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Mujeres Vestidas por Mujeres

Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital fundado en 2006 que promueve prácticas y temas de manera pionera en latinoamérica. Coberturas, crónicas, entrevistas y reseñas que ponen en contexto a la moda en la cultura y su impacto en la sociedad.¡Bienvenidos!
La Moda en el Museo
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Identidad en construcción: Las miradas que proyectan el vestir contemporáneo en Argentina se exhiben en una sala cultural

 

En el sexto piso de lo que fue el CCK está montada la muestra Construir Moda, del siglo XIX a la actualidad, pensada y realizada por el equipo del MNHT. En la sala 605, el acervo de la Colección Histórica del Traje Argentino examina el pasado a través de los desarrollos y procesos creativos impulsados por las innovaciones tecnológicas de los últimos dos siglos. La exhibición de estas piezas en este espacio se da luego del Decreto 862/2024, que eliminó la independencia operativa de la institución original y trasladó su patrimonio al Museo Histórico Nacional. 

La propuesta suma otra dimensión en la sala 604. Ahí es donde la moda contemporánea de nuestro país se encuentra en un diálogo que refleja la diversidad de miradas de los diseñadores locales para pensar el vestir contemporáneo. El eje está puesto en la expresión individual conectada con las tensiones de la sociedad. 


El sábado pasado, las tres generaciones de diseñadores que forman parte de la muestra se sentaron a charlar y reflexionar sobre sus proyectos. Min Agostini estuvo por la década de 2000. Vanesa Krongold y Luz Ballestero representaron a la camada de 2010 y la urgencia post-2020 quedó en manos de Luján Haeder de Haeder y Gonzalo Andrade de Gone. Con su presencia, transformaron una sala institucional en un espacio vivo. Lo valioso de este encuentro es la total ausencia de distancia histórica. 

Analizar la moda en Argentina en tiempo real, interactuar con los creadores mientras abren sus procesos y muestran cómo piensan sus prendas en el aquí y ahora, con sus dudas y tensiones, es un ejercicio de registro de la actualidad. Es una lectura directa de nuestro presente, sin filtros documentales ni nostalgia, que tiene un valor cultural enorme. 

Construir Moda, del siglo XIX a la actualidad se puede visitar hasta el mes de septiembre en el Palacio Libertad (sarmiento 151). En la cuenta de Instagram de los trabajadores del museo pueden chequear el cronograma de visitas guiadas y las charlas que se arman alrededor de la muestra. O visitarla de miércoles a domingos de 14 a 20h. La entrada es libre y gratuita.

MET Gala 2026: La solvencia estratégica detrás de la exhibición Costume Art



Una vez, Jorge Luis Borges le planteó a Antonio Carrizo, en una entrevista, cierta verdad que la moda convirtió en su propio motor: “Qué raro que más importantes que los hechos sean las vísperas”. La atención y tensión que genera la antesala a la gala del MET hace que el primer lunes de mayo acapare todas las miradas. 

La Gala del MET funciona como el prólogo de la exhibición de primavera de The Costume Institute, que este año se titula Costume Art y solicita Fashion is Art como dress code si fuiste invitado (a pagar 100.000 dólares la entrada). 



La MET Gala comenzó como un acontecimiento para recaudar fondos que garantizaba la preservación y conservación de la historia de la moda, en principio la de Estados Unidos. Además de financiar al Metropolitan Museum al destinar el 10 por ciento de lo recolectado en la gala. En la última década, este hito del calendario recaudó 166,5 millones de dólares. En 2025, la gala de Superfine: Tailoring Black Style obtuvo 31 millones de dólares. 

Desde 2016, el Instituto consolidó un fondo de dotación (endowment) —un vehículo de inversión diseñado para garantizar ingresos sostenibles y autonomía a largo plazo— que hoy capitaliza 106 millones de dólares, según informa Vanessa Friedman en The New York Times. Esto invitó al debate: hacia 2028/2030 The Costume Institute sería autosuficiente para mantener sus operaciones sin depender del museo y la gala en sí. 


¿Qué es la MET GALA? 

Eleanor Lambert es el nombre fundamental en la historia de la moda norteamericana, del mismo peso que Anna Wintour pero sin películas, documentales y portadas propias en Vogue. Lambert es la creadora de la Semana de la moda de New York, de la Lista internacional de los mejores vestidos, de los premios Coty y luego del CFDA. Eleanor realizó en 1948 un evento benéfico en el MET y lo llamó La fiesta del año. El vínculo entre la moda y el museo en Estados Unidos inició en 1937 con la apertura del Museum of Costume Art que más tarde, en 1946, se fusionó con el Museo Metropolitano de Arte como The Costume Institute. La deriva siguió con la editora Diana Vreeland como impulsora de este acontecimiento anual. Luego de ser despedida de Vogue, donde ocupaba el cargo de directora durante la década de 1960, Vreeland se concentró en que la moda ingresara en el museo. Con la inauguración de The World of Balenciaga en 1973, un año después de la muerte del modisto. Desde allí su evolución a lo que conocemos hoy como la muestra que inaugura el primer lunes de mayo con una gala.


La exhibición Costume Art abrirá sus puertas el 10 de mayo y permanecerá en sala y galerías hasta el 10 de enero de 2027. Andrew BoltonCurator in Charge del Costume Institute, define el guión de esta exposición como una reivindicación de la presencia física: “Mi intención es situar la centralidad del cuerpo vestido dentro del Museo, vinculando las representaciones artísticas con la moda como una forma de arte encarnada. El arte del vestuario privilegia la materialidad y esa conexión indivisible entre la figura humana y la prenda, evitando la tendencia de priorizar lo visual a expensas de lo corporal”.

Apuntes desde Milán: Algo sobre Giorgio Armani: Milano, per Amore, en la Pinacoteca di Brera

 


“Una exposición puede verse de dos maneras diferentes. Por un lado, está la satisfacción inmediata del ego del creador. Por otro, está el valor educativo, el testimonio único que se ofrece no solo al público a través de su obra, sino sobre todo a los jóvenes creativos: es una sensación perdurable y gratificante. Me interesa este segundo aspecto”, reflexiona Giorgio Armani en su libro autobiográfico “Per Amore”. 
 
La Pinacoteca di Brera, fundada en 1809, se une a los festejos por los cincuenta años de la fundación de la casa Armani y abre su espacio por primera vez a una exhibición de moda que es montada entre obras de arte italiano desde la Edad Media hasta el siglo XIX. 120 creaciones recorren el estilo de Giorgio Armani en Giorgio Armani: Milano, per Amore y podrán ser visitadas hasta enero de 2026. 


Brera es el barrio de los artistas. Giorgio Armani allí decidió vivir y trabajar. “Giorgio Armani encarna plenamente el carácter de Milán. Es también la expresión más emblemática de la cultura de Brera, un lugar único en el mundo donde el arte, la investigación y la innovación se han practicado durante quinientos años”, dice la nota de prensa. 
 
Giorgio Armani: Milano, per Amore reúne prendas expuestas en Armani/Silos y en los principales museos del mundo, aquí enriquecidas con los hallazgos de ARMANI/Archivio, el área de su fundación que preserva y promueve la visión del diseñador. 
 
 
Armani inauguró su etiqueta en 1974 y presentó la primera colección al año siguiente. Se inspiró en el cine italiano de mediados del siglo XX para ofrecer trajes confeccionados en telas livianas y flexibles, sin forro rígido. “Quería ... hacer que la chaqueta estuviera más en sintonía con su usuario. ¿Cómo? Eliminando la estructura y convirtiéndola en una especie de segunda piel”, dice Giorgio desde la pantalla del microcine de ARMANI/Silos. 
 
El estilo Armani, además de refinamiento y el colmo de la sofisticación generó la apariencia que redefinió el traje y dominó la moda durante las décadas de 1980 y 1990. Para generar innovaciones, había que tomar el traje pensado por Giorgio como disparador, pues todo era amplio, todo era Armani.


Giorgio Armani falleció justo antes del desfile que preparaba para celebrar los 50 años de su casa, realizado hoy. El espacio que usaba para saludar quedó vacío y recibió una ovación. 

El primer lunes de mayo: día de gala del MET y la exhibición de moda


El primer lunes de mayo es una documental, también la fecha iluminada en la agenda de la moda para dar inicio con la Gala del MET seguido por la exhibición de primavera que sintetice una tema ofrecido por la moda. Este año es Superfine: Sastrería de estilo negro.

Comenzó como un acontecimiento para recaudar fondos y hoy, básicamente, es el evento anual que garantiza la preservación y conservación de la historia de la moda. La cosa es así. Una figura fundamental en la legitimación de la industria de la moda es la publicista Eleaonor Lambert, también creadora de la Semana de la moda de New York. Lambert realizó en 1948 un evento benéfico en el MET y lo llamó "La fiesta del año". Previamente, el vínculo entre la moda y el museo en Estados Unidos inició en 1937 con la apertura del Museum of Costume Art que más tarde, en 1946, se fusionó con el Museo Metropolitano de Arte como The Costume Institute. En el devenir de las décadas luego fue el nombre de la editora de moda Diana el que le dio sustancia como acontecimiento anual ya que luego de perder su empleo como directora de Vogue, impulsó la importancia de la moda en la cultura, a pesar de las críticas que recibió por la inexactitud histórica y clichés frívolos, con su labora en el museo Metropolitano de New York. Comenzó con Cristobal Balenciaga en 1973, un año después de la muerte del modisto, con la inauguración de "The World of Balenciaga". Desde allí su evolución a lo que conocemos hoy como la muestra anual que inaugura el primer lunes de mayo con una gala. 

 

Superfine: Tailoring Black Style es la exhibición 2025: se trata de una interpretación enmarcada en lo cultural e histórica del estilo negro a lo largo de trescientos años a través del concepto de dandismo. En contexto, desde el siglo XVIII, con la trata de personas como esclavos, la colonialidad del poder generó una nueva cultura de consumo dando acceso a la llegada a prendas que daban cuenta de “la riqueza, distinción y buen gusto”, dice el MET, en tanto el dandismo negro surgió de las tradiciones estilísticas africanas y europeas. 
 
La curadora invitada de”Superfine: Tailoring Black Style” es Monica L. Miller. La exhibición de moda del MET toma como referencia el libro “Esclavos de la moda: El dandismo negro y el diseño de la identidad diaspórica negra” de Miller, académica y profesora de Estudios Africanos en el Barnard College de la Universidad de Columbia de Nueva York. 
 


Superfine: Tailoring Black Style explora la importancia del estilo en la formación de las identidades negras en la diáspora atlántica, especialmente en Estados Unidos y Europa. 



La muestra del MET está dividida en 12 secciones a través de presentación de prendas y accesorios, también pinturas, fotografías y artes decorativas desde el siglo XVIII hasta la actualidad. El guión expositivo interpreta el concepto de dandismo como una estética y una estrategia que abrió nuevas posibilidades sociales y políticas.


Superfine: Tailoring Black Style, la muestra de moda del Museo Metropolitano de New York, se puede visitar a partir del 10 de mayo hasta el 26 de octubre. 

Imágenes del libro Superfine: Tailoring Black Style, de Monica L. Miller 

5 puntos para conocer "Superfine: Tailoring Black Style", la exhibición de moda del Metropolitan Museum de New York




La primera: este look de Zendaya vestida por Pharrell Williams, director creativo de la línea masculina de Louis Vuitton desde 2023, sucediendo a Virgil Abloh, el primer afroamericano en dirigir una casa francesa tradicional (2018/2021). Para la Gala del Met, a propósito de la inauguración de "Superfine: Tailoring Black Style", la bella Zendaya llevaba un esmoquin blanco de seda mate con pantalones acampanados, chaleco y corbata de seda. Los zapatos eran de plataforma blancos y lucía un sombrero blanco de fieltro. “Pharrell puso en relieve los impactos históricos y contemporáneos de las culturas y subculturas negras en la vestimenta actual, resaltando las raíces poco conocidas de los códigos de vestimenta populares que nos unen”, dicen las notas de prensa enviadas por Louis Vuitton, patrocinador de "Superfine: Tailoring Black Style".


La segunda: es la primera vez que una exhibición de moda del Metropolitan Museum está íntegramente dedicada a diseñadores negros. La narrativa recorre 300 años que cuentan la historia del dandi negro y cómo los hombres negros aplicaron la moda como herramienta revolucionaria y de autorrealización. “Un dandi es alguien que "estudiará todo para vestir con elegancia y a la moda", dice Monica L. Miller, curadora invitada. En su investigación, Miller explica cómo las personas negras se convirtieron en referentes de estilo y cómo históricamente han utilizado las herramientas distintivas del dandi —vestimenta, gestos e ingenio— para romper con las marcas de identidad limitantes y proponer nuevas formas de forjar posibilidades políticas y sociales. Habla también Dapper Dan, el sastre de Harlem cuenta a un click qué define a un dandy.
 

La tercera es la recaudación, pues la gala benéfica alcanzó los 31 millones de dólares. Record. Y asegura el museo que es la mayor recaudación en los 77 años que lleva este acontecimiento anual. Recuerden que a fines de los años 40, la publicista Eleanor Lambert organizó “La fiesta del año" para recaudar fondos para el Museum of Costume Art, que había inaugurado en 1937. Desde el 10 de mayo, apertura al público en general para visitar "Superfine: Tailoring Black Style", viene la parte de contar visitantes. 
 
La cuarta, hablamos de varones. El montaje de "Superfine: Tailoring Black Style" es en torno a la ropa masculina. La primera muestra en 20 años que solo habla de moda masculina. 
 

La quinta: la investigación académica de Monica L. Miller, profesora de Estudios Africanos en el Barnard College de la Universidad de Columbia y curadora invitada, se convirtió en el libro “Esclavos de la moda: Dandismo negro y el estilo de la identidad diaspórica negra”, publicado en 2009. Ese tomo devino en una transposición, Andrew Bolton, curator-in-charge del Costume Institute, leyó el libro y pensó en convertirlo en el tema de la muestra del 2025. Está re-editado y también en formato de catálogo para "Superfine: Tailoring Black Style".

imagen Zendaya cortesia de Louis Vuitton

La ausencia de Martin Margiela en exhibición



Margiela: In the void es la exhibición que aún permanece abierta en Parodi Costume Collection, un espacio de arte dedicado a la investigación y restauración de vestuarios desde mediados del siglo XIX hasta finales del siglo XX, ubicado en la ciudad de Miami. La intención fue hacer un recorte en el archivo de Margiela y a partir de ahí deconstruir el estilo del diseñador belga a través de fragmentos retomados de la pasarela, los lookbooks y ofrecer en instalaciones una performance cuya narrativa cuente, por oposición, a este gran artista tan vigente desde su ausencia. Para el caso, Parodi Costume Collection se convirtió en una caja blanca que contiene los diseños de Martin Margiela para la contemplación.


En "Margiela: in the void" están los diseños convertidos en iconos de la década de 1990 y primeros años del 2000. Las piezas pertenecen al acervo de Parodi como también del vintage Byronesque, a cargo de Gill Linton. Alexandre Samson, curador del Palais Galliera, es quien se ocupó de escribir el texto de la exhibición que revela a Margiela por primera vez en Estados Unidos.


imágenes: David Gary Lloyd  

MET GALA 2024: La exhibición Sleeping Beauties: Reawakening Fashion se presenta en la alfombra roja

 
El lunes 6 de mayo, con la MET GALA, el Metropolitan Museum de New York inaugura su exhibición de primavera 2024. Sleeping Beauties: Reawakening Fashion es el nombre de la muestra construida con 250 prendas y accesorios que abarcan cuatro siglos de vestuarios y que tienen a la naturaleza como eje. El trabajo tuvo el eje en los archivos del Costume Institute donde se repuso las piezas históricas que por su estado de fragilidad ya no pueden exhibirse en maniquíes; de ahí su connotación poética 'bellas durmientes".


Si bien las muestras de moda en los museos proliferan en las instituciones culturales de oriente y occidente, la exposición anual de moda del MET siempre es noticia sea por la alfombra roja, que este año tiene como dress code "The garden of time", que invisibiliza toda narrativa curatorial que se haya investigado previamente, y el fervor por el qué se puso y quién la vistió; o por las controversias que giran alrededor de Anna Wintour y la editorial Conde Nast, sumado el éxito de recaudación que significa para el museo esta fiesta de la revista Vogue (el año pasado, en la gala, se recaudaron 22 millones de dólares, mientras que en 2022 17,4 millones). 

De “Bellezas durmientes: el despertar de la moda” también se comentó que fue un plan de último momento dado el rechazo que generó la propuesta de una retrospectiva sobre John Galliano, el último gran modisto del SXXI, quien luego de ser despedido de la maison Dior por los dichos antisemitas ocurridos en 2011, se desempeña como director creativo de maison Margiela. 

Las disputas y polémicas en torno a la moda siempre están presentes. Incluso las muestras del Costume Institute históricamente generaron discusiones. Cuando la editora de moda Diana Vreeland inauguró en 1973 las muestras de moda de primavera - con Cristobal Balenciaga y continuó en su rol hasta 1989 -, también se la acusaba de privilegiar decisiones de estilo antes que respetar la estética propia de los períodos comentados en las exhibiciones ofrecidas en el museo, cuyo acervo comenzó a tener su espacio en 1943. Andrew Bolton, el curador jefe del Costume Institute, también es parte de la polémica. En su momento se intentó aquietar las voces en contra con el documental "El primer lunes de mayo", donde se cuenta cómo se produce de manera interdisciplinaria la exhibición de moda, estrategia idéntica que Wintour aplicó tras el estreno de "El diablo viste de Prada", la novela de Lauren Weisberger llevada al cine. Anna respondió con el documental "The September Issue". La señora Wintour siempre está un paso adelante, hay que decir. 

También es necesario precisar que la tarea investigativa y curatorial de Andrew Bolton es dedicada, minuciosa y resulta de un gran aporte para los estudios culturales de la moda. Además del formato de exhibición, el museo publica el catálogo, que excede el soporte de la muestra y amplía con textos y entrevistas. Hay que remarcar que The Costume Institute es uno de los centros de preservación y estudio de la moda más grandes del mundo. Sin embargo, The Costume Institute gestiona una historia de la moda colonial que carece de un análisis crítico sobre sus políticas de conservación en cuanto al trabajo del archivo y sus adquisiciones. 

 “Sleeping Beauties: Reawakening Fashion”  se podrá visitar desde el 10 de mayo al 2 de septiembre en el Metropolitan Museum de New York. La imagen que referencia la exhibición de 2024 como la portada del catálogo pertenece a un diseño del japonés Jun Takahashi, diseñador de Undercover. La pieza fue fotografiada por Nick Knight. El vestido retratado es de resina transparente impresa en 3D que en su interior tiene rosas de tejido liso de seda violeta, hojas de terciopelo de seda verde y mariposas de tejido liso de seda amarilla y violeta, que están recubiertas con tul de nylon amarillo y adornadas con cuero repujado amarillo.

imagen: Cortesía MET Museum / The Costume Institute

Apuntes desde Milán: el museo Armani / Silos


Un recorrido por Armani / Silos, el espacio de exhibición y museo que abrió en 2015, en Milán, en ocasión a los 40 años de carrera de Giorgio Armani

Armani / Silos es un registro de la labor de Giorgio, su experiencia y conocimiento detrás de sus líneas distribuida en 4 pisos diseñados de forma rectangular: tres dedicados a las colecciones a prêt-à-porter, Couture y moda masculina desde 1980 y cuya selección respeta los temas que identifican a la casa que comanda Giorgio Armani: ropa de día, Exotismo y esquemas cromáticos y de luz. Así, 600 diseños y 200 accesorios recorren los pisos y el último se comparte con el archivo digital, mientras que en el tercero también tiene un microcine. 


En la planta baja está la exhibición temporaria dedicada ahora al fotografo que hizo equipo con Armani, Aldo Fallai que se puede visitar hasta el próximo mes de agosto. Armani / Silos está ubicada en via Bergognone, 40 Milan. Para completar la experiencia Armani, el museo tiene un café y un shop donde se pueden adquirir, entre otras cosas, libros dedicado a la historia de Giorgio en la moda. 
 
Hermosísimo paseo por la historia misma de la moda italiana y del hombre que revolucionó el vestir al desestructurarse el traje del hombre y de la mujer. "Los trajes debían verse en libertad y natural, como una segunda piel, grandes y muy modernos", se escucha la voz de Armani mientras  se recorre este edificio gris y minimalista al que le dan vida sus diseños.

La moda en el Museo: el calendario dice que es el primer lunes de mayo


La exhibición de primavera 2022 en el Costume Institute del Metropolitan está titulada In America: An Anthology of Fashion y continúa la muestra anterior In America: A Lexicon of Fashion, atravesada por la pandemia. 

"Nuestra intención para esta segunda parte es reunir todas estas historias en una antología que desafíe las historias percibidas y ofrezca una lectura alternativa de la moda norteamericana", dice Andrew Bolton,  el curador jefe del Costume Institute, sobre esta exposición recorrerá la historia de la moda estadounidense desde el siglo XVIII hasta hoy. Es decir que comienza en la edad dorada, pasado por el sportswear, la vestimenta de la mujer trabajadora hasta el fenómeno de la moda urbana. Excelente momento para repasar diversos nombres y hechos que suelen estar ausentes de la conversación, tal el caso de Claire McCardell, Stephen Burrows y la batalla de Versalles.

Los museos de todo el mundo ofrecen importantes exhibiciones de moda, también galerías de arte e instituciones. Por lo tanto, las muestras de moda hoy son omnipresentes. La evolución de este fenómeno global tiene su antecedente en Estados Unidos en la década de 1970 y su momento de mayor repercusión con la muestra de Alexander McQueen Savage Beauty ( 2011), y hacia 2015 el fenómeno estaba consolidado luego de la inauguración de China: through the looking glass (2015). En este período, la moda en el museo batió récord de recaudación y visitas. Todo esto aconteció en el Metropolitan Museum de Nueva York, el espacio donde se dio la evolución de las muestras de moda que imperan en la actualidad. El origen fue en 1973, cuando Diana Vreeland, al dejar su puesto en la revista Vogue, asumió como consultora en The Costume Institute y presentó como primera muestra una retrospectiva de Cristobal Balenciaga, luego de la muerte del modisto. 


El caso de la moda en Argentina en los museos

La moda tuvo una aparición más frecuente en los museos y espacios destinados a la exhibición de arte en los últimos años. En las muestras de moda se recopila, exhibe e investiga la cultura del pasado y del presente. A continuación enlazamos un ensayo que investiga el interés de los museos por la moda y pone en contexto la experiencia de la moda argentina. Las referencias narradas son las exhibiciones de las artistas vinculadas a la moda Fridl Loos y Dalila Puzzovio, la diseñadora Mary Tapia, el modisto Gino Bogani, el movimiento under, la generación de diseño de autor y el caso de Malba Moda. La intención es explorar el potencial de la moda en los museos para reflexionar la historia a través de las épocas y sus creadores. 

Aquí el link a la investigación de la moda en el museo.

Reapertura de museos en Buenos Aires: ¿Sentiste hablar de mi? de Sergio De Loof está en el Moderno


Luego de 7 meses cerrados, los museos de la ciudad reabrieron sus puertas al público. El cupo es limitado y la reserva (previa) es digital, con entrada gratuita, más protocolos estrictos ante la pandemia del coronavirus Covid-19. El Museo de Arte Moderno de Buenos Aires mantiene "¿Sentiste hablar de mi?", la exhibición antológica de Sergio De Loof que inauguró hace poco menos de un año con la Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires tocando sobre la avenida San Juan. Así daba inicio a una necesaria revisión sobre la década de los 90, sus noches y la primera camada de hacedores que tejieron la antesala para lo que se conoce como Diseño de Autor, surgido hace, casi, 20 años. 


"¿Sentiste hablar de mí?" fue una muestra comentada en tiempo real por Sergio De Loof a través de su cuenta de Facebook. Verborrágico y sin filtro, el artista compartió cada paso del despliegue deseado para su primera muestra en el museo. Sergio De Loof se convirtió en un mito en vida. El rey de under porteño fue un artista multifacético: videasta, diseñador, ambientador y creador de lugares que se convirtieron en señaladores de época, como El Dorado y el Morocco. 

La exhibición en el Moderno fue curada por Lucrecia Palacios y ofrece un recorrido por estos 30 años corporizados en videos, objetos y reproducciones de diseños que mantienen la esencia de este artista que falleció justo antes de que comenzara la cuarentena, en el mes de marzo. Se puede visitar hasta el 28 de febrero de 2021. 


Los mediometrajes, los vestidos de papel y algunos vestuarios gestados en el cottolengo se cuelan entre videos de desfiles y los espacios que De Loof gerenció desde 1989, con el Bar Bolivia - y su cruz de perlas - como disparador sensacional de una época maravillosa e irrepetible. 


El museo en tiempos de pandemia
El uso obligatorio del barbijo, el distanciamiento social y la recorrida por el circuito con sentido único marcado en el piso son algunas de las recomendaciones para transitar el museo, al que se visita solo con reserva previa a través de la web.

El primer lunes de mayo: Cómo se conserva la historia de la moda

En 1948, la publicista Eleanor Lambert realizó un evento benéfico en el MET y lo llamó "La fiesta del año". Así comenzaron los acontecimientos de moda para recaudar fondos. Pero la historia entre la moda y el museo en Estados Unidos inició antes, cuando en 1937 abrió el Museum of Costume Art que más tarde, en 1946, se fusionó con el Museo Metropolitano de Arte como The Costume Institute.
Diana Vreeland fue la editora de moda que le dio sustancia al ofrecer una muestra que enmarcó la importancia de la moda en la cultura, a pesar de las críticas que recibió por la inexactitud histórica y clichés frívolos. El puntapié fue con Cristobal Balenciaga y en 1973, un año después de la muerte del modisto, mostró "The World of Balenciaga". Desde allí su evolución a lo que  conocemos hoy como la muestra anual que inaugura el primer lunes de mayo con una gala. 

Este año, coronavirus COVID-19 de por medio, "About Time: Fashion & Duration" se pospuso hasta el mes de octubre.

"Alexander McQueen: Savage Beauty" (2011)

En las últimas dos décadas, el Metropolitan de New York a través de la revista Vogue  y liderado por Anna Wintour convoca a una gala, llamada Costume Institute Benefit, cuya finalidad es recaudar fondos destinados al Costume Institute, una dependencia del museo que se ocupa de la adquisición y la conservación del patrimonio sartorial del mundo y la financiación de sus propias exposiciones. Según su curaduría, el equipo de conservadores del MET elige piezas representativas: se conservan y se exhiben. La gala es la parte publicitaria de la exposición dedicada a un diseñador o a una temática  que pone en relevancia el espíritu del momento.


La muestra más visitada en la historia del MET es "Heavenly Bodies", por sus pasillos pasaron más de 1.65 millones de personas. "Alexander McQueen: Savage Beauty" (2011)  y "China: a través del espejo" (2015) fueron las exposiciones que dieron estructura al boom de la moda en el museo. El fenómeno quedó registrado en "First monday in may", el documental editado en 2016 que examinó cómo se montó "China: Through The Looking Glass", hasta ese momento la muestra con mayor cantidad de público en la historia del museo.

Al día de hoy, no hay ciudad en el mundo donde un museo no presente una muestra de moda.

La performance de Madonna en "Heavenly Bodies" (2018)


Las muestras ameritan el viaje a la Gran Manzana, la verdad. Son impactantes y la posibilidad de tener frente a frente la historia misma de la moda más el marco conceptual con el que Andrew Bolton, a cargo del Costume Institute, decide exhibir las piezas, es magistral. Pasados los 4 meses de observación de los diseños, lo que queda es el catálogo. Se trata de un material coleccionable presentado en el mismo código que lo visto en las salas del museo.

"Manus x Machina: la moda en la era de la tecnología" (2016) 


La exposición de 2020 "About Time: Fashion & Duration" estará en sintonía con los festejos por los 150 años del Metropolitan. Mientras la pandemia pone en pausa al mundo, Bloc de Moda rescata de su propio archivo algunas de las muestras y otras referencias que edifican un gran momento cultural en el año.

Schiaparelli and Prada: impossible conversations" (2012)

Diana Vreeland en la muestra "The World of Balenciaga" (1973)

Internet | Quedate en casa: Exposiciones de moda para visitar online


La cuarentena por la pandemia del coronavirus COVID-19 marca un momento único en nuestra vida. Las consecuencias que dejará este brote mundial son innumerables, la rutina se quiebra pasa siempre. En ese mismo sentido, también es un momento único porque el tiempo adquiere otro valor. Más conectado y menos acelerados, quizás resulte de interés darle espacio a referencias que oficien de disparador de ideas para el perfil profesional. Quedarse en casa es la opción para que esta pandemia llegue a su fin. Buen momento, entonces, para hacer un recorrido virtual por algunas salas de museos de varias ciudades que abrieron sus exposiciones online. Aquí, la lista:

Worth & Mainbocher: Demystifyng the Haute Couture - Imagen: Mainbocher

Worth & Mainbocher: Demystifying the Haute Couture
En la zona de Harlem, frente al Central Park, está el bonito Museum of the City of New York con "Worth & Mainbocher: Demystifying the Haute Couture", una muestra que realza a dos creadores de la Alta Costura a través de 119 vestidos. Con experiencia en textiles, el inglés Charles Frederick Worth fundó en 1860 un taller en Paris donde definió qué es alta costura. Nacido en Chicago, Mainbocher perfeccionó décadas más tarde, en los años 30' y desde Paris, los estándares del lujo y llevó la noción de alta moda a Nueva York, además de modernizar el lenguaje de la Couture. Pueden clickear en "Exhibition" y hacer un recorrido cronológico por los diseños. ¡Qué disfruten!




Power Mode: The Force of Fashion
Seguimos en la ciudad de New York, ahora caminamos por el Garment District y hacemos escala en el museo del FIT donde se exhibe "Modo de poder: la fuerza de la moda. "La fuerza de la moda es simbólica. Es social. Se encuentra en la esfera de las relaciones interpersonales y la dinámica cultural. No existe una definición única y universalmente aceptada de poder", se lee en el catálogo de la exhibición que examina cómo los diseñadores de moda interpretaron el poder y cómo ciertas prendas se asociaron a ese significado. Un traje de Thom Browne a la remera feminista de Maria Grazia Chiuri para Dior le dan sustancia a esta muestra en el museo que dirige Valerie Steele y podés ver en un click.


In Pursuit of Fashion: The Sandy Schreier collection
El sueño de chusmear el placard ajeno: la exposición del Costume Institute indaga en el guardarropa de la coleccionista Sandy Schreier, una pionera que compró diseños de alta costura y piezas de los diseñadores de la era dorada de la moda de Estados Unidos. La muestra es el resultado, en verdad, del regalo que Sandy Schreier le hizo al Metropolitan Museum - su colección - como parte de los festejos de los 150 años que está celebrando en 2020 este museo anclado en el corazón del Central Park. Miren la colección de Sandy por acá.




The Game Changers
Hay varios perfiles por donde la moda puede ser contada: la silueta es una de esas referencias posibles que relatan una década. Hacemos un vuelo en el tiempo porque el paseo que sigue es al MoMu, el museo de moda de Antwerp, en Bélgica. Game Changers es una muestra que tuvo lugar en 2016 y abordó 130 trabajos de diseñadores que innovaron con la silueta. El disparador fue Cristóbal Balenciaga y la ven por acá, gentileza de Google Arts & Culture.


Cómo ha influido en la moda de hoy la de la década de 1780
Pura historia desde el sitio donde nació la moda: Versalles. Este es un proyecto de Google Arts & Culture junto al Chateau de Versailles que registra la influencia de la corte de 1780 en la moda de hoy. Desde la ropa unisex a las pelucas que usaba la monarquía francesa y los estampados florales para ¡la primavera! Miralo por acá.

Museo de Arte Moderno: ¿Sentiste hablar de mí? Los 90's llegan al museo

Desde hoy y hasta abril 2020 se puede visitar "¿Sentiste hablar de mí?", la muestra antológica del artíita multifacético Sergio De Loof en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. La exhibición, que inaugura con el concierto de la Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires, es una forma de comenzar a revisar la década de los 90's.


De Loof - Del Off - es videasta, diseñador, ambientador y creador de espacios que se convirtieron en punto de referencia de la época: comenzó a fines de los 80's con el Bar Bolivia, siguió El Dorado, Morocco, Club Caniche, Ave Porco y Café París. Estos lugares llevaron a Sergio de Loof al estatus de ícono de la movida under porteña. Un ícono rodeado de mitos. Aquí la importancia del trabajo curatorial de Lucrecia Palacios. "Su trabajo es colectivo y comunitario. Una obra destinada a lo efímero. Me parece muy sintomático que Sergio siempre está queriendo comunicarse con el presente. Es una obra completamente efímera. La cuestión de poder presentar capas históricas dentro de su trabajo no nos interesó sino recontextualizar y marcar su relación con el hoy porque nos parecen experiencias centrales", dice la curadora del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires.


"¿Sentiste hablar de mí?" de Sergio De Loof cuenta con la colaboración de Fundación IDA, a cargo de la restauración del material de archivo del artista. El Museo del Cine digitalizó los cassettes VHS para que el público pueda sentarse en los sillones dispuestos en la PB del museo para mirar los desfiles excéntricos y multitudinarios, muy comentados pero apenas visualizados. También fue fundamental la tarea del Complejo Teatral de Buenos Aires, el Teatro Argentino de La Plata y el Museo de la Ciudad para ambientar con la estética barroca y kitsch que distingue a De Loof y replicar así el espíritu de las noches de los 90's. Nuestra historia reciente se cuenta.


Nadie estuvo tan en su tiempo como yo en mis desfiles de moda y mis clubs. Conocerse en un club como los míos también era una forma de arte. En ese momento, el arte no pasaba por las galerías sino por la noche; nos queríamos conocer", dice Sergio De Loof en el montaje de su primera exhibición antológica. 


Imágenes: Gentileza Museo de Arte Moderno de Buenos Aires vía Fundación IDA