SLIDER


Mujeres Vestidas por Mujeres

Notas de Autor por Lorena Pérez

Bloc de Moda es un medio digital fundado en 2006 que promueve prácticas y temas de manera pionera en latinoamérica. Coberturas, crónicas, entrevistas y reseñas que ponen en contexto a la moda en la cultura y su impacto en la sociedad.¡Bienvenidos!
Consumo
Mostrando las entradas con la etiqueta Consumo. Mostrar todas las entradas

Compre Nacional: ¿La ropa es cara en Argentina?


El informe presentado por la conductora Dominique Metzger abre el juego en Telenoche con una premisa repetida sobre "lo caro que está la ropa y vestirse". Sigue el relato de Martín Ciccioli exaltando la dinámica de los fardos de ropa usada norteamericana que descienden por Latinoamérica. Hay algo cínico en presentar este desfile de desechos textiles por el continente como una "nueva tendencia". El cronista confunde la circularidad con acumulación y el remate: "no es compre chino, es compre americano", dice. Meses atrás, la performance de Rolando Graña en América Noticias fue en la misma sintonía, incluso llevó un fardo al estudio de TV para evidenciar qué se puede comprar. Ninguno de los dos noticieros mencionan los riesgos sanitarios que implica consumir prendas en esas condiciones de descarte. 

En el medio de este clima, Esteban Mirol protagoniza un stand up sobre el precio elevado de “un calzón”, una teoría que se cae al entrar en la histórica mercería Casa Josecito, fundada en 1942. Allí, el precio de la ropa interior en cuestión cuesta lo mismo que la supuesta "ganga" que el periodista cree haber descubierto en plataformas extranjeras, desarmando la ficción del ahorro importado. 

 
Pero el punto ciego del debate es la invisibilización de la ropa barata en Argentina. Existe una idea instalada de que no hay opciones accesibles, pero no es así. El análisis de la ropa cara se limita a los shoppings, donde el 70% de la oferta es importada. El precio que se paga ahí no es por la costura nacional, es por el alquiler del local, el marketing y la logística de un canal que ya no representa al consumo masivo. La ropa es el termómetro más sensible de la economía. Hoy los precios se frenan por el golpe seco de un mercado interno que ya no tiene con qué comprar. La fe ciega en que abrir las importaciones va a bajar los precios no tiene pruebas reales. Según advierte la Fundación ProTejer, estamos ante una desregulación que borró de un plumazo los controles de calidad y aduana, bajando impuestos a la importación en plena recesión. Es una competencia desleal. Mientras potencias como Francia o México le ponen reglas a las plataformas digitales —exigiendo que paguen impuestos y se hagan responsables de lo que venden—, Argentina va al revés, dejando al productor local en la nada. 


Encima, el debate ignora el costo humano y ambiental del fast fashion. Este sistema, que acá se celebra como sinónimo de precios bajos, es en realidad un modelo de usar y tirar basado en el trabajo precario. El dato es contundente: un aumento del 19.000% en la importación de basura textil. Al importar estos fardos, Argentina está aceptando la contaminación y los problemas de salud que los países desarrollados ya no quieren ver.  Es, básicamente, aceptar los desechos del mundo disfrazados de oportunidad.

Composición del precio de una remera comercializada en el shopping


Crisis del lujo 2026: ¿Por qué LVMH cae mientras The Row, Coach y Ralph Lauren crecen?

 

El panorama actual del consumo es el resultado de una apuesta arriesgada. Durante el boom de compras post-pandemia del covid-19, las marcas de lujo dispararon sus precios aprovechando la euforia del consumidor. Pero las compras fueron en caída libre. Como postal sirve LVMH, que en los primeros tres meses de 2026 sus ventas cayeron un 2%, encadenando su séptimo trimestre consecutivo de pérdidas, según publica The Economist. Mientras tanto, The Row, Coach y Ralph Lauren quebraron la tendencia y registraron ganancias.  La moda de Estados Unidos está lejos de manejar el mercado de lujo, pero da cuenta de una estrategia que prioriza la identidad, el control del canal de venta y la experiencia real del cliente. 

The Row, que hoy ocupa el puesto 7 en el ranking de popularidad de The Lyst, sustenta su éxito en ir en sentido contrario al exhibicionismo que domina esta sociedad. La estrategia de Mary-Kate y Ashley Olsen es el minimalismo discreto como única opción. Desde 2006 ofrecen diseños sin logos que funcionan como código de pertenencia silencioso. Las gemelas Olsen parecen domar la psicología del consumo. Son herederas de la mística de exclusividad de la Birkin bag de Hermès, pero también la capacidad de generar el deseo masivo de Zara. Consiguen que la clienta perciba que el producto es un diseño de culto difícil de conseguir. Con este gesto, ellas arman un estándar de lujo propio que funciona como una autorreferencia constante y protegen a la marca frente a la crisis. 


Coach logró aumentar sus ventas un 25% tras una reestructuración que indagó en su archivo histórico. La marca recuperó la visión de Bonnie Cashin, la directora creativa que en los años 60 introdujo la identidad de diseño funcional y minimalista que hoy vuelve a ser tendencia. La marca, fundada en 1941, decidió irse de los shoppings y grandes almacenes. Este movimiento logra que el 90% de sus productos se vendan de forma directa al cliente, lo que les permite manejarse sin intermediarios. 

Además de eliminar su fama de marca de descuentos, Coach supo capturar al público joven con las bag charms personalizables. Lo que para un sector parecería un detalle menor y hasta vulgar, para la nueva generación es el motor de compra que volvió a poner a la marca en el centro de la escena. 

La clave de Ralph Lauren fue la diversificación del espacio físico. La marca fundada en 1967 entendió que la tienda es un destino social a través de Ralph's Coffee. Con presencia global, logró que el público busque pasar tiempo en sus tiendas. fusionaron el consumo con el ocio. A esto se suma una inversión del 7% de sus ventas en marketing y la modernización total de su logística. Mientras otras marcas gastan recursos en alianzas que sirven de fachada, Ralph Lauren utiliza la innovación para adaptar el producto y la distribución a la necesidad real de cada mercado. 


La lectura que invita estos tres casos sugiere que, en contextos de incertidumbre, el crecimiento puede venir de la capacidad de adoptar una estrategia propia, adaptarla a los nuevos hábitos y tener la espalda para sostenerla en el tiempo.

Nuestros años locos tienen a John Galliano diseñando para Zara

 


La historia de la moda cuenta que a mitad de cada década los experimentos previos se asientan para definir los códigos de los años por venir. No es un momento de ruptura, más bien cuando las piezas del sistema terminan de encajar bajo la lógica del mercado. Tras un periodo de dos años de movimientos frenéticos en las direcciones creativas de las maisons, la jerarquía tradicional comparte su lugar con una estructura donde la relevancia no depende del precio de la etiqueta, sino de quién controla la conversación global.

En este escenario de transición, las marcas de consumo masivo dejaron su condición de replicadoras de tendencias para liderar las dinámicas de atención, reclutando a los nombres que antes estaban bajo el dominio de los talleres de lujo. Esta caminata hacia el mercado global se consolida con trayectorias claras: Clare Waight Keller, quien definió el código deportivo sastrero en Chloé, lidera hoy la dirección creativa de Uniqlo. El hermoso y cool Stefano Pilati, ex director creativo de Yves Saint Laurent, colaboró con Zara en una colección cápsula al igual que Kate Moss. Zac Posen ya había anticipado este rumbo al asumir el mando en Brooks Brothers y en 2024 como presidente ejecutivo y director creativo en Gap y Old Navy. Nos ponemos memoriosos. El inicio de este siglo estuvo marcado por la alianza entre Karl Lagerfeld y H&M en 2004. Este hecho dio lugar al inicio de un vínculo que durante diez años alimentó el interés por las colaboraciones entre el fast fashion y el lujo. Hasta que la fórmula dejó de resultar novedosa para integrarse como norma.



La noticia que termina de validar este cambio es el desembarco de John Galliano en Zara. Según reporta Vogue, se trata de una colaboración creativa de dos años para reinterpretar "los archivos" del retail, marcando el regreso del modisto tras su salida de Maison Margiela en 2024. Se espera que la primera entrega de Galliano para Zara llegue en septiembre (apostemos que será durante la semana de la moda de Nueva York). 

Este movimiento responde a la gestión de Marta Ortega, quien asumió la presidencia de Inditex en 2022. Bajo su mando, el grupo —valorado en 150.000 millones de euros y dueño de las firmas Pull & Bear, Massimo Dutti, Bershka, Stradivarius, Oysho y Zara Home— dió un giro hacia una sofisticación operativa que la distingue de la gestión de Amancio, su padre. "No se trata de vender más, sino de vender bien", declaró Marta al diario El País

La presencia de Anna Wintour en la sede de Arteixo y el vestuario de Bad Bunny para el Super Bowl son señales de una ambición mayor: contratar al último gran modisto del siglo XXI para validar la identidad de la compañía.

Imágenes: John Galliano Instagram / Collage BdM

La caída en Tech Fleece: Crónica de un colapso estético y político


En la madrugada de este 3 de enero, una operación relámpago de la Fuerza Delta de Estados Unidos, ejecutada por orden del presidente Donald Trump, culminó con la detención de Nicolás Maduro en Caracas, Venezuela. Aunque los cargos judiciales en Nueva York se centran en el narcoterrorismo, Trump, en su conferencia de prensa, desplazó el foco: no hizo hincapié en el narcotráfico, sino en el petróleo. Sorpresa cero. El mandatario afirmó que Estados Unidos "dirigirá" Venezuela temporalmente para hacer una transición segura. 

Podemos celebrar la caída de un dictador, pero el derecho internacional no está para validar éticas, pero si para frenar el abuso de poder. Al priorizar el petróleo sobre la justicia, Trump revela que la legalidad es algo molesto y el riesgo es que la "liberación" de Venezuela no sea más que una excusa. 

Hay momentos en la historia en los que la ropa deja de ser una elección estética para convertirse en un documento judicial. Lo vimos con la chaqueta de cuero de Saddam Hussein y con las camisas de seda de "El Chapo" Guzmán. Hoy, en la fotografía de Nicolás Maduro capturado y publicada por Donald Trump, el objeto de estudio es un conjunto Nike Tech Fleece en gris jaspeado. 
 

Radiografía de una tendencia: Los datos que salen de Google 

El anuncio de la captura de Maduro disparó un 410% en clics hacia el equipo Nike Tech Fleece gris que vestía el dictador y un pico vertical del 520% de interés en búsquedas, según Google Trends. 

La intención de búsqueda también mutó: las consultas para la compra del jogging aumentaron un 280%. Pero no es solo curiosidad, hay una clara intención de consumo. Los Real-Time Analytics de los principales minoristas de streetwear muestran que el usuario no solo busca "noticias de Maduro", sino activamente "precio conjunto Nike Maduro" y "comprar Nike Tech Fleece gris". En plataformas de reventa, el precio del modelo ya sufrió un incremento del 15%


Estética de la captura: Status vs. Realidad 

El Uniforme de la Caída es ese equipo que despoja al líder de sus charreteras y camisas de lino para desnudarlo en su estado más doméstico, vulnerable y, paradójicamente, globalizado. Durante su gestión, el vestuario de Maduro intentó proyectar una mezcla de formalidad estatal y fervor revolucionario. Pero en el buque USS Iwo Jima, la realidad se impuso sobre el relato. El uso de la línea Tech Fleece de Nike, una marca que simboliza el capitalismo estadounidense más aspiracional, es una ironía absoluta. 

El conjunto confeccionado con poliéster reciclado y algodón orgánico, con al menos un 10% de fibras recicladas y 50% de materiales sustentables, utiliza un tejido fleece de doble cara que ofrece calidez sin añadir volumen. Sus bolsillos laterales con costuras selladas, visibles en la foto del líder chavista, funcionan en este contexto como una señal de rendición visual: el hombre que desafió al imperio viste sus fibras más populares. 
 


De Fidel a Maduro 

¿Recuerdan cuando Fidel Castro comenzó a mostrarse con joggings de Adidas, Nike y Puma? El contraste con Maduro es el reflejo de cómo cambió el consumo de la información. En el caso de Fidel, existía una curiosidad ideológica; en el de Maduro, un consumo transaccional

La intención de búsqueda para Fidel era puramente simbólica y de salud ("Fidel Castro enfermo"). En cambio, la lectura de Maduro es distinta debido a la inmediatez de la compra online. El usuario actual no solo mira la foto, busca el producto. Mientras las búsquedas de Fidel generaban notas de opinión “¿Por qué un comunista usa Adidas?”, las de Maduro son de acción: clic, carrito y compra. 

Al final del día, la ropa es el espejo más honesto. Mientras que el jogging de Fidel Castro simbolizó una jubilación ideológica, el de Maduro señala el colapso de un relato: en su última foto oficial, terminó vistiendo el uniforme del sistema que juró combatir.

Las tendencias desde el laboratorio: el futuro de la moda en estudio

 


La nueva edición del Centro de Investigación de Inspiramis va a presentar el estudio de inspiración "The Turning Point". Esto será el próximo mes de enero 2026, en Porto Alegre, y quedará reflejado en más de 1000 productos que ofrecerá la feria. 
 
La metodología de trabajo que desarrolla Inspiramais está cimentada en investigaciones que el equipo ubica en una Pirámide compuesta por el 10% como laboratorio / innovación, el 30% es la planificación / estrategia y el 60% al mercado / precio. En este contexto, lo que Walter Rodrigues, coordinador del Centro de investigación de Assitecal, adelantó fue la fase de laboratorio e innovación (el 10%). 
En tanto, el 30% y el 60% ya se encuentran en fase de desarrollo o insertos en el mercado. 



El informe “The Turning Point” toma como referencia el libro "El punto clave: Ciencia, sociedad y la cultura naciente", escrito por Fritjof Capra en 1981. “Vivimos tiempos muy similares a los de la década de 1980, con un mundo "más cerrado", creciente proteccionismo, aranceles adicionales y polarización”, dijo Rodrigues. El estudio de Inspiramais señala que el fin de la época popularizada por Zygmunt Bauman en "Vida de Consumo", basada en la liquidez para pasar a una modernidad gaseosa, donde todo se evapora en el aire, siendo la idea de volatilidad y velocidad su modo. El informe detalla tres temas: 

Gaseoso Holístico 

Desde un punto de vista femenino, se señala al diseño como un medio de contemplación, regeneración y afecto con la tecnología. "Aquí, vemos mucha ligereza y siluetas en materiales que se comportan como un canal de transformación, evocando movimiento, luz y vapor. La moda, en este contexto, está muy asistida por las tecnologías de Inteligencia Artificial (IA) en sus creaciones. 'Cada vez más, los creativos desarrollan cosas para poner en los pies'", subraya Rodrigues. En este tema, predominan los materiales con transparencias, tules, nylons, volúmenes y mezclas. 
 

Gaseoso Biológico 

Este subtema está influenciado por el ancestro digital, con texturas orgánicas, muchas capas, aspectos celulares (de plasma), aspectos gelatinosos, amorfismo y futurismo, todo con la ayuda de la IA. Los materiales destacados son biopolímeros, nanocelulosas y tejidos desarrollados con cultivos de bacterias. 
 

Ruptura 

Acá se refuerza la necesidad de transformación y la creación de "desórdenes narrativos". La importancia de ir en contra del status quo y dar espacio para la recuperación de la individualidad perdida en medio de un mundo homogéneo y permeado de repeticiones. La revisión de la forma, una fuerte tendencia de los años 80, aparece aportando extrañeza, manteniendo bases clásicas y destacando la inventiva en las formas. Para las creaciones de materiales, las influencias predominantes son las construcciones tridimensionales, con pliegues abruptos, superposiciones y fragmentaciones, colocando el cuerpo como base para la creación de nuevas geometrías. La paleta de colores de "The Turning Point" tiene como colores principales el violeta hielo, el amarillo y el acqua. 
 
Inspiramais es una feria donde se concentran y cruzan productos con la identidad de Brasil, desarrollos, conocimientos y creatividad que canalizan la relación entre su industria textil​ con los fabricantes del sector. Las inscripciones para participar de la feria de moda ya están abiertas. Pueden consultar en la web de Inspiramais

Qué es Shein y cómo impacta su modelo de negocio en la moda

 

Se la reconoce con origen en China, pero Shein, la reina del fast fashion y la compañía más contaminante del mundo de la moda, no tiene una identidad clara. Su sede está ubicada en Singapur, pero la mayoría de sus empleados trabajan en China, en tanto su presidente ejecutivo la declaró estadounidense, a principios de 2024, porque Shein genera en Estados Unidos la mayor parte de sus ingresos, explicó. De esta manera, Shein no tendría obligaciones con ningún país. 

Y así circula esta historia de un retail que genera tantas ventas como controversias.

Shein fue fundada en 2008, poco antes del reinado de la moda rápida que comandaron H&M y Zara en los tempranos 2010. Las estrategias de renovación permanente a precios bajísimos y sustentado con el impulso de las redes sociales pusieron en jaque al sistema de la moda, conformado por una industria dedicada al cambio y a las novedades, pero cuyas estructuras tardan años en modificarse.

El modelo de negocio del fast fashion implosionó un calendario acostumbrado a cambiar por temporadas y edulcorado por colecciones cápsulas. Las temporadas de entretiempo (las de Resort y Pre-Fall) no tardaron nada en convertirse en las estrellas y salvadoras de las casas de moda dado que eran colecciones más pequeñas, llegaban antes a la venta y, por su temporalidad, no entraban en el ciclo de rebajas y liquidación. A eso le siguieron los nuevos modelos de negocio, como el See Now, Buy Now, cambios en el calendario de presentaciones y cuestionamientos, como por ejemplo ¿para qué sirve la semana de la moda

Las redes sociales sirvieron un sin fin de looks y productos como acontecimiento permanente, pero en abril de 2013, el edificio Rana Plaza, en Bangladesh, atiborrado de fábricas con personas condenadas al trabajo esclavo que producían la moda que luego se lucía en occidente a precios accesibles, se derrumbó y fue imposible no enterarse lo que provocó la moda rápida: 1138 muertes. Los talleres clandestinos, el trabajo esclavo, la crisis climática y la emergencia de un nuevo consumidor consciente también se hicieron visibles y parte de la agenda. Sin embargo el fast fashion nunca detuvo su ritmo.

Shein ya había comenzado su revolución de compras online cuando la pandemia del Covid-19 la impulsó. Millones de personas confinadas en cuarentena con dinero para gastar. Ya en noviembre de 2022, Shein representaba el 50% de las ventas de moda rápida en Estados Unidos (antes de la pandemia significaba el 12%) una valoración que supera los ingresos de H&M y Gap, por ejemplo.


La metodología de Shein es básica. Marketing al mango para colapsar su web con ventanitas emergentes que van regalando grandes descuentos, lanzamientos de cientos de productos al día y siempre con precios que cualquier ser pensante leería con desconfianza: Si una prenda es más barata que una taza de café con leche, ¿qué se resigna en la cadena de producción para mantenerse baratos?

En una estrategia de marketing hábilmente diseñada. Un ejército de influencers pagados y acelerados se pavonean en videos usando las prendas, incentivan a bajar la app y suscribirse a los mails, regalan códigos. Se ponen productivos y creativos para invitar a la compra. Así, la bandeja de entrada se convertirá en un recordatorio de las ofertas y decenas de razones para comprar productos accesibles que seguramente no necesitabas pero son lindos y baratos.

Este furor de compra de ropa barata transcurre mientras la propia empresa publica su informe de sustentabilidad e impacto social. Es decir, en junio 2025, Shein se confirma por segundo año consecutivo como la empresa más contaminante del sector de la moda, con emisiones que contribuyen al calentamiento global. 

En lo que va del año, el impacto ambiental de Shein aumentó el 23% con respecto a 2024.

¿Cómo impacta Shein en las economías regionales? Según un informe de BoF, Latinoamérica está empezando a gravar la avalancha de productos baratos provenientes de su desigual socio comercial, dice la nota. Pero no es el caso de Argentina, donde la apertura de importaciones y el impacto de la eliminación de impuestos a la importación de prendas terminadas, que flexibilizó el gobierno de Javier Milei, significó una caída abrupta en las ventas y crisis en la industria textil.

La Cámara Argentina de la Moda realizó una encuesta a diseñadores y marcas de todo el país y los resultados revelaron que: 
 a. Los impuestos actuales aumentan significativamente los costos de producción
b. L a eliminación de impuestos a la importación de prendas terminadas afecta a las ventas por competencia desleal 
c. La llegada de plataformas como SHEIN, que operan sin control, afecta al sector.

Mientras tanto, los gobiernos de México y Chile comenzaron a gravar las importaciones de bajo costo en un intento por proteger a los negocios locales del excedente proveniente de las sobrepobladas fábricas chinas, publica el informe de BoF. El Estado presente. 

Los países latinoamericanos exportadores de materias primas tienen menos margen de maniobra para actuar contra los intereses chinos debido a su desigual dinámica comercial con Pekín, señaló Evan Ellis, investigador especializado en América Latina . (BoF)

Loewe: oda al art and craft

Cuando la expertise en la artesanía, el perfeccionismo y la sed de innovación confluyen, dan lugar a un gigante como Loewe. La casa de lujo tiene 178 años de vida y pisa más fuerte que nunca. 

Por Candela Abril Rodríguez | Lic. en Comunicación editora de ¡Una pizca de azúcar!

Probablemente conozcan la marca Loewe por sus creativas campañas -como la última de otoño invierno 2024, con Daniel Craig o James Bond como nuevo embajador–, por sus extraños bolsos con forma de hortalizas o por sus virales zapatos y conjuntos inspirados en las muñecas Polly Pocket. Pero Loewe no nació con Jonathan Anderson, su actual director creativo, y su bolso Puzzle

Hace unos 178 años –se cree que en 1846, pero pudo haber sido antes–, se creaba en Madrid un modesto taller de marroquinería y encuadernación. Y un buen día, en 1872 –casi treinta años más tarde–, llegó a ese taller un distinguido señor alemán, muy interesado en aprender la técnica y enamorado por completo de los encantos de la península ibérica. Heinrich Loewe Rössberg –o Enrique Loewe Roessberg–, impresionado por el know-how de los artesanos españoles, se asoció al taller y creó su propia marca, E. Loewe, con sede en un enorme local de la calle Príncipe de Vergara. Tras ese primer hito, ocurrido en 1892, vino el segundo: en 1939 se inauguró la tienda de la Gran Vía madrileña, que hoy aloja a la Galería Loewe

Primera tienda y taller de Loewe

Podríamos decir que este distinguido señor alemán fue un antes y un después para aquel taller de marroquinería, ya que potenció lo que el grupo de artesanos españoles, fundadores del mismo, ya hacía. De producir pequeños artículos de cuero como billeteras y fundas para cigarrillos o joyas, se pasó a crear cualquier tipo de leather goods. Aquí, comienza el verdadero camino hacia el éxito de la marca: con el diseño, por ejemplo, de exclusivos bolsos para las damas. Ese éxito culminó en un título de proveedor oficial de la Casa Real, otorgado en 1905 por el Rey Alfonso XIII. Sí, un título honorario de la corona. Evidentemente, la marca tiene unos cuantos años –y una reputación intachable–. 

Las técnicas tradicionales de la marroquinería artesanal, las nuevas tecnologías –como el 3D utilizado para la colección Toy Proportions, otoño invierno 2023– y la innovación, forman parte del ADN de Loewe. Aunque parezca casi un oxímoron combinar palabras como “tradicional” e “innovación” en una misma oración, no podemos negar que, en la práctica, funciona. Estos elementos conviven en armonía. Y le funcionó tan bien a la marca, que puede darse el lujo de festejar su supervivencia a través de tres siglos –el XIX, el XX y el XXI–. 

Conjunto inspirado en las Polly Pocket. Colección Toy Proportions otoño invierno 2023

El aspecto tradicional del asunto nació en el siglo XIX, con la labor que realizaban los artesanos españoles con el cuero. El elemento innovador se sumó en el camino, con el paso de los años, el boom de internet y la llegada de las redes sociales. La manualidad, el oficio y una profunda visión de la estética y de las artes, llevaron a la creación, en 1988, de la Fundación Loewe. 

La Loewe Foundation, actualmente presidida por Sheila Loewe, fue creada por Enrique Loewe Lynch, padre de Sheila y cuarta generación de la familia fundadora. Lo que surgió como una “fundación cultural privada” –como lo indica el sitio web de la marca–, tiene hoy el objetivo de reconocer a artesanos que, con su talento único, impulsen la artesanía y establezcan nuevos y mejores estándares para el futuro de la misma. Aquí puso su talentosa mano Jonathan –o JW– Anderson: en 2016 creó el Loewe Foundation Craft Prize, el primer reconocimiento internacional a la artesanía contemporánea. 


Este premio permite que una selección de piezas confeccionadas con verdadera pericia y que podríamos considerar un patrimonio invaluable –piezas que no sólo representan la subjetividad de los artistas, sino también un tiempo y un espacio, la coyuntura en que se crean–, sean agregadas a The Room, el catálogo online de la Fundación Loewe, y que se presenten en una exposición en la primavera de 2025. Como frutilla del postre, la obra que el jurado considere la mejor, se llevará –además de todo lo anterior– 50.000 euros. 

Si esta marca, de nombre impronunciable para algunos –hecho capitalizado, muy inteligentemente, en el spot Decades of confusion, lleva 178 años en el mercado, por algo será. Un rebranding nunca es cosa fácil de lograr, menos aún para una firma con tanta historia: es la casa de lujo más antigua que el grupo LVMH tiene en su poder. Pero el irlandés Jonathan Anderson, director creativo de Loewe, llegó en 2013 a oxigenar el asunto. 

Si bien Loewe no flaqueó y se mantuvo, a lo largo de los años, en el podio de las marcas más importantes, los últimos dos han sido clave. Anderson y su equipo lograron, mediante una exquisita estrategia de marketing, captar el interés, particularmente, de la Gen Z y los millennials. La aparición de la graphic tee “I told ya" en Challengers de Luca Guadagnino; Daniel Craig de 007 y Greta Lee de Vidas Pasadas como nuevos embajadores; y los divertidos posteos en las redes de la marca, fueron factores fundamentales para que Loewe se posicionara como la firma más popular por dos años consecutivos. Ni hablar de los desfiles de Menswear SS24 y SS25, con instalaciones de la artista estadounidense Lynda Benglis –también creadora de una línea de joyas para la marca– en el primero; y con el texto “Contra la interpretación”, de Susan Sontag, como eje articulador del segundo. Todo esto aporta, indudablemente, matices y fuerza a las presentaciones de las colecciones, que están centradas en demostrar –como si todavía hiciera falta– la singularidad de la marca. 

Locación del desfile Menswear primavera verano 2025 de Loewe, con una instalación del artista Paul Thek

Las grandes casas de moda están en una puja constante para ganar la atención de una audiencia más picky e insaciable que nunca. Con un público que busca contenido de valor en medio de un mar de ofertas, Loewe lo está logrando gracias a un director creativo que llegó para darle un nuevo y vibrante color a la marca. Y sin hacerla perder su esencia, que continúa siendo su fuerte: el trabajo con materiales nobles como el cuero, la artesanía y esa pureza con la que Jonathan Anderson califica a la mano española que enamoró, alguna vez, a Heinrich Loewe Rössberg, allá por 1872. 

Artesanos de todo el mundo pueden participar, con piezas únicas, de la competencia por el Loewe Foundation Craft Prize. La inscripción estará abierta hasta el 30 de octubre de 2024, siguiendo el link

Milan Design Week: El Salone presenta la colaboración de la gestora del Manifiesto Anti Fashion Li Edelkoort con la empresa argentina El Espartano


El Espartano es una empresa argentina de diseño especializada en el universo textil que tiene más de 80 años de historia. En el marco del Salone del Mobile, más conocido como Milan Design Week, esta empresa especializada en alfombras presenta una colaboración junto a Lidewij Edelkoort, la especialista en tendencias e investigadora de hábitos futuros. 

Durante la edición 2024 de la Semana del Diseño de Milán, que tiene lugar hasta el 21 de abril, El Espartano presenta la colección Garden, curada por Li Edelkoort, en la galería Rossana Orlandi.  Garden está compuesta por nueve alfombras y un puff tejidas en 100% lana en múltiples colores y texturas. Esta cápsula fue realizada a partir de las ideas de Sergio Machado, el artista brasileño cuyos bocetos recuperan las técnicas de la acuarela y el collage. 


“El diseño actual debería tener un componente curativo. En el jardín se puede proyectar un momento de felicidad siguiendo la fluidez sinuosa de las hojas, contemplando el florecimiento de las corolas o sorprendiendo por la majestuosidad de una flor que se despliega”, comentó la especialista en tendencias que en 2015 revolucionó a la industria textil con su Manifiesto Anti-Fashion, un decálogo donde pronosticó el cambio en el sistema de la moda que fue sintetizado como “la muerte de la moda”. Sobre los tejidos, Li Edelkoort hace tiempo viene comentando que son un objeto de veneración y reflexión, como en una obra de arte autosuficiente y un ready-made modernista, los categoriza como “una muestra del renacimiento contemporáneo de las artes y oficios en los textiles, la moda y el interiorismo”, según lo dicho durante su visita a Buenos Aires, en 2018, junto a El Espartano.


Como disparador de la colección Garden curada por Lidewij Edelkoort para El Espartano, es posible reflexionar sobre los jardines, acaso en su creación con clara intención estética, como un perfeccionamiento de la naturaleza y también pensado estos espacios otros dada su esencia artificial que no renuncia a su condición artística. “Hay lugares que se oponen a los otros en los que vivimos, contra espacios”, explicó Michel Foucault en "Heterotopía" al filosofar que: “No se vive en un espacio neutro y blanco, no se vive, no se muere, no se ama en el rectángulo de una hoja de papel. Se vive, se muere, se ama en un espacio cuadriculado, recortado, abigarrado, con zonas claras y zonas oscuras, diferencias de niveles, escalones, huecos, protuberancias, regiones duras y otras desmenuzables, penetrables, porosas.”


La colección GARDEN de El Espartano crea sus jardines con colores y texturas. En sus pelos y tejidos varían las alturas para embellecer este espacio pensado a partir de las investigaciones de Edelkoort. “La naturaleza es parte de la cultura y nos refuerza desde el comienzo de la expresión creativa, decidimos crear un jardín infantil perpetuo inspirado en el arte externo, con la ingenuidad de flores dibujadas de forma salvaje, hojas recortadas, collages de botánicos y un sofá cama con flores. Obras de esperanza visual desde el jardín interior contemporáneo”, dice la pronosticadora de tendencias sobre esta curaduría que expone en Milán Design Week. La misma renueva la mirada sobre las experiencias positivas, apuntada en este caso en la creación de espacios donde sentirse bien y despertar los sentidos hacia lo amoroso.


Salone del Mobile, también conocido como Semana del Diseño de Milán, es una feria anual que se presenta en cada primavera. Con el enfoque en los muebles italianos, la feria fue fundada en 1961 y en la actualidad atrajo la atención de las marcas de lujo y la prensa de moda. A las casas habitues, que son Prada, Bottega Veneta, Loro Piana, Gucci, Versace, Fendi y Dolce & Gabbana, en esta edición se sumaron a Milan Design Week Balenciaga, Loewe, Hermès,  Saint Laurent, RIMOWA, Stone Island, Off-White, Acne, Ralph Lauren, MCM y Diesel. Moncler tomó Milano Centrale como espacio de exhibición, mientras que Thom Browne presentó su línea dde blanco en colaboración con la marca italiana de lino Frette. Cada vez más amplios los horizontes de la moda: ferias de arte, de muebles, festivales de cine. Todo es moda. 

 Imágenes: Gentileza El Espartano

Moda para escuchar: Saint Laurent se suma a la conversación


Como parte sus formas de vinculaciones directa con el consumidor, las maisons trastocaron la manera de construir su legado y mantenerse presentes en una era colmada de comunicaciones instantáneas. Lo que antes sucedía puertas adentro, ahora es material de difusión. Así entramos en el universo de las casas que se presentan y reponen su historia online. 

Si hay un formato para los gustosos de la moda imposible de desaprovechar, es el de la industria del podcast: desde la Maison Margiela con la voz de John Galliano contando en 13 capítulos sus colecciones al valioso aporte de la casa Dior, que ensalza su conversación sobre el feminismo en Dior Talks. Por ejemplo, el maravilloso episodio llevado adelante por Judy Chicago, la artista feminista emblema de la segunda ola. También es interesante las voces que componen el podcast de Gucci a partir de diversos actores de la industria. Aquí compartimos la charla con Laird Borrelli, la editora del archivo de Vogue. Otro caso es de la pionera en  exponer su legado online: Chanel organiza las temáticas de sus podcasts por temporadas. La elegida en esta nota es la historia de Christelle Kocher, la diseñadora de Koche y directora de la maison Lemaire. 

La última casa de moda en sumarse a los podcasts de moda es Saint Laurent: días atrás lanzó Smoking, con Catherine Deneuve, la actriz fetiche del cine francés y una de las embajadoras de YSL, como primera invitada. 

Aquí la lista de los episodios sugeridos para escuchar en la caminata diaria:
 

Apuntes: Tecnología lista para usar


Un vistazo rápido a la definición de la tecnología Wearable dice que es la integración y adaptación de dispositivos a prendas que usamos. Marcas deportivas o jeaneras, como Levi's, la pionera en estas experiencias móviles como la newyorkina Rebecca Minkoff o Hermès con su Apple Watch y el traje matelasse con chip de Chanel - para retratar el mercado de lujo - han incluido tecnologías a sus productos de moda a fin de llevar la funcionalidad y la experimentación a otro nivel

A propósitos de las innovaciones permanentes que surgen, algunos días atrás conocí la Sol Bag, un clutch diseñado con paneles solares que cargan el celular mientras lo usás. Sol Bag es parte de Humanfit, la marca wearable de Samsung. Mientras la tecnología aporta sus invenciones, las exploraciones de la industria de la moda aportan un vistazo al nuevo vestir. 

Vestidas para estar en casa... Y en la calle


La pandemia del covid - 19 aceleró y trastocó los hábitos, qué novedad! 
En cuanto a la vestimenta, pensamos y pasamos un año vestidas para estar en casa. Atentos a la crisis sanitaria, nuevas restricciones y aperturas fueron dando lugar a necesidades distintas pero siempre apelando a la comodidad. Esta coyuntura encuentra a la marca GOR produciendo  aquello que la mujer necesita: piezas principales, atemporales, cómodas y que puedan ser usadas en casa como en la calle. "La idea surge como un juego, con el objetivo de crear una prenda cómoda, práctica y simple. A partir de una figura geométrica - el cuadrado - nace GOR en 2017", dicen Lucila y Lucía, las mujeres detrás del proyecto. 


Lucila y Lucía confeccionan las prendas en su taller donde aplican la moldería Zero Waste al reutilizar las telas y no generar desperdicios. Para construir los vestidos y los enteritos buscan géneros suaves y terminaciones a mano "para dejar en evidencia la dedicación y trabajo manual en cada uno de los diseños. Eso nos encanta", dicen. 


A partir del cuadrado, los percheros de GOR se componen del vestido negro tradicional, de distintos largos y cuellos, un "Vesti-buzo" cortado en matelasse y otro modelo de manga 3/4. En 2020 lanzaron "MonoGor", un jumpsuit que se convirtió en la prenda emblema de la cuarentena en primavera. Estas mismas prendas tienen su versión estacional; por ejemplo en invierno las telas son más pesadas, abrigadas y los diseños tienen bolsillos. 

Podés mirar las prendas y comprar en el shop online


GOR es un concepto que va más allá de la prenda, una pieza versátil que se puede usar y combinar para las más diversas ocasiones: día, tarde o noche. Un GOR abarca toda la tabla de talles - del XS al XL-: nuestra idea es dejar de lado las medidas impuestas y que luzca único en cada cuerpo que viste", dicen Lucía y Lucila. 

 


imágenes: Gentileza GOR

Charla en BAFWEEK | Periodismo de moda: las coberturas en escenarios digitales

¿Cómo y qué observan los medios? En un contexto de pandemia, las semanas de la moda se transformaron. El desfile tradicional dio lugar a nuevos formatos y nuevos lenguajes. 
En el marco de BAFWEEK y en el espacio de EBA (Espacio Buenos Aires) estaremos dialogando junto a Celeste Nasimbera - ambas docentes de Periodismo de Moda en Espacio Buenos Aires - este miércoles 7 de abril a las 12 del mediodía vía Zoom sobre cómo se cubre la moda en tiempos de protocolos y restricciones.

"Periodismo de Moda: Cobertura  en escenarios digitales" es una actividad gratuita y requiere inscripción previa. Pueden hacerlo siguiendo este link


Agenda: 
Lorena Pérez & Celeste Nasimbera en el espacio de EBA en BAFWEEK. 

Acerca de EBA: 
EBA es un centro de estudios profesionales en moda, diseño, fotografía y business, con 29 años de trayectoria brindando enseñanza de calidad, con perfil profesional. Espacio Buenos Aires ofrece una amplia variedad de carreras y cursos cortos presenciales y a distancia. Más información

Acerca de Celeste Nasimbera: 
María Celeste Nasimbera Periodista. Formada en la Universidad de Buenos Aires, se desempeña profesionalmente en medios desde 2012. Previamente en 90+10, Distrito Arte, Harper 's Bazaar Argentina y actualmente L’Officiel Argentina. Desde 2015 lleva adelante su proyecto editorial: Crónicas de moda. Ha realizado coberturas internacionales tales como semanas de la moda en Londres, Milán y París. Miembro del comité de selección de feria Puro Diseño y Sello de Buen Diseño.

Acerca de Lorena Pérez: 
Periodista y autora de Bloc de Moda, medio digital de cultura moda lanzado en 2006. Especializada en periodismo digital, Lorena escribe para los diarios La Nación, El Cronista y las revistas LN Revista, Brando, Noticias, Rolling Stone, L’Officiel. Investiga para los centros de estudios de moda de Parsons New York y Universidad de Palermo. Desde 2007 cubre las semanas de la moda de New York, Paris, San Pablo y desde 2015 las colecciones masculinas de New York Fashion Week. Actualmente escribe un libro periodístico de moda argentina.

Dark Academia, la subcultura que se viralizó durante la pandemia

Por Silvia Delvigo

Dark Academia es el nombre con el que se conoce a una estética y subcultura surgidas en las redes sociales, y que sigue como líneas principales la evocación a las temáticas relacionadas con la literatura clásica, y una pasión e interés profundos por el conocimiento y el aprendizaje en general, imaginadas en el ambiente aspiracional de las ​boarding schools y universidades de la Ivy League. Las bellas artes, la escritura, la arquitectura y el lenguaje –sobre todo latín y griego- se entrelazan con las nociones de un romanticismo onírico, de tintes oscuros y una naturaleza trágica. El imaginario donde se bosquejan estas ideas suelen ser edificios de arquitectura gótica, cafeterías, bibliotecas y paisajes de paletas otoñales. 

Trazar una línea de tiempo concisa sobre sus orígenes y desarrollo es particularmente complicado debido a que la comunidad online que acuñó esta amalgama de intereses existe hace años, aunque sin un nombre específico para definirla. Sin embargo, la mayoría coincide que la estética se gestó en la plataforma Tumblr, en algún momento del año 2014. En aquel entonces, Dark Academia se vislumbraba en publicaciones con fotos oscuras, desaturadas y granuladas de escenas de la vida académica, que acompañaban listas de recomendaciones de libros. 


En 2017, la presencia de esta estética adquirió fuerza en las redes al introducirse en Instagram con Ryan Taylor y Maria Teresa Negro siendo Ryan la primera persona en publicar una guía ​“How to be Dark Academia” en diciembre de ese año. Las fotos de la vida diaria de estos ​instagramers,​ sus pensamientos y opiniones sobre autores de literatura clásica que los inspiraban, volcados en la prosa que describía sus publicaciones, popularizaron la estética y ​lifestyle de Dark Academia, inspirando a otros usuarios de la red social a crear ​moodboards basados en el contenido que generaban y el universo que sugerían. 


Sin embargo, el movimiento adquirió mayor fuerza a principios de 2020 dada su viralización en la plataforma TikTok. El cierre de las instituciones educativas a raíz de la pandemia causada por el COVID-19 se percibe como uno de los motores que impulsó su expansión online. 

Este año, la mayoría de estudiantes alrededor del mundo vio cómo el ritmo de su vida académica frenó en seco ante la magnitud de la pandemia. No más viajes de intercambio, ni de egresados; no más fiestas, ni ceremonias de graduación. Las aulas, bibliotecas, cafés y espacios que formaban parte de su rutina se redujeron al ambiente del hogar donde ahora tomaban clases por zoom. En el hemisferio norte, la situación actual incubó, con el soporte del mundo digital, un nicho donde las personas podían recrear esas actividades y las volvieron un lifestyle acompañado de una identidad que lo destaca de otros movimientos y estéticas en lo que a moda se refiere. Al compás de “Gymnopédie No.1”, de Erik Satie y la versión del usuario de YouTube jake25.17 “What falling in love feels like” desbordaron en TikTok fotos en tonos sepia de museos, bibliotecas, libros iluminados por la luz de las velas; videos de plumas sangrando tinta negra en cursiva sobre papeles amarillentos, blazers de tweed, tiradores y zapatos Oxford. El aprendizaje se convirtió en la manera de viajar, explorar universos nuevos. Conectarse con la profundidad de las emociones, cultivar las habilidades artísticas y académicas, leer los clásicos y a los grandes filósofos se convirtieron en los boletos de ida a otro espacio mental cuando no había a dónde ir, geográficamente hablando. 


Con una preferencia por las tipologías de temporadas otoñales e invernales, el estilo Dark Academia se configura en blazers de tweed o terciopelo, cardigans, suéteres camel, poleras negras, boinas, accesorios sofisticados y minimalistas, zapatos Oxford, faldas tableadas y pantalones a cuadros. El pata de gallo y Príncipe de Gales son los diseños elegidos para los tejidos de las prendas. El ideal es evocar, a través de los ​outfits,​ lo que estudiantes de los años ‘30 y ‘40 hubieran usado. Una pasarela que sintetiza esta corriente estética en lo que respecta a paletas y siluetas es la temporada otoño /invierno ​2020 de Celine
 

Una colección ​genderless​, cuyas piezas fueron diseñadas para ser usada tanto por hombres como mujeres, parece no sólo amalgamarse con el Dark Academia en texturas y paletas sino en una idea de inclusión de todas las identidades de género. Una de las características de esta estética es que su comunidad está formada por una gran cantidad de personas LGBTQ+, que encuentra en la androginia del representativo blazer una amplitud y fluidez de géneros, en lugar de un encasillamiento en un estereotipo puntual. Chicas, chicos y cualquier persona que no encaje en ninguna de estas dos definiciones, puede expresarse a través de las prendas de este estilo, y a su vez, encontrar representación y visibilidad en el contenido de esta estética, siendo que ​Kill Your Darlings​, y ​If We Were Villains son obras (del cine y la literatura, respectivamente) aclamadas por quienes siguen la estética en las cuales se incluye a personajes LGBTQ+. No deja de resultar interesante cómo una estética inspirada intelectualmente en el rigor académico y visualmente en el elitismo y conservadurismo de los colegios y universidades, busca romper con estereotipos y abogar por la inclusión. A pesar de su proyección de un modo de vida en las instituciones educativas más prestigiosas, estrictas y antiguas del mundo -y por ende, accesibles sólo a un porcentaje privilegiado de la población-, el Dark Academia, como estilo, es muy accesible. 

En una era en la cual es evidente la consciencia respecto a qué y cómo se consume, el Dark Academia refuerza la noción de la reutilización de vestimenta conseguida en locales de segunda mano, de la pieza rescatada del ropero de un familiar, de aquellas prendas y accesorios propios que dejan de utilizarse, pero que al llevarlos nuevamente generan una sensación de añoranza."


Más allá de la nostalgia, los lomos gastados de libros viejos, los apuntes manchados de café y los prints de óleos del Romanticismo pegados en un corcho junto a cartas escritas a mano, el Dark Academia es un ejemplo excelente de cómo los espacios virtuales se vuelven semillero de tendencias y facilitan su alcance a la comunidad. Los desfiles seguirán existiendo, al menos en el futuro cercano, aunque varias marcas hayan decidido explorar otros formatos. La calle siempre va a marcar el nacimiento de tendencias y cuánto pueden mantenerse en los tiempos de la moda. Pero si algo dejó claro este año y sus particularidades es que las redes sociales son el nuevo y muy tangible contexto donde pueden gestarse los nuevos vaivenes de la moda y los modos de vida a pesar de su virtualidad.