente que no calmará en las próximas dos horas. Indio Solari quiere hablar. "Quiero decirles algo que tengo la necesidad de decirles", repite. Es marzo de 2016, al artista descomunal se le quiebra la voz, quiere contar que Mr. Parkinson le anda pisando los talones... Tiene una chaqueta verde militar y un buzo con capucha con rayas blancas y negras que caen sobre un pantalón también holgado. Un look cotidiano sin pretensión.


Cuando Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, la banda que lo acompaña desde 2004, comenzaron con los primeros acordes de 'Nuestro amo juega al esclavo’, las luces se prendieron y el Indio apareció, puño en alto, con una campera bomber negra acolchada y una camisa de jean entallada, otro ensamble funcional pero esta vez colmado de actitud. Es un rockstar, el mayor fenómeno de Argentina.


Carlos Alberto Solari tiene 70 años, se convirtió en mito viviente siendo el cuerpo y la cara del movimiento que formó junto a Carmen ‘Poli’ Castro y Skay Beilinson, su co-equiper compositivo en la banda, el corazón de Patricio Rey aseguran los cánticos de los fans, 18 años después de la disolución de esta gran manifestación de la cultura popular. El talento de Solari mantuvo la identidad en el hacer, no en el aparentar. Se viste práctico, con los lentes y el gorrito deportivo como accesorios fundamentales de su facha. En los pies siempre calza el modelo Uriarte de la marca 28 Sport, él le dice los zapatos de 'yosapa".


Vestirse es un acto cotidiano. Los varones del rock argentino suelen ser escrutados por cómo suenan y no por cómo se ven, aunque ensalcen una personalidad estética marcada, pues para la patria rockera, prestarle atención al vestuario es pura frivolidad.

Mirar a Solari a través de una lente esteta permite analizar su apariencia, no como una forma de imponer modas pero sí para descubrir signos de una identidad que desarrolló a través de las décadas.  El uso de los lentes de sol y el gorrito negro son su marca personal. Se sumaron las camisas y el repertorio de camperas que el Indio estrenó cada vez que se subió al escenario. El desarrollo de esa evolución explica entonces las particularidades de su aspecto actual, que es moderno y refinado. Algunos elementos del vestir se convierten en símbolos, son una expresión y representación que vibran en el inconsciente colectivo.


De su etapa psicodélica de los 60' no hay registros. La precuela de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, en los 70’, tiene a Solari haciendo artesanías y dibujos que vendía en las ferias de La Plata y en la emblemática Galería del Este. Luego comenzó a trabajar en ‘El Mercurio’, la estampería que Guillermo Beilinson, hermano de Skay, tenía en City Bell. Allí copiaban las estampas de las primeras prendas que llegaban de la India e imprimían metros de tela hindú para cortar vestidos, remeras y pañuelos. Más que hippie, él fue psicodélico, escribió en ‘Recuerdos que mienten un poco’, el libro autobiográfico que publicó junto al escritor Marcelo Figueras.


Cuando Los Redondos hacen escala en Buenos Aires, el Indio comenzó a vestirse como un oficinista. Camisas adentro de pantalones sastreros, una calva a medio afeitar, bigote, lo más parecido a un vecino que lo esperado para un artista. Todo ese bombardeo de novedad de la cultura de los 60' quedó entre paréntesis hasta los 90’, la década donde Los Redondos se convierten en una banda de estadio. Mientras tanto, los 80’ transcurrían con Luca Prodan, frontman de Sumo, sentando las bases del uniforme rockero para la década siguiente: jean, remera y zapatillas.


Pelado, el Indio usó remeras, camisas a cuadros y de estampas psicodélicas. Algunas de estas piezas quedaron exhibidas en la muestra que en 2015 lo tuvo como protagonista en la Biblioteca Nacional, como la remera de la geisha con la que Solari cantó ‘Jijiji’ en Huracán del 94'. Pero no fueron las únicas prendas que guardó de otra época. En 2014, en el show que dio en Mendoza, volvió a desempolvar el jean de parche con rombos y cabeza de ganado que en los 90' usó para presentar 'Lobo suelto - Cordero Atado’ en Huracán y Entre Ríos y más tarde para tocar en vivo ‘Luzbelito’ en Go! de Mar del Plata.


5 discos solistas después, el artista más convocante del rock argentino mantiene el uniforme de la funcionalidad, aportando también una lección de estilo en este culto pagano que resulta el rock.

Una versión de esta nota fue publicada en la edición de marzo de Revista Brando. 

Un historia: El upcycling, las zapatillas Triple S y el valor de Balenciaga

Demna Gvasalia dice que no tuvo la intención de cuestionar qué es un producto de lujo. Esto fue cuando lanzó las bolsas XXL rayadas, las que aparecen como 'it bag' en las compras mayoristas de Avenida Avellaneda o Liniers, mientras el público quedó impactado por un repertorio de botas (las overknee boots) inspiradas en la ropa deportiva de los 80' y coloreadas en tonos vibrantes que coparon la pasada en el desfile de Balenciaga.


El buen gusto estaba en discusión cuando aparecieron las Triple S, las zapatillas que a esa altura, año 2017, todas las maisons tenían su versión. Los iniciadores fueron Chanel y Dior en las colecciones Couture Invierno 2014. Pero la revolución la hizo este diseñador egresado de la Academia de Amberes y ex-asistente de Martin Margiela.

La charla fluyó muy bien. Todos usamos zapatillas, esta es la época de la comodidad y el vestuario lo refleja. ¿Por qué no celebrar el nuevo rol de las sneakers? Pero aparecieron las 'zapatillas de papá', un armatoste impensable como producto de moda.

Gvasalia dice que Balenciaga se trata de siluetas fuertes, por eso el modelo contundente, y esta es su historia: se llaman Triple S porque para el diseño tomaron 3 modelos de zapatillas - viejas - de deporte. El upcycling generó uno de las piezas más vendidas (cuestan entre 725 y 795 euros), tremendamente feas y más deseadas de esta última década.

imágenes: Balenciaga

La evolución de la Alta Costura

La Alta Costura refleja los nuevos tiempos, su nomenclatura está legalmente protegida y controlada por el Ministerio de la Industria francés. Se trata de las colecciones que sólo se producen en Paris y por unos pocos diseñadores y casas de moda que son aceptadas, otras invitadas, por la Fédération de la haute couture et de la mode.  Pero, ¿qué significa hoy Haute Couture? Tiene reglas, cantidad de horas y se cuentan las manos y técnicas de los vestidos que luego van a comprar sólo 4000 clientas alrededor del mundo.


Iris van Herpen presentó 'Hypnosis', una colección trabajada en colaboración con los artistas Anthony Howe y Philip Beesley. La diseñadora mostró una colección con 20 pasadas, menos de las aceptadas por la Cámara de la Moda, que la invitó a presentar en las colecciones Couture en 2011. Desde entonces, Iris van Herpen refresca la idea de Alta Costura: ella investiga materiales y técnicas para construir cada diseño, aunque su interés está en el proceso, dice. La rutina de trabajo comienza con los sketches que dibuja a mano y luego los define en la computadora. Su equipo está integrado por arquitectos, ingenieros, científicos y también por los artesanos de la Maison Lesage, Maison Lemarié y el atelier de Gérard Lognon, gestos que están por fuera de los parámetros tradicionales de lo que se conoce como alta costura.


Hipnosis tomó a la naturaleza y la interconexión con sus sistemas como tema, que la diseñadora trabajó junto al escultor cinético Anthony Howe: cada vestido parecía impulsado por el viento. La escultura que dio el marco a esta performance estuvo a cargo del artista interdisciplinario Philip Beesley, con quien Iris van Herpen realizó la mayoría de sus instalaciones para las pasarelas y los museos.

Imágenes: Gentileza Iris van Herper